Efesoul presenta BOOTY DEW (single)

Miembro de Bvstv Collective, Efesoul lanza su nuevo single BOOTY DEW para escucha y descarga.

Efesoul, también conocido como Felipe M, es un productor de Temuco (Chile). Decir que es joven y que a su corta edad de 20 años tiene un sonido sólido, maduro, sería poner el parche antes de la herida, situarlo en una otredad que no es lo que interesa en esta ocasión, aunque todo lo anterior es cierto.

El miembro activo de Bvstv Collective y del sello nacional Future Frequencies ha liberado el single llamado “Booty Dew”. En su nueva adquisición, Efesoul, da un paso significativo para desligarse del Kawaii beat (sello de fábrica, sonido distintivo con sintetizadores rugosos, siempre afables) y tornarlo a una oscuridad lustrosa, como lo es el Club. “Booty Dew” es una composición inmensamente bailable, marcado por un bombo que da la pauta para los movimientos entrecortados y un bronce que marca las respiraciones. El resultado es un track ominoso que te mantiene atento a la siguiente sucesión.

No pierdas de vista a: Eyedress

Hace algunas semanas, vía Noisey, Eyedress daba la exclusiva: la liberación de su LP debut “Shapeshifter”. Andrógino, metamorfo.

El residente en California (EEUU), de nacionalidad Filipina, Idris Vicuña, está dando de qué hablar hace rato. A muy temprana edad fue firmado por XL Recordings (sello inglés independiente que trabaja con Adele, el notable Jack White, The Prodigy, Atoms For Peace, M.I.A, Tyler, Beck o Sigur Rós entre  un largo etcétera) aunque se dio el gusto de autoeditar “Shapeshifter” por Babe Slayer; su sello. Ni corto ni perezoso, ya que, definitivamente, habiéndolo lanzado por el sello, habría tomado mayor notoriedad.

Volviendo a “Shapeshifter”: este oscila por el chill, el synthpop y la psicodelia. Una mezcla entre Elvis Depressedly, Evil Needle y algo del Shlohmo más emo (tema aparte: imposible no recordar las canciones de Twin peaks por Julee Cruise. “Shapeshifter” apela a cierta nostalgia, una a luz estroboscópica).

¿Criticas esperables? Es un disco denso para ser de tan larga duración (58 minutos aproximadamente). Si bien lo que mas destaca es el synthpop, hay colaboraciones en clave rap que son los matices más arriesgados –aunque no pierde el mood–. Fuera de ese par de excepciones es un material digno de mencionar.

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Oneohtrix Point Never – Gardens of deleted

El último trabajo de Oneohtrix Point Never – Gardens of deleted, a revisión.

Cuando se borra algo (imaginemos un ordenador), existe la  idea fútil de la eternidad. Lo que en realidad sucede es que pasa a formar parte de una invisibilidad, una suerte de escondrijo a donde van las cosas que alguna vez fueron a parar a la papelera. Lo mismo pasa con los aconteceres diarios almacenados en la memoria interna. Parece que es necesaria una  instigación para que vuelvan a salir.

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Daniel Lopatin, una de las voces más interesantes, ha lanzado “Garden of deleted” (o  G.O.D.)  a través de Warp. Una cartografía a superficies porosas. Para ello recurre a diferentes registros. Matices violentos y otros que se acomodan en el mas sentimal entre todos los moods.

La forma que deja un objeto o artefacto al ser extraído, esa arquitectura de la ausencia, es en realidad un objeto nuevo, deconstruido.
Oneohtrix Point Never ocupa esos espacios y transplanta en este, su jardín, 12 conceptos, diversos todos entre sí. Cada uno potente a su manera.

Disponible en iTunes.

Deafheaven – New Bermuda. Azul casi negro

Revisión al último trabajo de Deafheaven, “New Bermuda”.

Que difícil debe ser volver a trabajar en un disco después de tan promisoria entrega como lo fue “Sunbather”. Pero amig@s, New Bermuda es un material tan potente que logra recalcar el espacio más que merecido en el hype para la banda de California (EEUU) .

Su estilo parece estar definido por una comunión armónica entre el post metal y el Shoegaze (Blackgaze). A diferencia de lo que fue “Sunbather”, la última entrega de Deafheaven ,no está cargada al Shoegaze: la voz en esta escena viene a funcionar como un sintetizador más, como una guitarra más que remarca los quiebres (múltiples, por cierto, si hasta pianos podemos encontrar). Recuerdo uno de los primeros videos que vi de ellos en directo (ojo ahí). En él, George Clarke, el vocalista estiraba la voz  acompañando las filtraciones de la guitarra en delay. Es en ese trance, en ese constante ir y venir sonoro, que parece que la voz se cortará pero al contrario de lo que se podría pensar no cae en lo grotesco, en lo visceral.

Un disco marcado por la melancolía, pero una con etapas de dulzura que ayudan a no bajar las defensas (iba a destacar la segunda canción en este ámbito, pero me es imposible destacar un track por sobre otro). El sonido constantemente es pasado por un colador, llevándonos desde el quiebre mas violento, a la sensación más emotiva. Un lujo sensitivo.

Ya está disponible a través de Apple Music o Spotify.

Alix Perez & EPROM – Shades

La intrepidez y el sonido ácido, manejado a cuentagotas por EPROM y esa fractura en el rebote de Alix Perez. “Shades” de Alix Perez & EPROM: Recomendado

Quince minutos o cuatro tracks son los necesarios para reunir, mejor dicho, condensar el “resorte”. Digo, como si una mano lo sostuviera y la otra se apoyara sobre él para torcerlo, girando la mano sobre su eje. Toda esa energía reunida es expresada en “Shades”, una de las últimas novedades de Alphapup, el trabajo en conjunto de Alix Perez & EPROM.

Aunque  reconozco, fui egoísta con esa descripción (y también falto a la verdad) ya que “Shades” desborda en movimientos, en transiciones. En cambio ese “resorte” solo condensaría en una dirección para caer quién sabe dónde. En ese sentido, el título parece atingente, ya que la sombra también implica sorpresa.

Como ya mencioné, este proyecto está cargado de energía y agresividad. Se destacan agrios sintetizadores, baterías cercanas al hip hop, algunas luces de drum and bass y voces constantemente diluidas.

Una interesante reunión de estilos, sin lugar a duda. La intrepidez y el sonido ácido, manejado a cuentagotas de EPROM y por el otro lado, esa fractura en el rebote de Alix Perez.

Recomendado.

Disponible para escucha en Amazon, Apple Music, y Spotify.

Planet Mu – µ2O (revisión)

El mítico sello inglés de IDM, Planet Mu, celebra sus 20 años de existencia con un recopilatorio de 50 canciones.

Planet Mu, el sello de IDM afincado en Londres (Reino Unido), está de cumpleaños y que mejor forma de celebrarlo que con un nuevo lanzamiento. Se trata de un CD triple, comandado por Mike Paradinas A.K.A µ-Ziq y que está compuesto por una selección de 50 tracks.

El resultado: un collage ominoso de recortes sucios, con detalles de chill, footwork, dubstep, glitch, neurofunk y también breakcore. El collage no forma imágenes mayores, no hay rostros, no hay escenas. Se puede decir que es una alfombra con diversas texturas y sin un patrón identificable. Cada forma se reconoce a si mismo por la diferencia con los otros. Entre los artistas que componen el VV.AA podemos encontrar a Kuedo, Machinedrum, Venetian Snares, Falty DL, Mrs Jynx o Dykehouse, entre muchos otros.

El conjunto renueva los votos de Planet Mu, uno de los sellos mas interesantes del IDM (tanto hoy como hace 20 años.)

Disponible en Spotify
http://www.planet.mu/discography/ZIQ370

PD: Si al día de hoy no conoce el trabajo de Planet Mu, el mismisimo Mike Paradinas (µ-Ziq) ,en un articulo reciente ,escogió los 20 tracks mas representativos del sello.El link está a continuación:

http://www.dummymag.com/lists/planet-mu-20th-anniversary-best-tracks-according-to-mike-paradinas

Vuelve Future Frequencies: NNTBLST – Ida Iki – This is sleeping (NNTBLST Remix)

NNTBLST hace su primera aparición en las filas de la #futurefam, de la mano de un remix de primera, lleno de energía y feeling.

El productor chileno, Nontabilist es un productor con cancha, con historia. Para que se hagan la idea: fue deejay de los Cuarto Universo y miembro fundador del Ministerio de Ritmos entre otros muchos acontecimientos del quehacer beatsmith nacional. No es extraño verlo en donde las papas queman; es miembro activo del Colectivo BVSTV y hoy, vía Facebook dio otra muestra de su constante vigencia: lanzó nuevo single junto a los capos de Future Frequencies, perteneciente a la serie freebies llamada Free Frequencies.

“Ida Iki – This is sleeping (NNTBLST Remix)” es un track de una pulcritud absoluta. Siete minutos completos de melodías oníricas dispersas en una estructura techno house.La ensoñación, tal como el track que nos convoca, tiene diversos niveles, diversas caídas. Se dice que durante una noche lo que se llega a soñar no sobrepasa los 6 minutos, Nontabilist le agrega un minuto más como quien vuelve a dormir y tiene la suerte de continuar el sueño.

Dos grandes noticias: La #futurefam sigue creciendo.
La #futurefam está de vuelta. #Ojo

Para mayor información revisar www.futurefrequencies.net

FKA twigs – M3ll155X (revisión)

El último trabajo de la inglesa FKA twigs, M3II155X, a revisión por Álvaro Escanilla.

A los más puristas les podría llegar a molestar en cierto modo. Como el uso de los clásicos de Massive Attack para promocionar perfumería de diseñador (si, los mismos Massive Attack que se presentarán en Dismaland ). Pero dudo que el interés de FKA twigs y ese agradable trip hop/pop sea llevar a la “decadencia el estilo”, si no replantearlo de alguna u otra forma. FKA twigs es una artista pop para un público especial, selecto. Tal como lo puede ser Björk.

La comparación no viene a ser tan descabellada cuando tomamos en cuenta el último trabajo de ambas: “Vulnicure” y el que nos hace reunirnos hoy, “M3ll155X”. Ambos discos hacen una discusión de género potente y también comparten el hecho de que tanto la una como la otra, son difíciles de digerir. Pero en esta ocasión, al menos, me atendré a comentar lo que hace FKA twigs a través de “M3LL155X”.

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El trip hop no es el fin estético, sino un medio para relucir, para destacar y quién mejor que Tahliah para hacerlo. Si hay algo que es admirable de la artista es su conciencia de cuerpo, su calidad  psico física. En pocas palabras, su capacidad de  poder llevar a “materia corporal” lo que la música produce en los niveles más interiores. En este trabajo la inglesa, en una depurada mezcla de estilos (del pop al noise, del trip hop al industrial, siempre pasando por el R&B) se adentra a su lado más violento, sin perder elegancia. Una voz blanquecina, casi transparente, se logra oír entre el girar de diversos engranajes. Y a la vez logra perpetuar una crítica en torno a la violencia de género y como afecta internamente a la individuo.

Cinco son los temas que componen este potente epé que puedes encontrar en iTunes y también en Spotify. Circulando por internet también se encuentra este trabajo audiovisual; el disco completo hecho video. FKA twigs no ha descuidado ningún franco posible.

1,349,557 y contando.

IITSU – Three ways to call ur name (single)

“Three ways to call ur name” es el nuevo single del joven productor chileno IITSU en clave R&B.

El otro día comentaba con un amigo acerca de las raíces musicales, que siempre, de alguna forma u otra, nacían en el  mismo punto: la cultura negra. Particularmente quiero comentar el hecho de que algunas tribus, según me contaba, hacían música en todo momento, como indicando la iniciación de un ritual. Si había un grupo que lavaba la ropa, había otro que tocaba la música. Si algunos se encontraban tallando madera, otras personas estaban tocando la pieza musical (la replicación y “superación” de los ritmos de la naturaleza) que correspondía al momento de tallar madera.

Estamos llenos de rituales, ya sean conscientes e inconscientes. IITSU (Alias de Ignacio S), nos recuerda que hasta la nomenclatura es una expresión de pertenencia, de apropiación. Ya sea del recuerdo, de la persona o de la emoción misma. El joven productor de Pudahuel (Chile) saca a la luz esta pieza de 3:06 en donde se imponen sonidos del tipo R & B, trap y también del Kawaii Beat. Mezcla que podríamos denominar “Bubblegum Sadness“. Un recuerdo que separa a la alegría/nostalgia del momento, de la carga emocional del R & B. La moldea acorde a sus necesidades, en este caso el manejo de un medio para un fin expresivo. La explosión, el Bum.

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Ænox – Synesthetic transmission (single)

Con este single Ænox se propone producir, a través del artificio sonoro, una respuesta o estímulo que pasa por la vista y lo emocional por el oído.

Por un sentido de comodidad, el ojo es el órgano que parece tener mayor cercanía a los estímulos. Aun así, siempre está en conflicto con la piel por ese puesto. En el cine, por ejemplo, se ha trabajado un efectismo a través de la percepción del color, como también el trabajo de las bandas sonoras. La tarea se hace difícil para quien quiera replicar algún sentimiento o emoción a través de un medio que no tenga relación directa con dichos órganos.

La sinestesia se traduce como el proceso psicológico en el cual la capacidad asociativa de un órgano sensitivo se enlaza con otro sentido. Esa es la tarea que se propone Aenox con “Synesthetic transmission.” Producir a través del artificio sonoro una respuesta o estímulo que pasa por la vista, y lo emocional por medio del oído.
El código binario –lenguaje críptico basado en dos formas (“0/ abierto” y 1 /cerrado”) y empleado particularmente para la traducción– se asemeja al respirar, proceso vital de dos movimientos “inhalar” y “exhalar”.

Lo que podría parecer una falacia, por ser una excepción tomada con pinzas, (entre otros movimientos o procesos duales) queda demostrado como un “posible” en “Synesthetic transmission”. Dos percepciones disimiles. Una intangible y que responde a una sucesión patronímica. La otra visible y rutinaria (y porqué no, patronímica también), se logran confundir en este cohabitar de 3:04, en donde cada loop realizado es el intento del tecnófobo, de asirse al ritmo. De asimilar el bucle. El desacierto o triunfo en el instante que él encuentra en el propio cuerpo, la maquina instalada. Violencia en el respirar que intentará volver al ritmo cotidiano y luego a la naturaleza (expresada en clave de trip hop). La eterna dicótomia de quien tira más fuerte cuando los procesos son cuestionados.

PRAYERS: Cholo Goth o algo que definitivamente tienes que conocer

PRAYERS son los pioneros del movimiento Cholo Goth

Si digo Cholo Goth fácilmente creerán que es una broma; que es un parafraseo peyorativo sacado de la boca de Donald Trump. Pero el término es inherente a Prayers y está sobre la mesa desde su anteriores referencias, aunque no es hasta su último trabajo “Young Gods” en donde vemos los frutos de esta propuesta.

El diccionario define cholo como quién es mestizo de indígena americano –raza blanca y que ha adoptado el modo de vida que impone la ciudad–. Por esencia el género rescata la tradición fronteriza “latino- chicana”, particularmente la cultura mortuoria de México en su estética oscura. Si lo queremos comparar con algo, es así como la mezcla de Crystal Castles y Madball.

Si, entre el rap, la electrónica (Glitch ácido) y el (post) hardcore con mucho doble pedal (en el track que le da el nombre al disco, por Travis Barker). El trabajo cuenta con letras potentes, cargadas de metáforas e identidad. El grito, tal como en los Beastie Boys, no entorpece el producto. Es una gran propuesta por parte de Rafael Reyes (A.K.A Leafar Seyer)Dave Parley, que ocupa a los estereotipos y su antítesis para deconstruir las tendencias urbanas actuales.

“Young Gods” está disponible en Spotify y Apple Music

Review: The Mountain Goats – Beat the champ

Hasta este momento las críticas y reviews han obedecido a discos de una índole: electrónica; sin embargo, esta vez compartiré un disco que me parece a lo menos “interesante”, sin pertenecer al género ya mencionado.

The Mountain Goats – Beat the champ

Vía Merge Records (sello de Carolina del Norte, USA) la banda de indy –que se pasea cómodamente entre el folk rock y el spoken wordThe Mountain Goats edita este LP: “Beat The champ”.
No les mentiré. Aquí no hay innovaciones, ni vanguardismos, todo lo contrario (así que si andaba en busca eso, puede salir por donde entró). Este disco goza de sencillez desde el primer track hasta el último, con excepción de uno que otro sintetizador que aparece.

Su “importancia” radica en  el trabajo investigativo. Un trabajo documental. El proyecto está basado en el mundo de la lucha libre; si queremos hilar más a fondo, en términos de historia, fueron los gringos quien llevaron hace aproximadamente ochenta años la lucha libre a tierras mexicanas. (*Wrestling , en inglés.)
Sin embargo, los mexicanos deconstruyeron el show a partir de los símbolos más sobresalientes y representativos de su cultura, apropiándose por completo del “deporte espectáculo”.

Este disco rescata ese mundo: las guerras morales que dividen al público entre “rudos” (heel) y “técnicos” (face), la herencia familiar, las infaltables máscaras, el desgaste del viaje de carretera. En otras palabras, este disco es una recopilación de crónicas musicalizadas. 

Respecto a los matices, no hay ningún “sillazo a la cabeza” o “machetazo al pecho”, lo que encontraremos serán apacibles conversaciones que suceden en la cabeza de quien camina hacia el ring.

El disco se encuentra disponible en iTunes y puedes escucharlo a través de Spotify.

Probando la “Nave afrodita” de Alisú

Modismo nos deja su última entrega, perteneciente a Alisú, bajo el título “Nave Afrodita* “.  El proyecto es un EP que consta de cinco tracks (tres originales; los otros dos son remixes por cuenta de Blit y Jack plug, respectivamente).

Si bien cada composición está bien lograda, no pasa de ser un disco plano. Resaltan los sonidos ásperos pero caen en tautologías. Ambos remixes siguen la línea del disco (lo cual se agradece) destacando por los quiebres logrados. Mención especial al segundo track “Paisaje sideral”, que exacerba la sensación de extrañamiento en donde la batería y el sintetizador nunca chocan. Los tiempos independientes conversan.

Parece un EP prematuro, apurado. Hay conocimiento y calidad pero no está bien ejecutado. La nave nació como modelo, sin pasar por los planos*.

Dark Jovian de Amon Tobin: exploración sobre cuerpos flotantes

Amon Adonai Santos de Araújo Tobin es la cara del trip hop latinoamericano “per se” (aunque  si hacemos una búsqueda más detallada el trip hop no pasa mas allá de 4 referentes mundiales)

Una exitosa carrera de productor que lo ha llevado a trabajar en proyectos visionarios como ISAM (el que sigue dejando huellas hasta el día de hoy y que puede conversar cómodamente con el “Live 3D” de Flying Lotus o las puestas en escena de Ryoji Ikeda) y su participación en barcos como Pepping Tom (junto a Mike Patton y Razhel, entre otros). Amon Tobin es un referente, pese a quien le pese.

AmonTobin-DarkJovian

Hace algunos días salió  su esperada nueva referencia “Dark Jovian”. Lo que se sabía – aparte de una mesurada estética en donde solo resaltaba una tipografía simple y negra sobre un fondo blanco – es que este disco intentaría simular la sensación “de estar en el espacio exterior”. Una tarea para nada fácil: presupone entender la música o el sonido como una onda que viaja por un espacio determinado. Saber que el sonido se estira, se refracta. Lo que parece “física  para principiantes”, no es algo que todos los artistas de electrónica tienen integrado en su plan de trabajo – más allá de subidas y drops -. Y para no ser tan injusto, no todos los músicos lo recuerdan.

Este disco si bien no logra su cometido a cabalidad, es un lujo auditivo. Sintetizadores  que canalizan la  tensión de violines disipados, voces que se pierden, el vacío como fuerza que aprieta los cristales, proyección de las naves, cavidades rocosas: todos ingredientes, pero creo que faltó lo fundamental (y que pudimos ver en películas como Gravity. El silencio incómodo, ensordecedor. Hay una frase muy bella que dice “si el planeta explota, lo hará en silencio”, pues se mezclaría con un todo.
Los sintetizadores se alargaron a mas no poder. Se doblaron, mutaron. La incertidumbre de “odisea en el espacio” de Kubrick en su máximo esplendor, sin embargo, nunca hubo un instante de silencio que desesperara y llenara de arrepentimientos, de ganas de asirse a un suelo o de volver a la nave.

Pasando por alto ese punto, se puede decir que es un disco de “exploración de cuerpos flotantes”. Es un disco altamente recomendable, que recalca la expertise de un referente musical.

“Fated” de Nosaj Thing: el suelo que roza las ampolletas

Nosaj Thing, chapa de Jason Chung, no había presentado bloque o cuerpo de unidades (álbum) desde “Home” (en 2013). Aquel album destacaba por sus percusiones (golpes concetrados, rebotes) y la conversación profusa que mantenían con los ambientes, que sorprendían con saltos y cambios “inesperados”.

No hubo descanso: RedBull Music Academy, el mismo año del lanzamiento de su último trabajo, colaboraciones con Kendrick Lamar o Chanche the Rapper, una larga  lista de remixes… todo hasta llegar al track protagonizado por Chance the Rapper, quien se repetía el plato, y daba un indicio de lo que sería la nueva entrega: “Fated”, a salir por los sellos Innovative Leisure y Timetable. Su debut en ambos.

Adentrándose en el disco, sorprende como ha ido de menos a más, ocupando precisamente la técnica inversa: sin saturar cada canción con un compendio de pliegues y sonidos. Las baterías están reposadas, ya no hay gritos entre un lado y otro del enlace. Ojo: en el contexto de los discos anteriores, esa saturación no lograba cansar, pero se notaba una incomodidad. En “Fated” destaca una onda expansiva: vibraciones graves y agudas a ras de suelo que parecen ser ejecutadas por haber subido el pitch, pero que no responden al hecho. Suenan con absoluta naturalidad (a destacar en este terreno el track “Phase IV” y “Let you”. )

A pesar de ser un disco “a ras”, no se pierde la característica particular de Nosaj Thing, la influencia de los “halógenos”, la luz. Vocales disfrazados de sintetizadores y viceversa. Golazo del californiano. Absolutamente recomendado. (disponible en iTunes, Spotify y Bandcamp)

Lustmore de Lapalux – Replanteamiento de un espacio

Había estado ausente por un resfrío mal cuidado está última semana, pero he vuelto. Hace algunos días el sello de FlyLO “Brainfeeder” dejaba caer una bomba. Y no es para menos. Es el segundo LP del ya re conocido productor Lapalux (diminutivo de Lap of Luxury) y créanme, es un discazo.

Miembro activo de sellos como Brainfeeder y Ninjatune (¿se puede dudar de su calidad todavía?) Stuart Howard (nombre al que responde a su madre), se había dado a conocer mediante una serie de exitosos singles, EPs y el fundamental “Nostalchic”. Camino lógico para llegar a un discazo como “LUSTMORE”.

Una hermosa portada que nos recuerda el desastroso pasar que ha dejado el huracán Kusama en Chile, y lo fácil que es prostituir un signo (prostitución que se ha hecho por ambos lados… pero eso es otro cuento)

El disco, como bien dice el título de la reseña, es un replanteamiento del espacio, constante. Lapalux nos tiene acostumbrado a trabajadas texturas, sin embargo no es allí en donde concentra sus fuerzas en esta entrega. La metáfora del espejo en la portada se traduce en una liquidez en los sintetizadores que no abandona. Misma liquidez que acompaña a las vibraciones en las vocales y colaboraciones (Szjerdene & Andreya Triana). Hay un constante movimiento. Una caja llena de resortes de juguete (bajo el agua), en donde en cada movimiento o vaivén se estiran: en todas direcciones, sin perder sutileza. Hay un paneo, hay una conciencia de rebote.

Un disco que puede parecer “sin alteraciones”, exceptuando el crudo “Make Money” en “Midnight peelers” vimos un adelanto de esta crudeza, la única toma de aire dentro del disco, que se sumerge hasta lo más profundo -en un temazo como “Funny games”-. Sin embargo es en “Make Money” donde el disco desentona. Parece más una muestra de habilidades que la continuación del plano argumental.

A pesar del desentono de un track, es un disco absolutamente recomendado. No solo por la calidad, sino también porque hay que seguir los pasos de Lapalux, quien cada cierto tiempo saca joyas como esta.

Afrontar el bucle: Revisión al último trabajo de Tonossepia

A Tonossepia lo escuché por primera vez en el compilado “Dilema en serie”, lanzado por el sello nacional Dilema Industria en el 2009. Nombro este VV.AA porque generó notoriedad instantánea por la variedad de estéticas y estilos que convergían. Recuerdo a CAF, Terciopelo de Esquizoofrenia, Dadalú, Antioch ,Kinetica, Bronkoyotte, entre otros. Me llamó mucho la atención. Uno de mis eternos pendientes.

Luego de un tiempo, le perdí la huella armada por una gran cantidad de singles, hasta saber que trabajaba en otros sellos de la fauna nacional, como ModismoDiscospegaos. El último, sello donde lanza su nueva referencia , “Amordisco EP“.

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“Amordisco”, es un EP compuesto de 3 tracks; comienza lleno de armonía, junto a un ambiente que se presta para la introspección. Poco a poco la melodía -que presenta pocas variaciones- se transforma en un loop “monótono” a secas (en un principio, a diferencia del sintetizador base). El “minimalism” aquí impreso (que queda en mayor evidencia en el track Amordisco), parece una traducción de los estados de ánimos, los mismos que se asemejan a un bucle eterno.

Un house sincero que aun así, no pierde frescura: Consciente del loop y la resiliencia.
La descarga está disponible a través de la página del sello, haciendo clic aquí.

Conversatorio: Lo último de Death Grips y también Shlohmo

Hay ejercicios que se hacen de forma inconsciente. Uno de ellos, por ejemplo, es hacer una “conversación” entre los discos que se tienen en el reproductor (sea cual sea). Quizás para mantener el “mood” o al contrario, hacer que este mismo, tenga matices.

En este mismo momento hay dos discos recién salidos del horno que conviven. Y no por que el nombre de las canciones de uno (por ejemplo, “Buried“), sean las razones que arrastran consecuencias en los títulos del otro disco (“Break Mirrors With My Face In The United States”). Hablo de “Dark Red” del productor de electrónica conocido como Shlohmo, y por el otro lado “JENNY DEATH” del trío experimental Death Grips. Ambos, de California, USA. Y por lo que veremos, su relación no solo es geográfica (una coincidencia). Ambos comparten una estética polimorfa que no se desgasta.

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Shlohmo – Dark Red

Se dice que lo que toca Shlohmo lo transforma en oro. El fundador del colectivo Wedidit, que nos tenía acostumbrados a ese mood que se alejaba tímidamente del trap (Out of hand de Laid out, por ejemplo o también un Empty pools) en una muestra mas de su madurez musical ha cambiado o endureciendo su sonido.

Ahora… simplemente suena como una banda de post rock, por sí solo.

“Dark Red” está compuesto de 11 tracks: Sintetizadores amargos y dulces. Guitarras distorsionadas y baterias de trap. Este disco, esta referencia, está hecha para tensionar la tristeza. Prueba de ello son los sintetizadores que complejizan la espera de los hi-hats. Un disco que llena de impaciencia y de sudor en las manos. No mira hacia atrás a sus compañeros con desdén, al contrario, sabe que en una variedad selecta, está la proporción fundamental. Su calidad es incuestionable.

Como dato: El streaming de este disco fue subido oficialmente por el New York Times.

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Death Grips -Jenny Death

Saltándose las múltiples anécdotas que se pueden contar de la banda, su sonido no te deja indiferente. O te llama la atención de una forma o de otra. Luego de anunciar su separación en el 2014, aparecieron con dos nuevos trabajos. El primero “Fashion Week”, disco que contenía el acróstico “JENNY DEATH WHEN”. Una clara alusión a una continuidad, la misma que acaba en esta última referencia: “Jenny Death”.

Baterias violentas y cortopunzantes. Sintetizadores que asemejan movimientos de autos de carrera. Una voz estridente, la de mc Ride, que se asemeja a un cavernícola fuera de su época. Este disco no solo es influencia la electrónica, no solo suena a “noise rap”, Death Grips se quiere desmarcarse y encontrar sus propios parámetros.

Hay mezclas que siempre debieron ir homogéneas. Ambos discos muy recomendados.

Sonarán los resortes – Feeling Hot de Marvin Marlyn

Marvin Marlyn hace años dejó de ser un rookie. Se afianzó en una empresa arriesgada llamada Future Frequencies junto a Unek, pero su camino ya estaba trazado. Hablo de su incursión en el sello dominicano Stereoptico, casa de dónde saca su última referencia.

Un trabajo  maduro que no solo mezcla g-funk con electrónica (marca de fábrica), sus acercamientos a un hip hop mas fresco mas trap y al jersey club es muestra de que está hecho para sonar HOY. Lo anterior queda claro en los cuatro tracks que componen este EP. Festín de vibraciones que parecen interminables, como la percepción del instante mismo.

El trabajo está disponible para descarga gratuita en la página del sello, haciendo clic aquí.

No hay excusa que valga: Review a “Girls Alive”

El 22 de marzo pasado, la gente de Modismo, un record label radicado en Chile, liberó su más reciente referencia “Girls Alive”. Un recopilatorio de VV.AA desorbitante, elaborado con la “excusa” de conmemorar y celebrar el Día Internacional de la Mujer.

Texturas depuradas, líquido en la superficie de las baterías, sintetizadores para todos los gustos, violines dignos de la orquesta con la que Portishead tocó en el 98 en NY. Por donde se mire, este lanzamiento no solo reafirma la importancia de un sello como Modismo en el quehacer de la electrónica chilena, también consolida la calidad e importancia de las productoras a nivel mundial.

1-Si me preguntan, veo innecesario buscar una excusa como un día particular para reunir tamaña calidad sonora.
2-Se agradece y se valora que lo hayan hecho.

El disco está disponible y gratuito por la página del sello. Puedes descargar haciendo clic aquí.

“¿Que tienes que hacer hoy? Quiero decirte algo” – Revisión de “Small talk” de MNEK

El EP debut de MNEK no deja a nadie indiferente. Después de una nominación a los Grammy y de aportar, tanto en los coros como con una letra, en el último disco de Madonna, el inglés Uzo Emenike no tenía espacio para errores.

“Small talk” tiene un sonido que se pasea grata y cómodamente por el r&b y el house (con bombos y claps muy marcados), con algunos pasajes de soul (como en Suddenly, por ejemplo). Aunque suene vacío, banal, este es un disco de hits, sin ser un “greatest hits” (o de “grandes exitos”). Veintitrés minutos de ritmos totalmente coloridos.

El dueño de una estética “neo ochentera”, MNEK, consigue un debut perfecto con esta, su primera referencia. Un disco pensado de principio a fin. Canciones  como  “Wrote a song about you” o “Every little word” dan cuenta de un juego de matices y luz; un espacio físico que le da un contexto y sentido a esa pequeña charla de la que somos advertidos en el título. Muy recomendado.

Blit – Doria o cómo abordar un disco esférico

Conocí  el trabajo de Blit hace algunos años con su  referencia llamada “Con tutti pa ti”. En ella convergían tres aspectos independientes, lo que me llamó mucho la atención: la portada, el sonido y el nombre.

Fuera de lo que puede ser una obviedad, en ese disco los tres aspectos no tenían que ver el uno con el otro. Una portada que pudo haber sido sacada de un vídeo en stop motion, con cierto aire a ternura e inocencia; el nombre que tiene un ritmo inherente. Una comodidad reflejada en el lenguaje, el mismo que se emplea con alguien cercano; Y por otro lado, esa “suciedad”  o “violencia” que acompañan a los 11 tracks.

OJO. La independencia de aspectos nunca lo vi como algo negativo. Es más, nunca pensé que  no haya sido intencional. ¿No es acaso “desligarse del mensaje” cuando alguien tararea una canción que escuchó alguna vez? Es ese “desligue” el que queda en la memoria. Misión cumplida. Dubstep, atisbos de hip-hop, hasta de neurofunk. Era la primera vez que oía a Blit y de seguro tenía mucho  más que decir.

Ahora, el tema que nos convoca. “Doria“(Discos Pegaos – 2015)

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Hablar de madurez es un cliché innecesario. Christian Koren (Blit) ha pasado por  distintos sellos. Entre ellos Modismo, Future Frequencies, y ahora también Discos Pegaos.

Su nuevo trabajo, “Doria” tiene una estructura narrativa. Nos cuenta un relato: dos escenas para tres personajes, en donde los personajes son más grotescos que el mismo paisaje. Colores que hacen una referencia sideral que concuerda con el sonido. La atmósfera no es solo promesa visual (mención honrosa a los bajos), un método distinto para un disco que no debe ser olvidado.

“Doria” rescata la violencia que hay en trabajos anteriores, con una levedad constante y también, la belleza en las observaciones que se tienen durante un aterrizaje dividido en 5 partes (tracks). Lejos de ser una banda sonora, “Doria” es la historia misma.