Entrevista a Jules Castel

El hombre tras la cámara; Jules Castel. Conoce más sobre su trabajo en esta entrevista.

Sabéis que en ‘Causeineedit nos interesan y somos ávidos seguidores de las tendencias, su formación y desarrollo, así como su presencia en las calles.
Generalmente, es el streetstyle y su fotografía, el fenómeno que permite datarlas y estudiarlas, y en ello los ‘cazadores’ de streetstyle juegan un factor vital. Pues hoy os mostramos parte del genial trabajo de Jules Castel, así como una breve entrevista con este fotógrafo parisino, que lleva más de diez años afincado en Barcelona.
Amante de las artes visuales y viajar, se dedicó durante siete años a filmar a skateboarders profesionales alrededor de todo el mundo para marcas y revistas. En esos años colaboró en más de cien videos y hasta sacó su propia película Keep Rollin’.
Pasó un tiempo en la ciudad de Copenhague, dónde empezó su blog “Street style”, dado que siempre le ha gustado el arte de vestir. Esto derivó a una carrera como fotógrafo freelance, y en la actualidad realiza lookbooks para marcas, shootings para particulares, cubre eventos y colabora con revistas.

Aquí os presentamos a Jules Castel:

¿Nos podrías comentar un poco acerca de ti y a que te dedicas?
Jules Castel, un fotógrafo freelance especializado en moda “streetwear“, “sneakers“ y “streetstyle“. También llevo un blog seguido en total por más de 15000 personas en tumblr / instagram. Marcas como Converse, Patta, Les (Art)ists o Lacoste ya usaron mis fotos en sus redes sociales. También colaboré con Costalamel, Ribags, Motokini, Pacific & Co, LimitedEditions, LoverSneakers y revistas como Trendsmag entre otras.

¿Color favorito?
La ausencia de color… el negro!

¿Una canción, un libro y una película?
Cambia a menudo pero últimamente sería el tema L$D de A$ap Rocky, el libro Supreme x Rizzoli y la película Snatch de Guy Ritchie.

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¿No sales de casa sin…?
Una cámara y/o la bicicleta!

¿Cómo es el día a día de Jules Castel?
Ahora mismo, tengo un trabajo administrativo por la mañana en una famosa compañía aérea española y cuando salgo a las 3, o voy de “caza” streetstyle en el centro o quedo con los amigos para sacar fotos más elaboradas. Por la noche, suelo editar, mirar alguna peli de horror o estar con mi chica.

¿Cuánto tiempo llevas como fotógrafo?
Empecé hace 3 años.

¿Qué fue lo que te llevó a iniciarte como fotógrafo?
Siempre me han fascinado las cámaras como objeto, las colecciono aún.. La Canon FT/QL de mi abuelo y la Kodak Instamatic de mi madre. Conocí la época de los rollos y había algo mágico en eso jeje. Luego andar con fotógrafos talentosos como Filip Zuan, Julien Deniau o Roger Ferrero cuando me dedicaba a filmar skaters… Me encanta la arquitectura, el cine, la música, pero los artes visuales siempre me ha atraído más, poder crear una imagen tal y como te la imaginas es una maravilla.

¿Cómo empezaste en ello?
Con Copenhagen Lookbook, al llegar a CPH, tenía mucho tiempo libre y enseguida flipé con el estilo danés súper elegante y minimal. Hay tanto estilo por ahí que puedes publicar cuatro estilos diferentes al día… Rápidamente salieron varios artículos sobre el blog y así empezó la historia.

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¿Qué fue lo que te hizo interesarte en la fotografía de estilo (streetstyle)?
Pasión por la moda, me encanta documentar e inspirar a mis seguidores. Luego la calle porque es real y auténtico! Y también es un juego, por eso lo llamo “cazar”, nunca sabes lo que te vas a encontrar o si volverás con algo! Es un reto cada día!

¿Por donde te sueles mover, o como consigues a gente con estilo para fotografiarlos?
Por el centro si voy de “caza” streetstyle y por las zonas industriales y tal si vamos de shooting con los colegas! […] Si te digo cómo, tendré que matarte jajaja.

¿Sueles cubrir eventos (semanas de la moda, inauguraciones de tiendas…)?
Claro, me perdí las de este verano por motivo de trabajo pero suelo ir a Copenhague y París en verano, son mis favoritas! También pasan cosas por ahí, Trait Store hace eventos a menudo. Nuevas tiendas como Wer-Haus y Sivasdescalzo abrieron este año. Tenemos el LoverSneakers dos veces al año. Y marcas como Lacoste, adidas y Nike también están activos y se mueven bastante por esa parte.

¿Tienes formación académica en fotografía , o eres autodidacta?
Autodidacta. Me leí el modo de empleo entero jeje, miré un montón de tutoriales y directo a la calle, en modo “manual“, a practicar jaja. Empecé con la “street photography”, la arquitectura, el street art…

¿Con qué equipo (cámaras, objetivos,…) sueles trabajar habitualmente?
Llevo Canon 7D y 3 lentes fijas: 35, 50 y 200 mm de momento… Ya lo sé, me hace falta aún un gran angular jejeje.

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¿Crees que el equipo es importante?
“La mejor cámara es la que llevas encima” decía Chase Jarvis… Así que creo que se puede hacer fotos increíbles con un Iphone pero que si quieres más opciones al nivel fotografía, tendrás que mirar hacia las reflex tarde o temprano! Pero lo que cuenta de verdad al final es tu OJO!

¿Cómo definirías tu estilo de fotografía?
Definir tu estilo es complicado… Me encanta el rollo natural de las fotos robadas, los sitios minimalistas o al contrario industriales. También estoy bastante obsesionado con las líneas, vías de trenes y puentes jajaja.

¿Cuál es el momento de tu trayectoria como fotógrafo del que estás más orgulloso?
Un encuentro casual con Mos Def en las calles de CPH, charlamos un rato de su outfit, me dejo sacarle un par de fotos y la verdad que ha sido todo un caballero conmigo! Luego, tener una foto mía expuesta en el Dashape de Madrid ha sido muy guay.. Y también cuando te contactan marcas que sigues o llevas y usan tus fotos .. es bastante gratificante!

¿Qué opinión tienes acerca de la ‘batalla’ entre la fotografía digital y la analógica?
Las dos tienen sus ventajas e inconvenientes… Todo depende de lo que haces o quieres hacer en fotografía en realidad… Para mi no hay batalla! Son dos herramientas diferentes.

¿Qué opinión tienes acerca de la edición/retoque (mediante photoshop, lightroom, aperture…) de imágenes de streetstyle?
Suelo limpiar todo lo que es piso y paredes para que sea lo más limpio posible. Y si tienes un grano el día de la foto, te lo quito, eso se llama “cortesía profesional” pero nada más jaja.

¿Cuál es tu mayor inspiración?
Al nivel moda, el estilo danés, japonés, parisino y de Nueva York me flipa!!! Me inspira Kenneth NGuyen como persona y fotógrafo y muchos fashionistas que me he encontrado durante estos 3 años: Fédé Cast, Axl Crose, Aimé Mangouta, Gordon Coh, Peter Ravn, Joyan, Fredrik Risvik, Ruben Bellman, personas normales con un estilazo, la verdad es que no sigo a muchos “influencers” famosos.

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¿Qué consejo le darías a la gente que esté interesada en introducirse en la fotografía de street style?
Ser dedicado porque esto es TRABAJO, ser constante, tener originalidad, proponer un contenido exclusivo y hacerlo por pasión, 99% de los bloggers no viven de sus blogs y tampoco reciben cosas gratis todos los días. Todo eso se construye con años de trabajo altruista sin garantía ninguna…

¿A qué celebrity/es te gustaría capturar? ¿Por que?
En el mundillo de la moda sería Alkarus de Drôle de Monsieur o los de Art Comes First, en ambos casos, me encanta el rollo y la creatividad que tienen. Y en Barcelona, hay un tío misterioso conocido como “Kickstian”, a este porque no también jejje

¿Alguna localización soñada?
No sé si cogiste la nueva línea del aeropuerto ya? Te permite ver todo el camino.. Pues ahí me siento como un niño, los túneles tanto como las estaciones de metro son súper emocionantes para mí! Por favor TMB, dejarnos acceso a esa maravilla una sola noche jejeje. El Macba por dentro también me molaría mucho!

¿Bajo tu punto de vista, que es lo que hace buena una fotografía de street style?
Pedir una foto a un desconocido en la calle no esta mal pero en mi opinión, pierdes naturalidad y la esencia… Aunque bueno, así conoces a gente increíble y algunos se convierten luego en amigos. El “street style” puro y dura sería para mí, robar una foto de una persona con un rollazo en la calle sin que se dé cuenta, que la vea luego y se diga: “Jo*** me gusta esta foto, que bien salgo”! Y si la usa de foto de perfil, ahí la tienes ;)

¿Qué proyectos próximos tienes preparados?
Trabajar cada vez más directamente con marcas y tiendas y proponer brand content, hacer consulting sobre las próximas tendencias o trabajar de social media manager.
Business Inquiries at julescastel@hotmail.com ;)

Muchísimas gracias a ‘Causeineedit por la entrevista, a todos los que han salido en la página, a Rakel por el apoyo y por supuesto un abrazo a mi familia y mis amigos. Nos vemos pronto :D

Entrevista a Crisalys #ciniblogxcuri

Conoce más a fondo a la ilustradora chilena Crisalys.

A principios de este mes en curso, adelantábamos parte de la colaboración junto a la ilustradora chilena Crisalys; nuestra imagen en las redes sociales cambió y lanzamos una serie de tres ilustraciones –con algunas variaciones– del trabajo que Crisalys desarrolló para nuestro sitio. Al cabo de los días, colocamos salvapantallas para smartphones y tablets –gratis– para todo aquel que quisiera descargarlos y, además, todo el que haga una fotografía de su teléfono o tablet y la suba a Instagram, entrará en un sorteo para un regalo increíble antes de que finalice la colaboración. (Si quieres más información al respecto, haz clic aquí.)

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Ocupo la ilustración como un diario de vida. A veces siento que me acerco mucho más a las personas contándole cómo me siento a través de mis dibujos.

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Hoy queremos mostrar la entrevista que hicimos (hace unas semanas) para que todos puedan conocer más de la colaboración y de la artista que nos está acompañando durante estos meses. Sin enredarnos más, aquí está la entrevista:
Para empezar, nos gustaría saber quién es Crisalys y ¿qué has querido mostrar en la ilustración para #ciniblog?

Crisalys nació como una especie de catarsis, en un tiempo en el que estuve súper aproblemada; me salí de la universidad y estuve mucho tiempo sin nada definido. A modo personal no estaba haciendo nada satisfactorio. Justo en ese momento empecé mi relación sentimental y fue él el “culpable” de que me pusiera a dibujar más seguido y a mostrar mis trabajos. Fue desde ese momento que llegó un feedback muy positivo de la gente que me visitaba y con mi pareja fui metiéndome más en todo lo que hay detrás de las zapatillas y de la ropa más ligada al streetwear.
La colaboración vino después de pensarlo mucho; mi pareja y yo tenemos ese “rollo” de zapatillas y juguetes que se mezclan con el manga y queríamos aprovechar eso y enlazarlo a ‘Causeineedit.
Para hacer la ilustración, me inspiré en el “Three Bears pack” de Nike SB junto a Bearbrick de MediCom Toy; Bearbrick es una subdivisión dentro de MediCom, que es una fábrica de figuras de acción japonesa. Con Bearbrick han salido muchísimas colaboraciones a nivel mundial, muchas de ellas ligadas al streetwear y al arte urbano. Commes des Garçons, Daft Punk, Ron English, Stussy, Reas… ellos son algunos de los que han colaborado, además de esta con Nike SB. Lo curioso de este pack, que lanzaron como en 2006, fue que lanzaron tres modelos distintos de zapatillas (Papa –High–, Mama –Mid– y Baby –Low– Bears) junto a sus figuras.

La ilustración quiere mostrar la conexión tan natural de Bearbrick con NikeSB y es por eso que aparece la niñita divirtiéndose con el oso y el cuervo (que es el logotipo de ‘Causeineedit) con sus zapatillas puestas; un par que nos llama mucho la atención pero que es casi imposible conseguirlo. Además de que son uno de los modelos pioneros en lanzar zapatillas con pelo (imitando la piel de los osos)… en realidad es una especie de tributo a los pares y también quería acercar el mundo de la ilustración japonesa y el del streetwear.

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Cuéntanos, ¿por qué siempre dibujas mujeres? ¿Nunca has pensado en ilustrar hombres?

Cuando dibujo a un personaje, lo dibujo mujer, o dibujo a una niña porque siempre me imagino qué tipo de mujer llevaría esa zapatilla en particular. Siempre me imagino a mujeres que no les gusta aparentar, que no les importa el “qué dirán”… a veces molestan mucho a las mujeres porque nos gusta el rosado o piensan que no nos pueden gustar cosas de hombre solo porque tenemos gustos más “sensibles”. Por eso me gusta mostrar personajes bien “girlies” pero con zapatillas bien “toscas”. Es tratar de mostrar que en este nicho de los “sneakerhead” también están las mujeres y también ocupan zapatillas de “hombre” sin perder ni un ápice de su feminidad.

Los hombres ya están representados de muchas maneras en nuestra cultura, sobre todo dentro de los comics, las películas… está el hombre súper macho, el normal, el afeminado, etc. Encuentro muy pocas representaciones de las mujeres y yo siento que tengo que mostrarlo, para traer a la mujer a un primer plano. No es un “rollo” feminista pero si quiero que haya más representación de la mujer. No se me ocurren tantos diseños interesantes donde ocupar a los hombres.

¿Cuáles han sido tus referentes desde que empezaste a dibujar?

Desde bien pequeña era muy fan de Disney. Mi primera película fue La Sirenita y ahí empecé a copiar todo el catálogo Disney y a colorear con los libros, etc. Un poco más mayor empezó a llegar a mi vida el manga y el animé, que fue lo que más me ha marcado en mi dibujo actual. Las historias tan profundas de los animé, que siendo más grande me he dado cuenta de la importancia de las características de los personajes… mi papá me traía del trabajo series de animé y con mi hermano y mis primos, veíamos los dibujos, así que ha sido todo esto lo que más me ha influido.
Por dar algunos nombres de artistas: Akira Toriyama (Dr. Slump, Dragon Ball), Katsuhiro Otomo que fue el creador de Akira –el primer animé con tintes más oscuros que se presentó en Chile–, Naoko Takeuchi (Sailor Moon), Rumiko Takahashi (Ranma ½), Takehiko Inoue (Slam Dunk)… nuestra generación se ha criado con autores que han ido metiendo elementos que hoy nos gustan y es por eso que ahora lo incluyo en mis ilustraciones.

Tus ilustraciones son a veces “kawaii” y otras veces son más “emo”; ¿tiene que ver con la personalidad que le das a tus personajes o es algo más espontáneo?

Siempre me preguntan si tengo personajes definidos desde antes. OC (original characters) les llaman. Y la verdad es que no. Siempre hago la ilustración dependiendo de lo que me piden y algo que si puede afectar más es como me siento en el momento de dibujar. Si me siento más “emo” así me va a salir. Tiene mucho que ver con cómo me estoy sintiendo en el momento, si una canción que estoy escuchando me afecta más o menos… mis personajes en el fondo hablan mucho de mí y de quien soy. Ocupo esta plataforma como un diario de vida ilustrado. A veces siento que me acerco mucho más a las personas contándole cómo me siento yo a través de mis dibujos.

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Decías que a veces la música te marca tu estado de ánimo a la hora de dibujar… ¿qué tipo de música escuchas?

Pues la verdad que no escucho mucha música actual; ocupa mucho tiempo investigar sobre música y el tiempo que tengo lo ocupo en seguir investigando sobre lo que me gusta ahora, que es la ilustración y lo relacionado con los muñecos, los videojuegos y el streetwear. Cuando dibujo me gusta escucharla de fondo: The Smiths o Placebo, que me recuerda a mi adolescencia y algo de música japonesa… mucho instrumental, sobre todo algo que suene de fondo y con lo que me sienta cómoda a la hora de dibujar. Ahora escuchamos mucho la banda sonora de “Persona 4” que son canciones estilo “Shibuya-kei” donde mezclan bossa nova con hip hop, con jazz, con funk, etc.
La verdad que paso mucho tiempo investigando ilustración y videojuegos. No me da mucho tiempo para meterme en la música.

Tu relación con Japón y parte de su cultura es bastante notable; ¿sabes si hay mucha más gente que tenga una relación parecida a la que tú tienes con el mundo oriental?

Aquí en Chile hay eventos de animé, eventos de videojuegos, una comunidad manga muy extensa… pero no creo que haya mucha gente que se relacione con todo lo que me gusta a mí y con todo lo que se refleja en mis ilustraciones. Con mi pareja, a simple vista, parecemos unos jóvenes “modernos” que acaban de ver a Kaytranada ayer, pero en realidad estaba en mi casa jugando Pokémon y viendo animé en el teléfono. Para la gente más cercana a los videojuegos o al animé, somos raros porque llevamos gorras, nos gustan las zapatillas, la ropa… y para la gente que está más ligada al streetwear somos otakus. Creo que no hay mucha gente que esté en la parada en la que me encuentro ahora mismo, aunque unos tengan relación con lo japonés y otros con el streetwear. Estoy en un punto donde quiero mostrar mi trabajo y que el que sea otaku de manga o de animé pueda ver mi relación con el mundo japonés, y el que está más relacionado con el streetwear y las zapatillas, también interprete mis dibujos a su manera.

Cuéntanos en qué proyectos estás actualmente

Para la Comic Con tuve que preparar unas poleras (camisetas) con ilustraciones que ya tenía hechas, debido al poco tiempo que tuve para preparar todo, y me dieron ganas de hacer más ilustraciones especialmente diseñadas para prendas o accesorios. Ahora para la primavera me gustaría trabajar en algún diseño de polera, o pins, lanzar más parches. Tengo como objetivo vender ilustraciones que sean más para poder ponerse y salir a la calle; seguiré haciendo postales, pósters y stickers, pero quiero darle más vueltas a la ropa, hacer un merchandising pero de calidad. Me gusta trabajar con productos que realmente yo utilizaría… es por eso que me toma más tiempo. Pero pronto va a haber cosas nuevas disponibles.

Para terminar con esta entrevista tan didáctica y entretenida, te quiero lanzar algunas preguntas de respuesta rápida para conocer más a Gabriela, la persona que está detrás de Crisalys.
¿Tu artista favorito?:
Inio Asano.
¿Digital o analógico? Analógico.
¿Qué modelo de zapatillas usarías para los restos? Cualquier modelo de Instapump Fury. Sobre todo las más “otaku” o las más femeninas como las Cinderella de Disney.
¿Comida favorita? Los waffles.

Agradecer el tiempo y la paciencia de Crisalys y de su pareja para llevar a cabo esta entrevista.
Recordar que tenemos disponibles los salvapantallas con la ilustración de Crisalys trabajó, para smartphone y tablet en descarga gratuita (aquí). Muy pronto tendremos muchas más sorpresas dentro de esta colaboración tan especial junto a la ilustradora chilena.

#ciniblogxcuri.

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Fotografías: Viviana Burgos & Mario de la Cruz

Tania Chanel (Entrevista)

Hacía tiempo que teníamos ganas de “sentarnos” con Tania Chanel para conocer un poco más de la joven mc española.

El 2016 arrancó con nuevas propuestas musicales (artísticas) en el subsuelo de España y una de ellas fue la que nos lanzaba la jovencísima Chanel desde Mallorca. Después de varios temas –todos acompañados de vídeo– apareció Rihanna y todo el mundo se volvió loco. Para bien o para mal. Hay quien la odia y hay quien la ama, pero seguro que no deja a nadie a indiferente. Con vosotros: Chanel.

13124718_247317805656471_8172960572169436302_n Cuéntanos, ¿quién es y cuando nace Chanel en la vida de Tania?
Chanel es una ilusión. Nace cuando desde un barrio modesto lo quieres todo; Chanel es ambición, lujo, superación. Chanel nace hace varios años pero de forma seria y hacia el público este ha sido el año de Chanel.

Vienes del barrio del Chicle en Jerez; ¿qué recuerdas de tus años en el barrio jerezano?
Recuerdo una infancia no muy buena, cargada de alguna que otra pelea y algún que otro problema, pero a su vez, recuerdo a toda mi familia y eso me hace sonreir.

¿Consideras, a nivel personal, que estás dentro de la escena hip-hop y rap de España?
La verdad que puedo decir que si. Ha ido todo a una velocidad muy rápida… nunca esperé este recibimiento por parte del público. A mi me gusta ir siempre con los pies en el suelo y la humildad por delante, pero después de tantos mensajes de apoyo y gente grabándose con mis temas de fondo, creo que puedo decir que si estoy dentro.
Con esto no digo que me crea top para mi ya es una bendición que tanta gente escuche los temas y los disfrute.

¿Cómo ves la escena del rap en España? ¿Conoces algo de lo que se está haciendo en español por Latinoamérica?
Si te digo la verdad, no escucho mucha música de España, me he criado con flamenco y más adelante he escuchado mucha música negra pero sobre todo de Francia y Estados Unidos. De Latinoamérica veo que tienen más medios que en España y hacen cosas muy serias, me gusta bastante lo que está haciendo Anuel por ejemplo.

¿Te quedas en Mallorca o tienes pensado salir de la Isla?
Mallorca es un sitio precioso para vivir pero pienso que las oportunidades aquí son difíciles. Mi idea a medio plazo es salir, quizá Madrid o Barcelona, no me asusta salir ya que si fallo siempre puedo volver aquí… además que debido a la música he entablado lazos que me podrían ayudar a establecerme por allí.

¿Qué nos puedes recomendar de Mallorca, artísticamente hablando, aparte de Dos Anjos y Kromo?
De Mallorca podemos encontrar a Kine teka y Hayp Richezza.

¿Cómo ha afectado el éxito repentino de Chanel en la vida de Tania?
Pues me ha cambiado en la manera de enfocar lo que hago. Me he vuelto mas trabajadora y también más detallista en la música que publico. Ahora miro que todos los detalles estén más cuidados, gracias a la gente que está detrás trabajando en la edición y mezcla/mastering.

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¿Qué música escuchas habitualmente?
Música negra; de Francia me encantan Shay, Lacrim, Booba y de EEUU podría hablar de miles de artistas pero sobre todo la escena del Trap en Atlanta. Ahora estoy trabajando con un artista de Brick Squad y pronto podréis escuchar unas sorpresas que tengo guardadas. He de decir que siempre he escuchado todo tipo de música y a parte del rap me gusta un poco de todo, siempre que las canciones me provoquen algo.

Para terminar, ¿qué podemos esperar de Chanel en un corto plazo de tiempo?
Vendrá un trabajo al 50% con Trigger Tracks, del cual ya hay 2 sencillos (“Manita de Fátima” y “Sácalo”) y además preparo tracks junto a KNGLCST, DSHUFFLE e IKKI. También ando trabajando en algunos featurings.

Puedes seguir a Chanel a través de su Facebook, Instagram o Twitter.

Marlon Breeze – entrevista

Entrevistamos a uno de los mc’s del momento en el rap chileno: Marlon Breeze.

Desde la salida de “Le’ Trap Part.1” hemos visto a Breeze dándolo todo en la puesta audiovisual, donde ya ha realizado cuatros vídeos de su último trabajo, y esto no para; en un futuro seguirá trabajando para lanzar todas las canciones de “Le’ Trap” en formato audiovisual.

No cabe dudas de que el trabajo de Marlon Breeze ha sido una de las mejores producciones chilenas en el trap; mucho flow, mucha calle, la vida de barrio tal cual, rap de tomo y lomo.
Hace varios días que venía dándome vueltas la idea de hacerle una entrevista a Marlon, ya que creo que es el hombre a respetar en la escena trap de Chile, por su experiencia, por su trabajo duro y porque su realidad está en cada rincón de la capital chilena; ojalá pronto su carrera despegue en el extranjero y su talento –junto al talento de la gente de su crew Nación Trizzy– se expanda por todo el globo.

¿Cómo llegaste al trap?

Escuchando rap. Como siempre estoy actualizándome… fue lo que se dió. En el 2005 o 2006 Gucci Mane y Young Jeezy fueron los primeros que le dieron nombre al sonido, que siempre ha sido dirty south o southern rap, como lo quieran llamar. También tuvo diferentes nombres antes de este periodo, como en Atlanta que lo llamaban crunk; también estaba el screwed and chopped de la zona de Houston, creado por Dj Screw… los sellos más importantes como Rap-A-Lot Records, Swisha House Records. También nombrar a toda la escena de Memphis de hace años… en resumen, toda esta gente es la que escuché antes de que llegara lo que hoy está sonando en el trap music: 2Chainz, Migos, Future, etc.

¿Qué temáticas son las que tocas en tu música? ¿Por qué?

En “Le’ Trap part.1” está todo dicho; el dinero (queremos lo que merecemos tener), historias basadas en hechos reales, violencia, drogas, pasarla bien, dejar de ser pobre, cosas que me han pasado en la vida, que me han tocado vivir. Me gusta lo oscuro, porque las temáticas son de la calle, me entiendes? Son letras contra el sistema culiao de mierda.

¿Donde nació el nombre Nación Triizy? ¿Es ahora una crew?

Triizy es una deformación de Breeze, de Marlon Breeze. Tenía un logo y le di vueltas a algunas palabras que, por entonces, la ocupé para la marca de ropa. La gente que iba a la tienda empezó a conocernos como “los triizy”, por los diseños de la ropa, y como ya estaba haciendo música con Paul Vera y Caso, nos quedamos con el nombre para no perder los seguidores.
Nación es porque se expandió rápido y vamos todos vestidos iguales, por lo que somos el ejercito Triizy. Actualmente somos la Nación Triizy.

¿Solo quieres hacer rap o vas a experimentar más dentro del hip hop.

No, no quiero experimentar en nada. Estoy hecho para esto y me siento bien. No necesito nadas mas.

¿Qué piensa sobre las nuevas generaciones del trap en Chile?

Lo encuentro bacán. Últimamente he escuchado mucho material nuevo. Por normal general no escucho rap chileno, pero últimamente si, sobre todo lo que me han ido mostrando los amigos. Destacar a Pablito Chill-E que he escuchado en el estudio del Tyto unas canciones nuevas que aún no salen y están bacanes; igual Pablo es un caso aparte. Solo tiene 15 años y rapea como si llevara años haciéndolo. Es muy talentoso y eso se da muy pocas veces.
También he escuchado temas de Big Angelo, que se viene con su mixtape y está mortal, y Tyto Kush que produce en su casa y tiene harto material bueno. Por último nombrar a unos cabros de Antofagasta que se llaman K$WAD y que tienen un tema súper bueno que se llama “Lambón”.

¿A qué público quieres llegar?

Queremos llegar a todos los arrepentidos de corazón, como lo hizo yizuz Jajajaja; No sé, no me enfoco en un publico en específico. La música que estoy haciendo le ha gustado a gente de diferentes estilos. Obvio que va tirado al lado rap pero no lo hacemos con la intención de apuntar a un público en específico.

¿Cuál es la inspiración para los audiovisuales que has lanzado hasta el momento?

Los vídeos están saliendo, más que nada, porque a estas alturas lanzar un tema sin vídeo es “poco”. Todo es audiovisual hoy en día. La gente tiene ganas de ver y conocer a la gente que canta.
Siempre tratamos de darle una onda, una historia con una mini actuación… que no sea solo una toma con el weon que canta y ya. Puta! no tenemos una sola inspiración… vivencias, historias de amigos, lluvias de ideas, si veo alguna película que me llama la atención, ideas que podemos reinterpretar a nuestra realidad. La inspiración viene de muchas partes.

¿Qué consejos le puedes dar a las futuras generaciones?

Preocuparse de uno, de la familia, juntar plata, que traten de viajar, leer harto, culturizarse y si les gusta la música, ¡intentarlo!. Darle, darle duro. Todo es consistencia. Si no buscas, no tienes como ganar. Tu sabes, los chicos ahí afuera siempre están intentándolo, siempre hay que tratar de lograrlo porque si no lo haces, no eres nadie y los que lo han logrado, ha sido gracias al trabajo y la consistencia.

Made by Erick – Entrevista

Tras presentaros anteriormente sus propuestas, hoy contamos con una entrevista en exclusiva con la firma neoyorquina Made by Erick

Con anterioridad os hemos mostrado algunas de sus más que originales propuestas, y personalmente puedo decir que es una de mis apuestas personales y de la que estoy seguro, que en un futuro no muy lejano, su repercusión y notoriedad va a estar muy presente.
Os estoy hablando de la firma Made by Erick. Si sois seguidores de Causeineedit seguramente os suene, ya que se trata de una de las firmas noveles que más interés están despertando.

Tras ser testigos de sus propuestas, hoy nos llena de orgullo poder contar en exclusiva con una entrevista a su creador; Made by Erick

Versión en español:
¿Qué es Made by Erick?
Made by Erick es una marca de Nueva York

¿Cómo surge Made by Erick?
Las Redes Sociales son la clave del éxito (risas)

¿Cuándo comienzas a interesarte por la moda?
Nací con el interés. Me siento como que la ropa y lo que llevo habla por mi.
Especialmente, al vivir en Nueva York la moda es algo importantísimo aquí y con cualquier cosa que uno se viste la gente siempre va a estar al acecho.

¿Qué te llevó a crear la marca?¿Como fueron los inicios?
Llevaba queriendo hacerlo desde el 2013, pero no sabía por dónde empezar. En esa época yo vivía en Virginia, me acababa de mudar allí, así que no tenía ni idea por dónde empezar a crear mi producto. Dos años más tarde, finalmente me decidí a intentarlo una vez ya estaba en Nueva York.
Mucha gente se mostró interesada en una de mis primeras prendas, y eso fue algo que me dio la confianza en lo que estaba haciendo.

¿Cuáles son tus objetivos para este año?
El 2015 fue un año bastante difícil tanto para mi como para la marca, ya que no tenía experiencia en todo esto. Cada cosa que hacía era algo nuevo para mi. Como volver a ir al colegio de nuevo.
Me gustaría expandirme y tener un mejor servicio de atención al cliente. Es algo muy complicado para mi el tener que encargarme de todo, ya que detrás de Made by Erick solo hay una persona y esa persona soy yo. Tengo una vida fuera de esto, con lo cual, no puedo dedicarme a la marca tanto como me gustaría, pero por ahora no puede ser. Quizá monte un equipo para mejorar mi servicio.

¿Dónde ves la marca dentro de diez años?
En lo más alto. Ojalá y así sea.

¿Cuáles son tus futuros proyectos/colaboraciones?
Actualmente estoy trabajando en una gran colaboración, pero por el momento no puedo decir más, pero será algo grande.

¿Cómo resumirías tu firma en tres palabras?
Sub-esti-mada (un-der-rated)

¿Qué es lo que más te inspira a la hora de crear?
Todas las ideas me vienen al azar, en los momentos más aleatorios. Puedo estar en el cuarto de baño, en el tren, en un centro comercial, en cualquier sitio. Imagino un diseño y luego, tan pronto como llego a casa, me pongo a trabajar en el. En ocasiones me gusta el resultado y otras veces no, pero siempre intento darle una oportunidad a todas y cada una de mis ideas.

¿Sigues algún proceso a la hora de diseñar? ¿Cuál es?
Siempre sigo cuatro pasos a la hora de lanzar algo, y llevo siguiendo esos cuatro pasos desde que me inicié en esto, salvo en una ocasión, en la que me salté algunos de estos pasos y el resultado no fue para nada el esperado (risas). Pero siempre que lo sigo, la cosa acaba siendo un éxito.
Todo empieza con un pequeño boceto en el que me pongo a trabajar. Algo sencillo, sobre el cual uso una tipografía interesante o le pongo el nombre del proyecto y lo marco como un ”próximamente”. Posteriormente, se lo comento a un par de mis amigos cercanos para que lo publiquen y así se genere algo de atención al respecto.
Después de eso, hablo con un artista (Lucas Díaz) con el que llevo trabajando desde el primer día. Le muestro el trabajo en el que he estado inmerso, las ideas que tengo y el se encarga de realizar un sketch de ello. Esto se lleva a cabo entre dos y cinco días, dependiendo de lo ocupado que el se encuentre. Posteriormente lo publico en todas mis Redes Sociales, y es ahí cuando se empieza a generar toda la repercusión.
El siguiente paso es el photo-shoot. Para ello yo no dispongo de un fotógrafo personal, con lo cual, para cada shooting se encarga un fotógrafo diferente. En ocasiones puede ser alguien desconocido y otras veces puedo ser yo mismo. Es algo que no me importa, ya que me gusta contar con la visión de otros.
Finalmente, pero no menos importante, es el día de la presentación. Siempre rezo para que todo salga a la perfección. No por la inversión monetaria, sino por la reacción que va a producir mi trabajo en los demás. Quiero que sea del agrado de todo el mundo.

¿Qué curiosidades o anécdotas te has encontrado en tu trayectoria con la firma?
En ocasiones me he topado con algunos chicos que me preguntan si soy Made by Erick o el chico de la marca (risas).
Soy una persona que se incomoda con facilidad y este tipo de situaciones lo hacen. No quiero que se me trate como a alguien especial por ser Made by Erick.

¿Qué consejo le darías a alguien que esté pensando en crear una marca?
Por favor, no lo hagáis por que todo el mundo lo esté haciendo. Llevadlo a cabo si se trata de algo que siempre habéis querido hacer.

¿Cómo ves la escena del streetwear / moda?
Muchas personas se están metiendo, sólo por el hecho de encajar en algo. Sed vosotros mismos!

¿Qué falta y que sobra en el streetwear / moda?
Falta creatividad, por supuesto

¿Qué opinas de las nuevas tendencias en el streetwear?
Dejad de lado los looks oversized y las aperturas en los laterales, estamos en el 2016!

Finalmente, unas palabras:

Quiero darle un agradecimiento especial a José Osorio Balvin, por apoyar mi trabajo y por mostrarse tan humilde conmigo desde el primer día. El fue una de las personas que me han levantado mi nivel de confianza y le estoy muy agradecido por ello. También a su manager Fabio Acosta. Gracias por hacer todo esto posible.
Gracias a todos y cada uno de mis seguidores, hayáis comprado alguna de mis prendas o no. Les estoy muy agradecido a todos y cada uno de ellos.
Gracias a mis amigos más cercanos, Mike Arguello, Shakira Castro, Kenley Cruz y por supuesto a mi novia Anahí Hernández por estar a mi lado. Sin ella nunca hubiese continuado con esto. Ella me motiva siempre a seguir y está a mi lado cuando la necesito. Estoy muy feliz por tenerla y por que esté viviendo esta experiencia conmigo.
También estoy enormemente agradecido a Cristian Ortiz, sin el esto nunca hubiese sucedido. Gracias al equipo completo de Causeineedit por su apoyo. Espero poder seguir trabajando con vosotros en un futuro.

English Version:

After previously present their proposals, today we have an exclusive interview with New York’s brand Made by Erick.

Previously we’ve shown some of its more original proposals, and I can personally say that it is one of my personal bets and I’m sure that in the not too distant future, their impact and visibility will be very present.

I’m talking about the brand Made by Erick. If you are followers of Causeineedit it will surely sound familiar to you, as it is one of the upcoming brands that are attracting more interest and making more buzz.

After witnessing his proposals, today we are proud to have exclusive interview with its creator and the man behind Made by Erick

What is Made by Erick?
Made by Erick is a brand based in New York City

How Made by Erick arises?
Social media is the key to success(laughs)

When you begin to be interested in fashion?
I was just born with the interest, I feel like my clothes speak for myself and what I wear. Especially since I live in NY, fashion is a really big topic down here, so anything I wear people will always be on the lookout.

What led you to create the brand? How were the beginnings?
I’ve been wanting to do this since 2013 but I wasn’t sure how to do it, at that time I was living in Virginia and I just had moved in there so I had no idea where to start or manufacture my products. Two years later I finally decided to try it out now that I moved back into NY. A lot of people showed interest in my first piece, so that really gave me confidence on what I was doing.

What are your goals for this year?
2015 was a really difficult year for me and the brand because I was really unexperienced in all of this. Everything I did was something new to me, it’s sort of like me starting school all over again for the first time. I really wanna expand and have better customer service, but it’s really difficult for me to keep up with everything because behind Made by Erick there is only one person and that person is me. I have a daily life too so I can’t just only focus on the brand as much as I would love to. I can’t do that just yet. Perhaps I will get a team and better my service.

Where do you see the brand in ten years?
Somewhere on the top, hopefully.

What are your future projects/collaborations?
I’m currently working on a huge collaboration, I can’t say anything about it but it will be big.

How would you summarize your brand in three words?
Un-der-rated.

What inspires you the most when creating?
All my ideas come out randomly at the most random times, I could be in the bathroom/train/mall anywhere and I just picture a design and then as soon as I get home I work on it. Sometimes I like it sometimes I don’t. But I give all my ideas chances.

Do you follow any creative process? Wich one?
I always have 4 steps into releasing something and I’ve been following those 4 steps ever since I first began. There was this one time where I skipped a fews steps and that release didn’t go so well (*laughs* ), but whenever I follow these 4 steps it ends up being a successful release. It all starts off with a little tease I work on myself, just something basic like i’ll throw in a cool font on it or something with the name of the project and caption it “coming soon.” I tell a couple of my close friends to repost it and build some attention towards it. After that I talk to an artist (Lucas Diaz) I’ve been working with him since day 1. I show him the work that I’ve done, ideas that I have and he sketches it all out. Takes between 2-5 days depending how busy he is. After that I post it on all my social media pages, that’s when all the attention starts to build up. Next step is the photoshoot, I really don’t have a personal photographer, it’s basically someone different every release. Sometimes it could be a stranger and sometimes it could just be me. It doesn’t really matter. I like to put others people vision into this. Last but not least, is the release day. As always I pray that it goes well. It’s never really about the money, it’s always about the way people react to my work . I want everyone to like it and wear it.

What curiosities or anecdotes did you found in your career with the brand?
There’s certain times where some kids come up to me and ask me if I’m Made by Erick or the kid with the “brand”  (*laughs* ). I am a really awkward person so I find things like that really awkward like I don’t want to be treated different. I’m nothing special.

What advice would you give to someone who is thinking about starting a brand?
Please don’t do it because everyone is doing it, do it because its something you’ve always wanted.

How do you see the streetwear scene?
A lot of people are trying to get into it because they wanna fit in like just be yourself!

What is missing and what is left in streetwear?
It needs more creativity for sure.

What do you think about the new streetwear trends?
Leave the oversized looks and side slits behind, it’s 2016.

Finally, a few words to say whatever you want
I wanna give a special shoutout to Jose Osorio Balvin for supporting my brand and being as humble as he can be with me since day one. He was one of the few people that have pushed my confidence level up and i am thankful for that. Also to his manager Fabio Acosta thank you for making all of this possible.

Thank you to each and everyone of my followers even if some of them have never purchased anything i am so thankful for each and everyone of them. Thanks to my close friends Mike Arguello, Shakira Castro, Kenley Cruz, Noe Zepada without their help I wouldn’t be this far. And of course my girlfriend Anahi Hernandez by my side, without her I would’ve never continued this. She motives me at all times to keep pushing and is always by my side when I need her. I am so happy to have her and happy that she is experiencing this with me and not someone else. Also a big thanks to Cristian Ortiz. Without him this would’ve never been happening . Thank you to the whole Causeineedit team for the support and hope to continue working with you guys in the future.

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Akse, arte sin permiso

Cuando tienes 15 años y estás metido en el mundo del graffiti, fijarte en todo lo que se pinta a tu alrededor es parte de tu día a día. En esa época, estudiaba en El Escorial, uno de los pueblos de la sierra madrileña donde más actividad había; por lo que mis ojos se nutrían cada tarde de cientos de tags y decenas de piezas recién pintadas. Ya fuesen de los años 90 o comienzos del SXXI, procuraba ver todo tipo de graffiti, tanto de décadas pasadas como de actualidad; algo que a día de hoy es casi imposible gracias a las medidas de “limpieza” por parte de los ayuntamientos, quienes han conseguido borrar de los muros para siempre gran parte de la historia del arte. El graffiti es un arte efímero, y la fotografía su mejor aliada.

Una de las crews que más llamaban mi atención era AXP, cuyo rastro iba siguiendo por las calles y vías del tren como si fuese un sabueso. Hace unas semanas, conocí en persona a Akse, uno de sus integrantes más activos. Durante unas cuantas horas, estuvimos hablando de graffiti, compartiendo impresiones y tomando algunas cervezas. Aquí tenéis el resultado del encuentro ¡Que lo disfrutéis!

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Akse – “ Empecé a pintar graffiti en el 95 primero con un Edding 800 y luego, entre varios colegas, con botes que comprábamos en los chinos o en ferreterías a precios prohibitivos. Vivíamos en San Lorenzo y cuando alguno iba a Madrid todos le pedíamos pintura; comprábamos los Felton en Tiempo Libre o los Montana en Tribu Urbana, según lo que recaudáramos, ya que cada bote te salía a 350 o 450 ptas. En Tiempo Libre había gente que te robaba los botes, “volcaban” a chavales. Era gente que se tiraba las tardes muertas para robar botes a los niños. Yo robaba rotuladores en tiendas, pero si tenía dinero compraba botes. Le dejaba pintura a los colegas y otras veces ellos me la dejaban a mi. Nosotros siempre hemos visto el graffiti como algo divertido, hemos sido gente sana que no buscábamos pelea, nunca hemos ido a pegar a nadie.

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En San Lorenzo hicimos un grupo que éramos los ESK y luego hicimos otro que era los CB4. Pintamos una temporada con ese nombre, también como MG junto a gente del pueblo que más tarde lo dejó. Era la época de los DN, SF, KGB, PM y KL. La cintas de rap que teníamos eran grabaciones de las maquetas y discos que “rulaban” por ahí; como las de Kase O, Bufank, La Puta OPP, CPV, 7 Notas, Desastre Natural, etc. Mi amigo Domin estudiaba en Buitrago y cada fin de semana traía cintas nuevas para nuestro deleite.

Los fanzines originales los fotocopiábamos y hacíamos copias grapadas. Entre los colegas, lo que tenía uno lo teníamos todos. “Rulaban” mucho las propiedades, las pequeñas pertenencias eran objetos comunales, eran de todos. El día que uno tenía cualquier cosa “flipabas”, porque al día siguiente lo teníamos todos. Antes, un fanzine o una cinta eran tesoros.

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Me fui a vivir a otro pueblo más pequeño en 1998. Cuando llegué allí no conocía a nadie, pero al comenzar el instituto en Septiembre, me empecé a llevar con Ske; un chaval que me presentó a mucha gente del pueblo. Salía por ahí y me fijaba que había gente que también hacían piezas y tags, eran chavales del rollo. Un día se me presentaron y acabamos debajo de un puente marcándonos unas piezas con tiza, ya que no teníamos otra cosa. Esa tarde se pusieron las bases de lo que luego seríamos los AXP.  Después de ese día, empezamos a bajar juntos a Madrid para pillar pintura y pintar después por el pueblo.

El nombre de AXP surgió con el tiempo, porque éramos un grupo de amigos que pintaban y buscábamos un nombre que nos representase. Al principio era SK y después surgió Arte Sin Permiso, pero nos sonaba mejor AXP y así se quedó. Esto fue en el verano de 1998 y, desde entonces, hemos crecido juntos. Somos más un grupo de amigos que un grupo de escritores, ese era nuestro sello de identidad. Hemos viajado juntos para pintar, hemos sido padres, nos hemos casado, hemos salido en fanzines y nos hemos dado a conocer así.

Éramos unos inconscientes, lo pintábamos todo. En un pueblo, de uno 1200 habitantes, en el que empiezan a aparecer pintadas, en el que todo el mundo nos conoce, en el que todo el mundo es familia y en el que una vez al año nosotros pintábamos para el ayuntamiento; pues acabamos metidos en líos sin querer. Hemos pretendido no pintar casas, hemos pintado en lugares que no debíamos, hemos hecho chiquilladas y cometido errores que, ahora mismo, no haríamos. Lo que nunca hemos hecho es hacer daño a alguien.

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En el pueblo teníamos nuestro Hall of Fame y un turno de tren para pintar cuando nos diese la gana. Mucha gente de todo Madrid venía a pintar a ese turno, era bastante famoso. Allí fueron los grandes nombres del graffiti madrileño en los 90, como Alkón, Sha, Bat, Freg, Joke, Lama, Neal, Nei, Buni, Wosoy, Jeos, Thow, Grek, Mika, ATV, DTS, etc. Todos pintaban allí y a muchos de ellos les acogíamos cuando venían.

Imagínate que te vas a pintar a un pueblo en invierno, son las 19h00, de noche y el próximo tren para volver a tu casa es a las 21h00. En esas dos horas estábamos con ellos, les sacábamos abrigos si hacía frío o un bocadillo si tenían hambre mientras hablábamos de pintar. Si no pintábamos con ellos, les decíamos como entrar y salir, con quien había que tener cuidado y con quien no. La gente estaba encantada, mejor eso que algunos cazurros que te recibían a palos o te tiraban piedras. Nos estaban muy agradecidos, nos avisaban cuando venían a pintar y les decíamos si estaba muy vigilado o no.

Con el tiempo se convertían en muy buenos colegas y quedábamos para pintar juntos en muchos otros sitios, preferíamos que vinieran ellos a otra gente. Hemos conocido gente de todo Madrid, desde Vicálvaro a Aluche, nos acogían también como lo hacíamos nosotros.

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Siempre hemos tenido una relación muy estrecha con gente de San Lorenzo y Villalba. Poco después nos juntamos todos bajo el mismo paraguas: La Sierra. Éramos escritores de Ávila, El Escorial, Villalba, Alpedrete, Collado Mediano, etc. También gente de Las Rozas, de hecho había polémica ya que este no es un pueblo de la sierra, pero nosotros no echábamos a nadie; éramos un grupo más para unir que para separar. Teníamos nuestras sudaderas, camisetas y pintábamos juntos, siempre con Joke y Lama como mentores y punto de unión. Fue una época muy bonita, había mucha unión y conocíamos gente que, con el paso del tiempo, no vuelves a pintar con ellos pero sí quedas para tomar unas cervezas.

Los viernes por la tarde íbamos a revelar carretes a San Lorenzo o al Galaxia de Moncloa, era un punto de unión de todos los escritores de Madrid. Ibas allí, y entre que dabas el carrete y te lo devolvían, podías conocer a otros escritores, quedar con ellos e intercambiar fotos; porque ellos tenían algunas tuyas en su carrete y al revés. Era un mundillo muy fraternal que, ahora mismo, ya no veo porque no existe. Pasaba lo mismo en World Wide, fueras a la hora que fueras, veías siempre a la misma gente porque era donde se quedaba.

En mi casa el teléfono estaba en el salón, por lo que no podía tener conversaciones “secretas” con nadie. Cuando había algún “tómbolo” llamaba a los colegas para avisarles, ellos sabían lo que era pero mi madre no, cuando lo escucho por primera vez pensó que era una droga. “Tómbolo de regional naranja” para ella debía ser lo peor de lo peor y para nosotros un milagro caído del cielo. No había ni teléfonos móviles, ni Facebook ni Whatsapp; por lo que si querías hablar con alguien, tenías que hacerlo así o salir y llamar por una cabina.

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Respecto a las influencias, los de mi generación imitábamos a los escritores y pioneros de nuestro barrio, ciudad o pueblo. En mi caso, primero conocí a gente que me gustaba como pintaba y a los que imitaba, a raíz de conocerles descubrí a los pioneros y luego a los pioneros de NY; gracias a películas como Style Wars, libros como el Spray Can Art y fanzines. Mi estilo está definido por la gente de San Lorenzo en los 90, aunque luego veo gente de NY, a los TFP, y me flipa. Me acuerdo de ir por Madrid y reconocer los estilos por barrios, como cuando surgió el estilo “aravaqueño” de la zona de la A6 de Las Rozas y Pozuelo, había un estilo propio. Al igual que en San Lorenzo, había un estilo definido a finales de los 90.

Llegó un momento a mitad de la década que hubo una oleada de vandalismo en el graffiti, Ácidos, cristales rallados, escritores con bates en los metros; todo eso para el periodismo sensacionalista les vino muy bien para criminalizar el resto del graffiti, les dimos pretextos para llamarnos criminales.

¿No está bien pintar trenes? Lo sabemos todos, es sentido común. Nos puede gustar más o menos pintar trenes, vale, pero pegar al de seguridad para pintar un tren… creo que hay unos límites. Cuando íbamos a pintar tren, si había guardas jurados lo que hacíamos nosotros era irnos, no volver 15 tíos para pegar a los jurados y pintar. No defiendo la violencia en ningún sentido, al igual que a mi me han pegado porrazos yo no defiendo que se peguen porrazos a los de seguridad. El juego es buscar la picaresca para pintar cuando no estén o cuando no te vean.

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En Barcelona se pintaba mucho porque era más fácil, eso siempre ha sido así. La gente viajaba hasta allí porque sabían que iban a triunfar. En un fanzine a nivel nacional como la Wanted, por ejemplo, las páginas que más molaban eran las de Madrid; porque el riesgo de pintar un tren en Madrid le daba a la foto mas caché que irte a Barcelona a pintar un Wholecar, eso era así. El metro en Madrid es el más difícil de toda Europa,  pintar un tren en Madrid te daba un cache que no te lo daba pintártelo en otro lado. Luego veías películas,como las de Misión Imposible del Buni, Bajo TierraPush it to the limit, por ejemplo, y flipabas. Molaba porque veías a la gente que te gustaba de Madrid, gente que conocías, y eso te llenaba de orgullo; lo veías y te daban ganas de pintar.

Me tocaron los 90, me toco el graffiti y estoy muy orgulloso de haber vivido lo que he vivido y conocer lo que he conocido y de haber formado parte del graffiti de los 90 y lo que supuso el efecto 2000 y eso no me lo quita nadie. El Graffiti es una bestia que tienes dentro de tí y, o la alimentas, o la apaciguas. El que ha pintado y ha sentido esa adrenalina le es muy difícil dejar de hacerlo.

Un saludo a mi mujer, mis hijas, AXP, SF, DN y a todos los escritores con los que he coincidido.”

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PARTYNEXTDOOR – The Fader

PARTYNEXTDOOR habla de su música por primera vez.

Durante los meses de abril y mayo, el magazine The Fader lanzó la primera entrevista de PARTYNEXTDOOR a un medio. Sesión fotográfica de por medio, el canadiense se abre un poco más a sus fans en esta entrevista. Puedes leer la entrevista en su versión original, haciendo clic aquí.

Nuestra colaboradora Amanda Abella nos tradujo la entrevista completa (para los que nos cuesta un poco leer y entender el inglés) y a continuación puedes disfrutar de los textos de Felipe Delerme y las fotografías de Geordie Wood para el magazine The Fader. ¡Disfrútalo!

El as en la manga de OVO ha estado buscándose a sí mismo durante los cuatro últimos años. Ahora está preparado para hablar de ello.

La mayoría de lo que se puede encontrar acerca de PARTYNEXTDOOR en internet es verdad. Este cantante, compositor y productor, que ha firmado con el sello discográfico OVO, ha sacado dos trabajos y ha contribuido en los dos últimos álbumes de Drake. Los dos videoclips en los que sale le retratan como un hombre atractivo de piel oscura, nariz ancha, barba escasa y trenzas hasta la altura de la barbilla que normalmente cubre con un pañuelo o un gorra. Sólo tiene 21 años: nació el 3 de julio de 1993 en Mississauga, un suburbio de Toronto, Canadá. En una ocasión actuó como Jahron B., una abreviatura de su verdadero nombre, Jahron Anthony Brathwaite. Eso es todo lo que se puede encontrar sobre PARTYNEXTDOOR en internet.
El público general se enteró de su existencia en 2013 gracias al lanzamiento de su liberadora “Make a Mill” en el blog October’s Very Own. A pesar de ello, y de haber cosechado montones de seguidores en Soundcloud, haber trabajado con Drake y Kendall Jenner y haberse embarcado en un tour internacional, ha conseguido pasar curiosamente desapercibido. Ésta es su primera entrevista.

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La primera vez que vi a PARTYNEXTDOOR fue este pasado marzo en el exitoso concierto que tuvo lugar en el teatro neoyorkino Irving Plaza, donde su actuación estuvo acompañada más que por un coro de apoyo por gritos histéricos y cantos. En el escenario PARTY actuó como un atento y agradecido casanova, yendo al photocall a por champán para sus fans, chocándole la mano a los tíos por encima de sus alteradas novias y cantándole serenatas a una chica en especial: una joven con septum. El público, formado en su mayoría por discípulos veinteañeros, cantaba gritando todas y cada una de las palabras como si lo único que quisieran fuese ser oídos (si no por PARTY, por los edificios cubiertos de aguanieve de Union Square, en donde la cola para el concierto comenzó a formarse unas cuatro horas antes de que las puertas se abrieran).
PARTY se especializa en una variante independiente de la música trap moderna, muy influenciada por el R&B de los 90; del estruendoso crunk del nuevo Gucci Mane Atlanta y del hip-hop melancólico y emocional por el que abanderan Drake y los componentes de OVO. Como referencias señala a Jodeci, Boyz II Men, Blackstreet y 112“Todo lo que mi padre solía poner”– y comparte gustos con artistas jóvenes e imaginativos como Young Thug, Travis $cott y Try Dolla Sign, a los que también les gusta cruzar la línea entre rapear y cantar. Sus andanzas como vocalista comenzaron en la iglesia a la que iba con su madre, la cual también cantaba. Se unió al coro cuando era un preadolescente pero tenía tanta calidad para su edad que fue ascendido al grupo experto. Ahora, cuando no cuenta con Auto-Tune, su tenor recuerda al del célebre Ralph Tresvant.

Dos días después de su concierto en Nueva York está sentado junto a la estrecha encimera de un autobús de gira enfrente del Theater of the Living Arts, en Filadelfia, donde tendrá lugar otro concierto en el que se colgará el cartel de «lleno». En persona, PARTYNEXTDOOR es más alto de lo que se espera: una grácil altura de 1,88 metros pero con la confianza que los entrenadores de baloncesto llaman cariñosamente «presencia de pista». Su voz revela la cadencia distintiva del patois jamaiquino tan común para los que se han criado en el crisol de razas que es Toronto. “Puedes ver a un asiático con el acento jamaiquino más marcado y no te resultará gracioso en Canadá, estarás familiarizado”. Pero los padres de PARTY son de verdad caribeños: su madre es de Jamaica y su padre es de Trinidad. A pesar de haber estado despierto hasta las seis de la mañana hablando con su mánager se muestra amable y parece descansado. Lleva una sudadera promocional del Connecticut Venue, donde actuó hace una semana y, aunque sea ya por la tarde, todavía no ha desayunado. Prefiere no comer directamente después de haberse levantado, una de las meticulosas reglas que estableció hará unos tres años cuando adoptó una versión moderada de la dieta paleolítica y superó su ronquera de adolescente.

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Antes de ser PARTYNEXTDOOR intentó comenzar una carrera como Jahron B. Empezó a hacer música en su dormitorio cuando estaba en el instituto y soñaba con trabajar con Drake, Noah “40” Shebib y Oliver El-Khatib, un equipo con éxito aparentemente sin fin. “Soy bueno con los ordenadores”, recalca. “Era uno de esos tíos de Myspace que tenía un contador de visitas falso”. Buscó productores y compañías ya establecidas con la esperanza de construir un colectivo de personas con creatividad afín, pero los que respondieron rechazaron la oferta educadamente. “Simplemente no lo veían”, dice PARTY. “Yo estaba en plan “Vale, voy a aprender cómo producir mis propios ritmos”. Y comencé a darle. Ahora es muy raro usar los ritmos de otras personas”.
Un buen día PARTY fue descubierto en Myspace por un mánager. Dejó Mississauga a los 17 y se mudó a Los Ángeles, donde casi toda su manutención era pagada por su mánager. “Mi madre me daba 50 dólares cada dos semanas para que gastara en la tienda”, recuerda. “Por dentro pensaba “Tengo que devolverle a mi madre estos 50 dólares”. Rezaba por cosas así todas las noches. Era como: tengo que conseguirlo”. PARTY afirma que gracias a su gestión la inversión se ha recuperado “dos veces”.

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A los 18 PARTY firmó un contrato con Warner/Chappel como compositor. Llevaba la permanente echa y escribía canciones para Justin Bieber. Ninguno de esos tracks fueron producidos. A pesar de ello, algunas demos de esa época junto con versiones de Michael Jackson y Aaliyah se pueden oír en una recopilación no autorizada en internet llamada “The Jahron B Collection”. A pesar de ocuparse tanto de la melodía como de la letra la mayoría de las canciones que compuso para otros artistas eran insulsas: el tipo de pop que todo el mundo puede cantar pero que no representa a nadie de verdad. Pero una pista de la recopilación, entre las primeras que compuso como PARTYNEXTDOOR, muestra un ápice de la cruda sinceridad que acabaría abanderando. Llamada “Daughter” de manera no oficial, se trata de una carta brutal a su hija no nacida, en la que se detalla su concepción: un rollo de una noche cargada de drogas. Este es un mensaje para mi hija. Espero que no seas como tu madre/ Este es un mensaje de tu padre/ Espero que no seas como tu madre, repite el coro. “Resumiendo, esas cosas pasaron de verdad”, dice PARTY. “Nunca dio a luz a la niña. Y si no hubiera tomado la decisión de parar el embarazo ese mensaje sería lo que le estaría diciendo”.
PARTY afirma que escribir canciones para otros “le quedó pequeño” cuando se dio cuenta de que su música estaba volviéndose demasiado personal como para vendérsela a otros. Llegar hasta ese punto supuso un cambio de vida muy inesperado. “Pienso mucho y eso puede ser una tanto una bendición como una maldición”, nos cuenta; “estaba en contra de fumar yerba porque siempre he querido tener el control, pero un amigo me convenció para fumar un día. Y tan pronto como lo hice empecé a escribir así”. Se mudó desde L.A. a Miami y su música comenzó a reflejar las imprudencias de su estilo de vida: un adolescente viviendo y saliendo de fiesta por South Beach con los adultos que conformaban su círculo de mánagers. Tuvo algunos encuentros con Jimmy Iovine y consiguió tener su propia actuación. “Esto es música producida por un tío y no puede ser cantada por otro”, explica acerca de su plan para dejar de componer para otros. “Así que dejadme cantar mis canciones y llamadme artista. Esta es la única música que voy a hacer. He creado mi propio mundo y lo vais a pasar mal intentando detenerlo”. Adoptó el nombre de PARTYNEXTDOOR de un filtro para producir del programa Fruity Loops, parecido a uno que usaba 40.

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A principios de 2013 la música de PARTYNEXTDOOR encontró su lugar en OVO. “Estoy continuamente interesándome y buscando nuevas canciones que me hagan sentir como nunca antes”, nos cuenta por teléfono desde Toronto, Oliver El-Khatib, el co-fundador del sello. La primera vez que escuchó música de PARTY fue gracias a Drake, quien le envió un email desde una dirección que El-Khatib no reconoció al principio. “Escucho de todo”, dice. “Le doy mi dirección de correo a todo el mundo. Recibía esos emails desde esa dirección tan rara. Comencé a escuchar los temas y fue una locura. Así que escribí algo como “envíame más, necesito escuchar más”. Así es como evalúo lo consistente que es algo. ¿Ha sido suerte? ¿O es un estilo cohesivo? Siguió enviándome mas y comencé a escucharlo mas y a ponerlo para 40 y para Boi”.
“Oliver me llamó por la mañana” recuerda Boi-l. “Cuando recibes una llamada de Oliver sabes que la cosa es seria. Como dos días después Drake me dijo “Tío, ese tal PARTY está muy bien””. PARTY dice que su primera reunión con OVO tuvo lugar en la parte de atrás del Range Rover de Khatib, “en una calle cualquiera” en Toronto. Ahora, El-Khatib me confiesa que es su visión tan inflexible lo que hace que PARTY sea el as en la manga de OVO. “Es de los pocos que escribe, produce, actúa, canta… un todo en uno. Ata todos los cabos, se encarga de todo, así que lo que se oye es exactamente lo que él quiere” dice. “Eso es un privilegio para cualquier artista. Te fijas en los pocos artistas que son capaces de hacer eso. Uno de ellos es Kanye West”.

PARTY ha producido por completo su álbum homónimo, el casi inmediato “TWO” y en 2014 “PNDCOLOURS” (con la excepción de una canción co-producida por Cardo). También ha producido tres éxitos en el trabajo de Drake “If You’re Reading This It’s Too Late”: “Legend”, “Preach” y “Wednesday Night Interlude”, la única canción de la mixtape en la que no aparece Drake (un honor concedido únicamente una vez antes a Kendrick Lamar). Incluso como miembro de OVO, PARTY sigue creando todos esos ritmos él solo. “No he ido al estudio con nadie, no lo suficiente como para aprender de alguien“, declara. “Ni de 40, de nadie. Drake y yo estamos muy pocas veces trabajando en el estudio”. Le encanta experimentar con su propia voz y le enorgullece el hecho de que canciones suyas suenen tan dispares que parece que sean de diferentes cantantes. En directo PARTY canta sin ningún efecto especial pero no se arrepiente de usar continuamente Auto-Tune en sus canciones. “La primera vez que escuché Auto-Tune no fue gracias a T-Pain”, dice. “Fue a través de gente que escuchaba con mis primos, cosas culturales como Vybz Kartel and Mavado, tíos que gritaban y cantaban a grito pelado”

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“Directo” es una buena palabra para describir la manera que tiene PARTY de cantar su amor a las féminas, con un lenguaje que podría usarse durante una partida de dados en un callejón. Cómo puede sentarte tan bien esta lealtad/ Quiero acariciar a la gatita, ver cómo crece el coño/ No me asusta cruzar la línea contigo, no me asusta hacerme una línea contigo, canta en su tema del 2013 “Relax with me”. En “Recognize”, su mayor éxito hasta la fecha, corteja a una mujer que ha tenido incontables parejas (casi tantas como él, para ser francos) pero a quien quiere honrar de todas maneras: No me importa tu hombre, tus cuatro hombres/ cinco hombres, seis hombres/ No me importa una mierda la mierda. En “FWU” se limita a aullar: Solo quiero follar.

PARTYNEXTDOOR no es el primero en animar a la infidelidad o en decir tacos cuando está drogado pero su manera eufórica de hablar claro cala hondo, especialmente con una generación joven cansada de relaciones tradicionales. Por encima de todo eso es honesto y le habla a sus amantes de la manera que muchos otros desearían hacer. “Creo que tengo una perspectiva diferentes: ahorrarse las tonterías”, explica. “Pero no creo que sea irrespetuoso. ¿Digo cosas irrespetuosas con mi música?” pregunta a todos los presentes en el autobús, cuatro hombres que responden negativamente. “En absoluto soy irrespetuoso”, concluye, “pero mis letras son cosas que digo o que he dicho. No puedo simplemente ir al estudio y hacer música. Puedo producir ritmos cuando sea pero a menos que no esté pasando por algo, o tenga a una mujer en mi cabeza, o tenga un conversación por teléfono de la que se pueda sacar algo no hago música. No busco las cosas, en plan “Dios mío, déjame pensar en lo más loco que pueda decir esta noche””.

Los críticos meten a menudo en el mismo saco a PARTYNEXTDOOR y a su colega The Weeknd, también de Toronto y educado por OVO, pero esa comparación es vaga además de inapropiada. A pesar de que las canciones de ambos artistas diseccionen los daños emocionales del sexo y las relaciones desde la perspectiva de un deseo sin fin la música de The Weeknd es considerablemente más distante y carece por completo del sentimiento que se puede encontrar en algunos temas de PARTY como “SLS” o “Let’s Get Married”. “La gente me recalca esa comparación porque aparecí en un momento en el que se asumía que estaba ahí para llenar un agujero” dice haciendo alusión a la marcha de The Weekend de OVO en 2012. Y a pesar de que la música de PARTYNEXTDOOR incluya algunos toques de la estética oscura por la que The Weeknd se hizo famoso (alusiones a drogas, vocales cortadas, melancólicos riffs de saxo) considera esa comparación una ofensa a su versatilidad. “Muchas de las cosas que se hacían en Toronto eran oscuras por aquella época. ¿Pero lo mío? Soy todo colores. Intercalo samples cuando una canción es completamente oscura y la otra es totalmente sexual. La gente cree que toda mi movida es oscura, pero yo no”.

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PARTY and The Weeknd comparten también su aversión por la prensa, rechazando entrevistas con la esperanza de que su música hable por sí sola. Pero, como dice PARTY, su silencio no es parte de un plan para aumentar su popularidad si no que es simplemente su manera de ser. “Nunca me describiría como misterioso. La palabra correcta es “reservado””, dice. “No huyo de las fotos. Siempre digo “¿qué pasa?” cuando me ven. Simplemente no quiero vivir en una fantasía donde finjo que todos me importan y luego quedo como un idiota con alguien que me esté grabando en el aeropuerto”.
La actitud de PARTY está en sintonía con los valores del gran plan de OVO. De acuerdo con El-Khatib, limitar la información es la manera de conseguir un grupo de verdaderos fans. “No se trata de ser molesto, pretencioso o misterioso a propósito” explica sobre la actitud de PARTY. “Se trata de “¿Qué está preparado para decir ahora?” Dejar que la música haga su trabajo. Creo que eso va para muchos de los miembros de OVO, podemos decirlo mucho mejor a través de la música que en la vida real. Así que ¿para qué intentar decirlo con palabras? Así solo se merma la potencia del arte”. El-Khatib afirma que el éxito de PARTY es parcialmente gracias a lo bien que su música se alinea con la de Drake, la voz cantante en OVO. “Hablamos de PARTY justo a tiempo porque tenemos planeado (en mi mente) sacar un par de mixtapes y encontrar la sinergia y congruencia con Drake en su música” declara. “Siento como que esto es la introducción perfectamente ejecutada de un nuevo artista, para ser honesto. Ya lo conoces pero al mismo tiempo es como que no sabes nada de él y quieres escuchar más. Es, como, la gran aparición de la alfombra roja”.
PARTY afirma que los conciertos de su último tour y los tenaces fans que ha arrastrado confirman que pasar desapercibido ha funcionado. “Hablo con la discográfica y estoy en plan “¿Estoy haciendo todo bien? Quiero hacer una entrevista porque nadie está prestando atención”” dice. “Y luego recibo un toque cuando estoy en medio de una actuación”.

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Después de una comida consistente en pollo a la parmesana y espinacas al vapor en Philly, PARTY se dirige al lugar del evento en chándal. En su gira actúa delante de una pantalla de 30 pies de largo con forma de “V” en la cual, para empatizar con el ambiente, se proyectan imágenes a cámara lenta de cascadas, ramas de palmeras meciéndose y bandadas de palomas agitando las alas. Durante la prueba de sonido se mete en los pliegues donde se dobla la pantalla, da la espalda al teatro y canta murmurando por el micro como si fuera un niño hablando consigo mismo en un tiempo muerto. Contrasta completamente con la actuación de esa noche cuando domina el escenario vistiendo un jersey de béisbol personalizado y unos pantalones blancos ajustados. La multitud en Philly no es tan ruidosa como la de Nueva York pero la energía de la sala es innegable cuando PARTY se muestra desdeñoso con “Don’t worry”, su canción más hostil hasta la fecha.

Inmediatamente después del concierto PARTY ofrece un evento para conocer y saludar a una serie de personas muy diversas. Hay un par de chicas con el pelo rizado y vestidos ajustados que son la viva imagen de las bottle service girls de Miami Beach, un niño rollizo que viste una camisa de diseño y acompañado por su madre, quien le pide a PARTY que lo haga su becario. Cuando un grupo de chicas pequeñas le pide a PARTY una autofoto él educadamente les explica su norma “no autofotos”, creada después de que unas fotos con una chica de Miami acabaran en el sitio de cotilleo Baller Alert y en blogs que detallaban una relación falsa. (Durante todo nuestro tiempo juntos PARTY se ha negado a responder preguntas acerca de su actual estado amoroso, incluso cuando se le ha indagado acerca de la cantante de 19 años Kehlani, la supuesta protagonista de su canción “Girl from Oakland”). Después, un tipo con aspecto de gángster y una costosa cámara digital le pregunta a PARTY si “Férina”, la palabra que aparece en toda su indumentaria, es el nombre de su primer álbum. “Nah”, responde PARTY con una mueca y, cuando se da cuenta de que el hombre está esperando una buena explicación, le dije que lo averiguará pronto. “Férina”, como me aclaró más tarde, “es una palabra en jerga para expresar aprobación; la manera que tienen algunos de cierta edad de decir “fijo” o “bien dicho”. Si se afina el oído lo suficiente suena como una palabra compuesta en patois para decir “ahora es seguro”.”
Al poco rato PARTY está de nuevo en su camerino recogiendo su vestuario antes de que el autobús salga de D.C. En las dos semanas siguientes el tour serpenteará por el Medio Oeste y saltará el Atlántico para su etapa en Europa. Cuando encuentre tiempo trabajará en nuevos ritmos en el bus pero no elegirá grabar su nuevo EP hasta abril (no porque necesite estar en un estudio propiamente dicho, lo cual de hecho prefiere evitar, si no porque necesita tener la cabeza centrada).
Su mánager me dice que durante la gira el equipo ha instaurado lo que le llaman “horas negras”, en las cuales dejan a PARTY solo hasta que mensajea a alguien del equipo y sale de su habitación por su propio pie. Esté haciendo música ahí dentro o simplemente echándose la siesta esa soledad es muy valiosa. Ser visto como un tipo reservado que, a pesar de ello, se permite todas las distracciones de la carretera –el dinero, las mujeres, los amigos y la vida nocturna– es parte de lo que hace su música tan creíble, pero también es solo una parte de lo que es. Sea esta su primera entrevista o no, cómo convierte sus experiencias en hits que arrasan ha sido siempre un secreto que guarda para él. “Hago el 99% de mi música sentado, en bóxers, cuando estoy cómodo en la silla de mi ordenador”, cuenta. “Porque hago todo yo. Sujeto el micro cuando grabo. Lo he hecho en todas las canciones que he sacado. Simplemente quiero sentir que lo cojo y hablo. Digo lo que tengo que decir”.

Nike Air Max 95 Ultra y Ultra Jacquard (parte 2)

Entrevistamos a los diseñadores detrás de las Air Max 95 Ultra y Ultra Jacquard

Como hemos estado viendo las últimas semanas, Nike está preparando el aniversario de las icónicas Air Max 95 y junto al relanzamiento de este ícono, lanzarán –estas el día 16 de julio– las nuevas WMNS Ultra y ULtra Jacquard. Hemos podido hablar con los diseñadores de ambos modelos y aquí os lo contamos: en primer lugar, la entrevista a Dylan Raasch, el diseñador detrás de las Air Max 95 Ultra para mujer.

NSW_Air Max 95 Designers_Raasch

¿Cuál fue el proceso de diseño detrás de la creación de Air Max 95 Ultra?
Sabíamos que el 20 aniversario de las Nike Air Max 95 se acercaba y pensamos que podría ser una gran historia que contar, añadiéndole especialmente la perspectiva femenina. Estamos tratando de distanciar el modelo Ultra de las siluetas masculinas, incorporándole una forma más elegante, así como un estampado más simple. Consideramos las zapatillas Air Max 95 como el mejor modelo para probar y ejecutar esa visión.

¿Fue intimidante la tarea de actualizar uno de los modelos más icónicos de Air Max?
Un poco, pero creo que lo que tuvimos que hacer fue asegurarnos de mantener la integridad de la zapatilla original. Obviamente, como tomamos como referencia el punto de vista de las mujeres, tuvimos que cambiar algunas cosas. Fue importante hacer que fuera similar a la original; a pesar de ello, eliminamos la cápsula de aire en la parte delantera.

¿Nos puedes decir cuáles son los principales cambios o actualizaciones que presentan las Air Max 95 Ultra?
Comenzando por la parte inferior, quisimos disminuir la suela exterior y hacerla más flexible y ligera. Desafortunadamente, para conseguirlo tuvimos que eliminar la cápsula de aire en la parte delantera. Inicialmente pensamos que si la manteníamos, la zapatilla podría tener una mejor postura, pero finalmente decidimos que queríamos que fuera más elegante.
Sin esa cámara de aire, teníamos la libertad de hacer algo con el antepié, para mejorar la flexibilidad y reducir su peso.
En la capellada, redujimos sus seis capas de gamuza para alinearlas con la filosofía Ultra. Al no incorporar costuras, logramos que tuviera solo una capa sin sacrificar su degradación icónica. Las Air Max 95 Ultra fueron reinventadas, pero aún mantienen casi todos los aspectos presentes en la zapatilla original.

¿Se inspiraron en alguno de los modelos Air Max 95 Ultra originales?
Totalmente. Consideramos la zapatilla original y la filosofía desarrollada por el diseñador, haciendo lo posible para mantenerlas. Quisimos crear un modelo Air Max 95 que las mujeres desearan ocupar, pero no quisimos reinventar completamente la zapatilla.

¿Por qué se eliminó la cápsula de aire de la parte delantera?
Gran parte de la decisión tuvo que ver con la forma y la flexibilidad. A las mujeres les importa mucho cómo se ve una zapatilla por todos lados, lo que tuvo un gran peso en nuestra decisión. Mirando la zapatilla original, es evidente que se trata de una zapatilla muy ancha. Muchas de las mujeres con las que conversamos nos mencionaron ese aspecto específico, junto con el peso y la flexibilidad. Estas fueron las tres principales preocupaciones. Algunas, incluso, señalaron que preferían mayor flexibilidad y menor peso que tener la parte delantera con cámara de aire.

¿Qué pensaste cuando viste por primera vez las Air Max 95 originales?
Pensé que era un diseño hermoso y provocativo. Recuerdo que fue la primera zapatilla que tenía la entresuela negra, que se iba decolorando gradualmente. Hasta entonces, ningún otro zapato lo incorporaba, fue una gran jugada. Me gusta mucho ese concepto.

¿Conversaron en algún momento con Sergio durante la elaboración del diseño de Air Max 95 Ultra?
Así es. Como parte de un grupo, mi equipo y yo conversamos con Sergio sobre la original. Conocíamos bien la historia, pero fue bueno escuchar la historia completa desde la voz del creador. Fue muy beneficioso porque nos entregó sólidas bases para los pocos elementos que debíamos reinventar.

En definitiva, Dylan y su equipo crearon unas Air Max 95 adaptadas para mujeres, teniendo muy en cuenta la opinión de las futuras consumidoras. Personalmente pienso que se sacrifican factores importantes de la zapatilla original, pero parece que será para un buen fin: podremos ver más Air Max en los pies de las mujeres.


Por último, tenemos al creador de las Jacquard. Otro modelo alternativo a las Air Max 95 en las que estuvo trabajando el diseñador Ben Yun y su equipo. Leamos la historia de Yun sobre este renovado modelo:

NSW_Air Max 95 Designers_Yun

¿Hace cuánto tiempo que eres parte de Nike?
Trabajo en Nike desde hace 19 años.

¿Por qué decidiste ser parte de Nike?
Antes de ser parte de Nike, trabajaba en otra compañía de Footwear. Después de estar varios años en la otra empresa, me encontré con dos zapatillas Nike que llamaron mi atención: Air Rift y Air Max Squared. Los diseños de ambas zapatillas realmente me inspiraron, pero cuando vi la Air Max 95 supe que tenía que ser parte de la compañía. Para mí, las Air Max 95 cambiaron totalmente la industria. Mi primer pensamiento cuando las vi fue: “Este no es un diseño normal para una zapatilla deportiva. Quiero ir a Nike”. Poco tiempo después, era parte de esta empresa.

¿Hubo algo en específico sobre las Air Max 95 que provocó esa gran inquietud?
Cuando vi por primera vez las Air Max 95 no estaba complemente seguro de qué estaba sucediendo hasta que fui a la tienda y pude verlas y tomarlas en directo. Quería saber en qué había pensado el diseñador para crearlas y comprender su proceso, que finalmente llegué a entender. Yo aprendí a crear zapatillas considerando el patrón de ingeniería, un modelo clásico. Pero la forma en que Sergio rompe con todas las reglas tradicionales me sorprendió y me inspira para desafiar día a día a lo convencional.

¿Fue en la creación del diseño de las Air Max 95 Ultra Jacquard la primera vez que trabajaste con Air Max?
No. Había creado diferentes modelos de las 95 antes. En muchos de ellos, incorporando innovaciones y manteniendo el diseño icónico de las originales, como por ejemplo las Air Max 95 Engineered Mesh. Las Air Max 95 Ultra Jacquard son un modelo que realmente marca una tendencia.

¿Qué hace que el modelo Air Max 95 20 aniversario sea diferente a los otros modelos en los que has trabajado?
Todos los modelos anteriores fueron creados para que intencionalmente no fueran muy distintos al diseño original. Todo lo que quisimos hacer fue crear un diseño para que la zapatilla fuera más ligera y flexible. La Ultra Jacquard refleja el cómo pudimos actualizar uno de nuestros íconos enfocándonos en el material, peso, flexibilidad y comodidad. Sabía que había mucha historia detrás de las 95 y que muchas personas amaban su estilo, por lo que no nos alejamos mucho del diseño original. La pregunta es cómo saber si mucho es demasiado. Ya había trabajado en las Air Max 1 Ultra y las Air Max 90 Ultra, por lo que me inspiré en eso para el nuevo proyecto.

Mencionaste que habías hablado con Sergio Lozano, el diseñador de las Air Max 95 originales. ¿Cómo describe él su inspiración original?
Nunca conversamos tan profundamente sobre qué lo inspiró para crear la zapatilla original, pero sí conversamos sobre algunos aspectos de su diseño. Recuerdo haber discutido sobre la elección de los colores y cómo utilizó el color para crear algo que nunca antes se había realizado. Las zapatillas de running nunca habían utilizado entresuela negra antes de las Air Max 95. Creo que también le señalé que este zapato me recordaba a un insecto, ya que la espiga TPU en su suela era similar al abdomen de un insecto. Fue algo que él nunca había notado, pero que aun lo aprecia.

Luego de conversar con Sergio, ¿cómo empezaste a trabajar en el diseño que se transformaría en las Air Max 95 Ultra Jacquard?
Comenzamos conversando con el equipo. Discutimos sobre cuál era el objetivo. Sabíamos que debíamos rediseñar una zapatilla exitosa, por lo que teníamos que hacerlo lo mejor posible, pero necesitábamos averiguar exactamente cómo conseguirlo. Decidimos enfocarnos en incrementar su flexibilidad y disminuir el peso de la zapatilla, para que fuesen unas zapatillas que pudiesen utilizarse todo el día. Ese fue nuestro norte.
El primer paso fue encontrar la forma de eliminar el exceso de peso y para hacer eso tuvimos que identificar qué se podía o no cambiar. Obviamente, la cápsula de aire tenía que seguir siendo la misma porque es parte esencial de la zapatilla. Lo que sí podíamos cambiar era la entresuela que envolvía esa cápsula. En 1995, se utilizó el poliuretano como material en casi todas las entresuelas, cambiamos la forma de inyectar el Phylon para que fuera de una forma más ligera.
La capellada era un poco más difícil de diseñar. Recuerdo haber pensado en el diseño original de Sergio y en cuando nos dijo que los músculos, la piel y la caja torácica inspiraron su diseño, y pensé “¿qué pasaría si mirara la piel del cuerpo humano?, ¿qué vería? La respuesta fue: los músculos, pero no solo uno. Investigué y observé algunos dibujos anatómicos del cuerpo humano y fue ahí donde me inspiré para diseñar la capellada. Quería crear una textura basada en la fibra de los músculos que vi en esos dibujos, pero desde una perspectiva diferente. Quería describir lo que veía si estuviera dentro de un músculo.
En el producto final utilicé tres colores que representaban tres músculos diferentes entrelazados entre sí. Si miras de cerca la zapatilla es posible ver líneas negras, verdes y negras/verdes que representan esas fibras. Elegí esos tres colores considerando la degradación original. Quise mostrar algo similar a la anatomía, pero sin utilizar muchas capas, sino que solo una.
Luego, añadimos el Nike Mag Wire para que ocupara el lugar de la moldura. Si las Jacquard eran las fibras musculares, quería continuar utilizando la perspectiva inside-out y me pregunté cuál sería lo próximo que se vería. No podían ser las costillas, pero sí los cartílagos o los ligamentos, ambos tejidos blandos. El Mag Wire es dinámico y se mueve junto al pie haciendo que esté seguro dentro de la zapatilla.
En este punto reducimos mucho peso y le incorporamos flexibilidad. No quisimos agregarle más capas, pero sabíamos que el empeine era una característica importante que no podíamos pasar por alto. Decidimos utilizar una película transparente. Habíamos trabajado duro para desarrollar una capellada que fuera de una pieza, por lo que me preocupé de que se viera. Esa película también incorporó elementos de la zapatilla original, utilizando colores oscuros que pudieran ocultar la suciedad, como una forma de protección contra el desgaste por uso.

¿Fue diferente el proceso de manipulación del poliuretano y la forma de inyectar el Phylon?
Para utilizar el PU (poliuretano) se deben poner las cápsulas de aire en un molde e introducir el líquido PU en él. La espuma PU toma forma alrededor de las cápsulas y se crean así las entresuelas.
El proceso de inyectar Phylon es mucho más preciso. Es posible inyectarlo solo en un lado de la cápsula y limpiar el exceso de material que no se necesita. Desde allí, se debe poner la cápsula de aire directamente en la suela, lo que reduce drásticamente su peso.

La Air Max 95 original fue reconocida por no incorporar el Swoosh de Nike. ¿Hubo alguna presión para que el Swoosh estuviera más visible que en el modelo original?
No tuvimos ninguna presión para cambiar ese aspecto. De hecho quisimos mantenerlo escondido. Es un detalle original sobre la Ultra Jacquard, ese y el diseño de su lengüeta con el logo ovalado. Ya habíamos cambiado tantas cosas que quisimos que los pequeños detalles realmente se reconocieran. Hicimos solo un pequeño ajuste en la lengüeta. La forma en que la capellada de la zapatilla está diseñada incorpora cuatro tejidos en uno, y el patrón fue que estas capas se cortaran. Utilizamos algunos pedazos de la tela que sobró para elaborar la lengüeta.

La degradación de colores neón verde/gris/negro/blanco es muy icónica. ¿Alguna vez pensaste en cambiar los colores?
El primer color en el que pensé fue la degradación del neón verde. A menudo pienso si fue este el color que me trajo a Nike. Nunca he pensado en el blanco. El contraste entre el neón y el negro es tan fuerte que es todo lo que quería utilizar.

Esperamos que te haya gustado toda la información que Dylan Raasch y Ben Yun nos han proporcionado en estas dos entrevistas exclusivas, con motivo del lanzamiento de estos nuevos modelos de Nike Sportswear.
Recuerda: 16 de julio es la fecha de salida de las Air Max 95 Ultra y Ultra Jacquard. #StayTuned

Artista del mes: Just Chris (UK New-Under Rapper)

Entre los contactos que he logrado hacer, gracias a las coincidencias de la vida, llega a mi un sonido muy suave acompañado de letras para todos quienes suelen tener días melancólicos ya sea por amor, pérdidas o simplemente por destino. Sin duda, siempre hay algo que nos produce desconformidad en la vida y nos hace arrastrar una pena crónica que no siempre tiene un detonante. Pero más que eso, creo personalmente en el hecho de que cada día nos morimos un poquito más tanto física como espiritualmente. Un sentimiento que claramente se encuentra presente en todos los entes posibles por haber.

Hace unos meses atrás recibí un e-mail que decía lo siguiente:
Hello Hi, whenever (If ever) you feel upset please have a listen to this.
http://soundcloud.com/mylifeissadsometimes 
<3
p.s be happy 

Dentro de mi curiosidad inmediatamente abrí el link, comencé a escuchar y me puse averiguar –Quién es Chris?– Luego de eso lo comencé a seguir en Twitter y durante la tarde recibo un mensaje por interno. Era Chris presentándose, contándome sobre su trabajo y yo, por mi parte, haciendo lo mismo. Seguimos conversando, hablamos algún día de hacer una colaboración juntos y entre eso me di cuenta que ya conocía a un nuevo amigo del otro lado del mundo que a mi parecer debía ser conocido por más personas. Es por esto que lo invité a participar e inaugurar esta nueva sección a modo “Artista del mes”, que más bien se traduce a una cita íntima gracias al internet con distintos artistas y músicos talentosos alrededor del mundo. Hoy les presento a mi primera cita: JUST CHRIS 

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Just Chris es un joven rapero de tan solo 20 años nacido en In Hackney (U.K). En este momento se encuentra viviendo en London Town y pasa su tiempo libre haciendo música, coqueteando con chicas y escribiendo letras inspiradas en una que otra pena guardada – MEET HIM ;)

LIZZ: Holaaa! Cómo estas?
CHRIS: Estoy bien Elisa! Estuve en el limbo un rato pero creo que ya estoy resolviéndolo
En qué estas?
Estoy por ir a una pequeña cena familiar. Mi tío acaba de llegar de América y no lo he visto en un buen tiempo. Luego volveré a casa y ajustaré algunas canciones en las que estoy trabajando y después veré que hago… nada realmente interesante o sí? lol
¿Cuando empezaste hacer música y que significa en tu vida dedicarte a esto?
Empecé a hacer música más o menos a los 15. Estaba pasando por un par de cosas y necesitaba de alguna forma “ventilar” lo que me estaba sucediendo, porque físicamente estaba demostrando lo enojado que estaba, no iba hacia ningún lado así que decidí canalizar esa energía en algo más. Lo que quiero decir es que la música me salvó y me salva todos los días – Whenever nothing else is making sense, music makes sense.. if that makes sense haha?
– ¿Cómo describes tu música?
La describo como música hecha por y para los deprimidos..
– ¿Cual o cuales son tus principales influencias?
Esta pregunta es muy larga, porque tengo demasiadas influencias lol… pero principalmente es la vida y las interacciones que tengo a diario o al observar gente. Hay tantas personas con sonidos siniestros y de alguna forma trato de recrear lo que escucho en todos lados pero a mi manera…
– Menciona 3 rappers, bandas o músicos que te inspiren. Puede ser por la música que hacen, personalidad, estilo, etc
Wretch 32, Mi Casa &  J.Cole

– ¿Siempre quisiste producir rap o tienes algún pasado secreto en donde solías escuchar otro tipo de música?
Antes quería ser un jugar de fútbol profesional y tontamente sigo queriendo serlo lol. Incluso jugué para Tottenham Hotspur’s U14’s… Estoy súper orgulloso de mis amigos que lograron cosas con el fútbol, entonces si lo hicieron ellos yo lo hice también lol… mis amigos Ayo Obileye y Augustin Mafuta – Killing It!
– Cuéntame sobre tu proceso creativo. ¿Logras alcanzar algún tipo de estado mental al momento de escribir o solo nace de la nada y BOOOM! Ha nacido una nueva canción :) ¿De dónde viene la inspiración?
Es un poco de las dos para ser honesto. Escribí mis canciones favoritas a las 2 AM cuando todos estaban durmiendo y la casa estaba muy callada. Es como si la creatividad fluyera sola, mis ojos se cierran.. es algo bien loco… mental y físicamente drenando información, pero realmente las cosas que he hecho a través del tiempo han sido mágicas.
– ¿Qué le quieres decir a la gente a través de tu música y las letras? ¿Cual es el mensaje central?
Yo sólo quiero que la gente aprenda a amarse a sí mismos y amar a los demás. Quiero extender la paz y la buena energía e inspirar o motivar a la gente para hacer del mundo un lugar mejor.
– ¿Tienes alguna canción que hable de una historia tuya que sea especial?
Si! Tengo una canción en mi nuevo proyecto que aún no se lanza llamada “Pressure”. Es todo lo que alguna vez quise decir.
– ¿Qué opinas sobre la actual industrial del hip hop en tu país y en tu ciudad?
¡Creo que algunas personas están realmente locas!
– Pero en tu opinión, cual es la diferencia entre la escena hip hop en UK versus la de USA?
No creo que haya una diferencia en el nivel de habilidad o la calidad, creo que sólo el tamaño del mercado. En el Reino Unido, el hip hop representa un nicho mucho más pequeño entonces puedes llegar lejos sin compromisos de por medio… es decir, tienes más libertades de hacer lo que quieras.
– Dime más sobre rappers o bandas de tu país que te gusten y respetes mucho √
GHETTS! Creo que el es el mejor compositor y no me importa lo que digan. También SWAY en letras igual es uno de los mejores y su interés por detallar en sus rimas es genial. Finalmente destaco a TINIE TEMPAH porque me gusta su imagen y su música. Mucha gente lo critica pero creo que sus decisiones musicales son muy astutas, por ejemplo, el tipo de música que hace puede estar en cualquier club de cualquier país en el mundo.

– ¿Qué viene ahora en tu vida? ¿Tienes planes a futuro, algún album nuevo o video?
Estoy grabando un video para una canción por así decirlo de beat optimista en una azotea de un edificio. Va quedar muy buena así que ponle ojo apenas salga y puede que aparezca alguna polera de  1FiguresApparel.com ;) Además estoy trabajando en un nuevo mixtape, quizás un album debut y hasta el momento suena a sexo… y hay muchos productores, más artistas importantes trabajando en esto.
– ¿Cual es tu canción favorita de todos los tiempos y por qué?
Esta pregunta es difícil. Ni sé si daré una respuesta correcta pero digamos que diré una de mis canciones propias. Mi favorita definitivamente es  “Just Chris – The Night Before // The Morning After” porque todo lo que he escuchado en mi vida me llevó hacer esta canción. Es como que recogí varias cosas de todas mis canciones favoritas lol… entonces no sé como llegó a funcionar pero lo hice.

– Di algo, lo que sea, para toda la gente de Chile, América del Sur y España
Yo! A todas las chicas sensuales de Chile, España y América del Sur (no discrimino) síganme en Twitter  @JUSTCHRISSSSSS & para todos mis hermanos, manténganse firmes y positivos!
– Cuando vas a venir a Chile o sabes algo del país hahaha (?)
Cuando tu quieras. Todo lo que sé sobre Chile es sobre lo que sucedió con los mineros (por desgracia) y Leonor Varela (que en realidad es una MILF sudamericana) y que ustedes hablan español
– ¿Cual es tu comida favorita?
Doner Kebab & Chips with Chilli Sauce!!

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– Finalmente, tu frase favorita de todos los tiempos. Algo que te represente en pocas palabras o incluso en una sola palabra. 
“I live by a real simple philosophy, if you stay grounded watch God keep giving you reasons not to be” – Joe Budden

YOOOoo

Sigue a JUST CHRIS en Twitter & Soundcloud ;)

A$AP Rocky – Entrevista en Complex Magazine

Hace unos meses, con motivo del último trabajo de A$AP Rocky “AT.LONG.LAST.A$AP” – que puedes escuchar en Spotify o descargar escribiendo un mail a info@causeineedit.com (asunto: Rocky) – la revista digital e impresa Complex se juntó con el “Flacko” para hacer una entrevista y una sesión de fotos que hoy, gracias a la traducción de Amanda Abella, podremos disfrutar en ‘Causeineedit. Sin más dilación, te dejamos con la entrevista completa que Joe La Puma le hizo al líder de A$AP Mob para los meses de abril y mayo en Complex.

A$AP Rocky

El hijo pródigo de Harlem se ha mantenido en la sombra durante el año pasado, haciendo menos ruido mientras se empapaba de nuevos conocimientos. Pero un nuevo A$AP Rocky está preparado para salir a escena. Abróchense los cinturones. El viaje acaba de comenzar.
A$AP Rocky está sentado enfrente de mí, con la mirada perdida mientras juguetea con la cena y repite para sí mismo dos palabras que nunca pensé que diría: “Sin comentarios”.

Para ser sincero, ha sido un día muy largo y todavía está lejos de terminar. Una dura jornada en el estudio, una sesión de fotos, esta entrevista. Sin embargo, esa respuesta sigue siendo toda una sorpresa. Esta es una de las muchas veces durante nuestra conversación en las que Rocky se recuesta sobre la silla y contempla el techo intentando buscar una respuesta. Hoy no es su día.
La franqueza de este veinteañero de Harlem ha quedado muy bien reflejada en estas y otras páginas numerosas veces a lo largo de su joven carrera. Es parte de su carisma. ¿Por qué está siendo tan reservado ahora? ¿Es por algo más allá del cansancio del día?

En los dos años que han pasado desde que lanzara su álbum debut “Long Live A$AP” se ha consagrado como un transgresor dentro del rap, ha sido modelo para Ferragamo y ha hecho sus pinitos en la aclamada película indie Dope. El pasado octubre sacó su primer track después de un año, “Multiply“, muy aclamado por la crítica y en el que se mostraban sus colaboraciones con las marcas Been Trill y Hood By Air. En Nochevieja sacó la bomba “Lord Pretty Flacko Jodye 2“. Fans, clubes, críticos, todos enloquecieron. Todos estaban de acuerdo: el 2015 iba a ser el año de Rocky.
El destino hizo de las suyas y tres semanas después de que comenzara el año falleció repentinamente A$AP Yams, el mejor amigo, compañero de negocios y guía espiritual de Rocky. Siempre estuvo ahí desde el principio, cuando la fama todavía era el objetivo y el plan era hacer historia en la nueva cultura a través de la música, la moda y el arte. Siempre.

kaleido-vn2 Como es comprensible, Rocky titubea cuando sale el tema de Yams. “Con él todo se hacía conjuntamente”, dice bajando la voz un poco. “Las decisiones se tomaban a medias y escuchábamos lo que el otro tenía que decir”.
Yams era conocido no sólo por el papel que jugó en el desarrollo artístico del colectivo A$AP, sino también por su gusto ecléctico para la música, tanto del ayer como del hoy, y por su increíble habilidad para descubrir nuevos artistas. Agudo y sensato, era por mérito propio un verdadero creador de tendencias. Yams tenía un oído especial. Todo el mundo lo sabía. Especialmente Rocky.

Cuando murió Yams circuló por internet una foto de Rocky con las manos juntas en la sala de espera del hospital que, hasta el día de hoy, es probablemente la prueba más conmovedora del dolor sufrido. Había muchos planes para 2015 y, por primera vez, no sólo las cosas no salían como estaban planeadas, si no que el tío que las había ideado no estaba a su lado. No es difícil entender porqué Rocky quiere desviar el tema.
Esa misma noche, después de la sesión de fotos, nos apretujamos en el BMW 550 GT de su mánager. Rocky, en el asiento de atrás, pregunta si hay algo para liar un poco de hierba. Nos dirigimos a Berverly Hills, donde se reunirá con los representantes de una importante marca de vaqueros para una próxima nueva colección.

Comienza a poner cortes de su nuevo álbum, “At.Long.Last.A$AP”, con su móvil. Es evidente que está muy orgulloso de su nuevo trabajo: sonríe mientras lo escuchamos y mueve sus pies, enfundados en unas adidas de Raf Simons. Después de eso, pone “Liar liar”, de los Castaways y “Gila”, de Beach House.

Al llegar a la reunión parece que el suelo del (bonito) apartamento son unos grandes almacenes. Los ejecutivos se limitan a enseñarle diferentes piezas de ropa durante un tiempo. Mientras mastica chicle y examina chaquetas con desteñidos y bomber vaqueras comienza a responder sin pausa:
“Sí”. “No”. “No”. “No me convence”. “Cambia los parches a eso”. “Mueve el logo aquí”. “Simplifícalo”, “Demasiado moderno”. “Necesitamos ser más meticulosos con la de mujer”. “Eso está bien”. “No”.
Todo el mundo mira de manera casi obsesiva a Rocky mientras da las instrucciones, que se acatan como si vinieran de un dios. Esto continúa durante noventa minutos sin descanso.

A$AP RockyDe nuevo en el BMW, mientras nos dirigimos a su casa en Melrose, Rocky señala el edificio Pacific Design Center y comenta bajando la voz ligeramente: “Es por la noche cuando uno se da cuenta de lo bonito que es”.
En la entrada de su casa hay un Range Rover negro, a pesar de que Rocky no conduce. Dentro hay bolsos Goyard esparcidos por todo el salón y en la cocina una televisión con una Super Nintendo. Rocky comienza a hacer Facetime con Chanel Iman, su supuesta exnovia. Después de un rato la conversación continúa en el dormitorio. Rocky regresa 30 minutos más tarde, listo para volver al estudio, con un jersey Margiela, gabardina cámel, vaqueros negros y unas relucientes adidas Stan Smith blancas y verdes.

El viaje hasta Sound Factory es corto. Las paredes están llenas de placas conmemorativas de los Jackson 5, Red Hot Chili Pepper, Brian Wilson y otros. Por la mesa están esparcidas copias vintage de los Rolling Stone. Dentro del estudio el súper productor Danger Mouse charla con Ben Goldwasser, componente de los MGMT, con el que Rocky siempre quiso colaborar. “He oído lo nuevo. Es tremendo”, dice Golwasser mientras le estrecha la mano.

Danger Mouse entra y sale del estudio mientras Rocky escucha temas y navega por WorldStar. En un momento de la noche acaba encontrando una recopilación de Vines que le hace reír a carcajadas; especialmente uno con el que pierde la cabeza, titulado “Thot Walk”. Cuando llega la comida Rocky comienza a responder las preguntas, aunque a regañadientes.

Últimamente has estado un poco apartado de los focos. ¿Ha sido por decisión propia?
Sí. Necesitaba tiempo para pulir mis habilidades. La creatividad necesita tiempo y creo que se necesita tiempo para producir buen arte. No estoy intentando justificarme: es lo que realmente pienso. Me he tomado un descanso y he aprendido a actuar, a hacer ritmos y a producir.

¿Cómo ha cambiado la manera de hacer música?
Nunca he tenido esta libertad al hacer música. Estoy experimentando, escuchando y buscando diferentes sonidos.

¿Te arrepientes de algo en Long Live A$AP?
Sí. Pienso que las canciones más famosas están plagadas de clichés.

sidebar-vn14 Recuerdo que Yams decía que no lo que gustaba “Wild for the Night”. ¿Harás alguna vez una canción parecida?
No hay ninguna necesidad.

¿No? ¿Qué otros fallos crees que tiene el álbum?
Se hizo de manera apresurada.

¿Por culpa de quién?
De mí.

¿Por qué?
Sentía que tenía que demostrar algunas cosas que realmente no importan. Que era capaz de crear hits y conseguir discos de platino.

¿Qué es lo que más ha cambiado en ti desde la última vez que hablamos, hace tres años?
He madurado. Tengo 26 años. Veo la vida de manera diferente [hace una pausa]. Y realmente me importa una mierda.

¿Cómo ha cambiado tu visión de la vida?
Ya no subestimo a la gente. Quizás ya no estén mañana. Cuido de todo el mundo mientras está aquí.

¿Es algo que antes no hacías?
Algunas veces. No era consciente de ello. Me salía solo. Estaba siempre por ahí, inmerso en mi vida.

Una de tus nuevas canciones comienza diciendo «el aburguesamiento está dividiendo la nación en la que crecí». Es una de las cosas más políticamente comprometidas que has escrito. ¿Qué opinas cuando piensas en la situación de América en estos momentos?
Está jodida. No se puede decir otra cosa. Policías asesinando gente, gente asesinando policías. Creo que todo cambiará pronto; que la gente por todo el mundo, con o sin placa, dejará de abusar de su autoridad y que aprenderemos a apreciarnos los unos a los otros. Seguro [sonríe]. Todo lo que se necesita es hierba, un poco de amor, un poco de buen sexo, algo de música del carajo. Hablo de una noche con alguien exótico. Me refiero a una noche con una africana-marroquí medio sueca, con un cuarto de italiana y otro cuarto de francesa. Mmmm. ¡Pero que tenga culo africano! Con piel de caramelo, pero que se pueda decir que también tiene un poco de vainilla. ¿Sabes a lo que me refiero? [Se ríe]

Claro. Así que se puede decir que las mujeres te inspiran.
Me apasionan las mujeres y busco maneras de manifestarlo en mi música. Si no entienden el mensaje haré algo especial para ellas. Lo diré de una manera o de otra. Me gustan las mujeres. Y también las facilonas.

¿Cuál es la diferencia?
La hay.

¿Cuál es?
No digo que una sea peor que la otra, pero las «mujeres» tienen las ideas ordenadas. Las «facilonas» simplemente están ahí, jodidas y sin nada en la cabeza. Zorras. Pero alguien tiene que querer a esas tías.

¿Estás soltero ahora?
Sin comentarios.

Vale, hablemos de una vieja relación: ¿qué opinas de todas las críticas que está recibiendo Iggy Azalea por no ser una rapera «de verdad»?
Está en una posición muy mala porque nadie quiere se le tache de eso. Estoy seguro de que ella tampoco. Creo que trabaja duro, tanto como todos nosotros. Sea tonta o no, a 300 millones de personas le gusta verla en YouTube. ¿Quién coño somos nosotros para decir nada?

¿Crees que todas las críticas son justas?
Son parte del juego. Si fingiera algo la gente la llamaría falsa. Así es la vida. No lo digo desde la posición de «eh, solía tirarme a esa tía», si no desde «es solo una persona». No se puede alardear de lo que no se es. Tienes que ser real al cien por cien. Es todo lo que puedo decir. La pregunta es: ¿no está siendo al cien en algo?

La gente piensa que es producto del marketing.
Estará bien. Hay un punto en el que la gente comienza a aceptar tanta mierda mediocre –típica y sin esfuerzo- que todo comienza a saturarse y se tiene la oportunidad de volver al verdadero arte, a lo puro, lo original. Sin aditivos. En todos los aspectos. Todo cambia y evoluciona.

Hablando de cambios, los ataques a Been Trill y Hood By Air en Multiply tuvieron mucha repercusión. ¿Qué era lo que pretendías?
No fue nada.

A mucha gente le importó.
A nadie le importó.

Sabes que no es verdad.
Ni siquiera creo que valga la pena hablar de ello. Esas marcas no respetan mi mierda. Siento que fui yo el que empezó todo y esa gente ni siquiera reconoce mi mierda. O respeta mi mierda.

¿Cómo no te respetan?
Los responsables de esas marcas no reconocen que haya sido una pieza clave porque no me senté con Shayne y creé el nombre Hood By Air. Cualquier persona que sepa un poco reconoce mi aportación a la marca. Sí, me apunto el tanto. Me gustaba cuando era más joven. Tenía un poco de presencia aquí y allá, pero nadie la había puesto en marcha de verdad. Conozco a Shayne personalmente. No paraba de decirle: “Tío, vamos a darle vida a esta mierda”. Me llevó años, Shayne es muy cabezota. Un año me daba una sudadera, otro me daba una camiseta. Era así. Tengo mucha mierda de ese tiempo, y la dije después de «Peso» -en el videoclip aparecía Hood By Air-. Cuando la canción lo petó, en 2012 o 2013, Shayne estaba listo. Porque yo ya había puesto la primera piedra. Hice que esa mierda molara.

¿Y Been Trill?
Venga ya. No me hagas hablar porque ya lo sabes. La gente quiere que conteste preguntas que ya tienen respuesta. No hay nada de lo que hablar.

A$AP Rocky

A pesar de que Rocky no quiera hay mucho de lo que hablar. Después de navegar un rato más por WorldStar nos pide educadamente que abandonemos el estudio para que pueda trabajar con Danger Mouse. La diferencia entre el Rocky de ahora y de antes es, cuanto menos, contradictoria.
Algo menos de dos semanas más tarde me bajo del ascensor en el ático de su apartamento en el Soho. No encuentro a Rocky por ningún lado en la estancia débilmente iluminada. Después de unos minutos sale de su dormitorio durante breves instantes: “Salgo ahora mismo, tengo el estómago jodido. Ponte cómodo”. Y desaparece de nuevo.
En el salón hay un retrato de Einstein colgado encima de una mesa alargada de madera, en la cual descansa un Mac y un cenicero de Alexander Wang lleno de colillas de porros. Una luz morada cuelga en el largo pasillo que conecta su habitación con el salón. Aparece después de unos minutos, vestido con un albornoz gris y unas zapatillas rojas Visvim. Está más receptivo que aquella noche en el estudio hace dos semanas, pero tampoco hoy va a desnudar su alma.

¿Estás más centrado en tu vida privada últimamente? Ni siquiera fuiste a la Semana de la Moda de Nueva York este año.
No me creo Michel Jackson. Sólo estoy tratando de, no sé, separarme de los medios de comunicación. De los medios en general.

¿Por qué?
Lo de siempre: los medios son muy buenos enredando las cosas y haciendo una montaña de un grano de arena.

Eso es nuevo para ti ¿Qué es lo que ha cambiado?
Quizás he llegado a la conclusión de que ya no quiero hablar con algunos cabrones. ¿Por qué pasamos de azul a rojo de un día para otro? No lo sé. Los cabrones cambian. Hablo cuando quiero. Voy a los sitios cuando quiero. Prefiero ser libre. Y creo que siempre va a haber gente que te perjudique cuando vives esa vida llena de paparazzis, redes sociales, medios de comunicación y fans. No voy a darles la oportunidad de crear ese personaje, porque cuando todo esté dicho y hecho esos cabrones no podrán joderme.

Hablamos de ser artista antes que rapero.
Es diferente, asumámoslo.

¿Te sientes menospreciado cuando la gente te llama «rapero»?
No, porque asumo que es lo que va a pasar. Pero algunos días siento que no hay nada honorable en ser rapero

Hace unas semanas hablamos de no apresurar el arte. ¿Qué hay del álbum? ¿Está listo?
No importa cuánto tiempo tengas: nunca va a ser suficiente. Siempre se dice “Espera, dame dos segundos más. Sólo un par de minutos”. Cuando eres perfeccionista e intentas pulir una pieza de arte realmente buena…

¿Quiénes fueron tus musas en este álbum? ¿Qué te inspiró?
Michèle Lamy, mis relaciones personales, mi status social, Danger Mouse; simplemente mi vida. La actual situación de A$AP. Y las drogas.

¿Qué tipo de drogas?
Las psicodélicas. Antes todo era echar el freno. Prometazina. Codeína. Ahora también es así pero a otro nivel.

¿Sigues tomando drogas?
Las uso para mi propio beneficio. No es algo que quiera joder siempre. Eso es lo bello. Se puede tontear con las psicodélicas, pero no es algo que quiera hacer siempre. No.

Cuando estabas en Los Ángeles escuchabas diferentes tipos de música.
Tío, seré sincero contigo. Cuando murió Yams fue la música psicodélica la que me ayudó. Cosas como 96 Tears, de The Mysterians. Me encantan ese tipo de música. El rock clásico. Como The Doors –esos órganos. Por eso me gusta la estética de Danger Mouse.

Siempre me ha encantado el mantra de la línea de ropa de A$AP Bari, VLONE, «Vive solo, muere solo». ¿Qué significa eso para ti?
Si piensas en el concepto de la vida y la muerte es como, estoy de acuerdo con VLONE, porque se nace solo y se muere solo.

¿Piensas que eso es algo a lo que te enfrentas constantemente?
Sin duda. Especialmente cuando aquellos que amas entran y salen de tu vida.

¿Tienes algún plan para el día que salga el álbum?
Quizás tomar ácido en nombre de A$AP Yams. Quiero honrar su memoria [hace una pausa]. ¡Sabía que necesitabas tu «momento estrella del rock»! [Se ríe].

A$AP Rocky

Rocky me conduce a su dormitorio para escuchar el álbum. El espacio es muy amplio y está decorado en tonos naranja. Hay un tapete gigante con un montón de extravagantes cadenas de oro encima de su cama. Rocky pide perdón por el desorden murmurando. “Debería haber limpiado”. “Tuve visita noche”.
Claramente pasó algo muy interesante la noche anterior. La webcam está dada la vuelta y apunta a la pared. Le preguntó a Rocky por qué está así y me responde que la puso así quien fuera la persona que estuvo con él anoche. ¿No debería ser él, el famoso, el que se preocupara por eso? Murmura, sotto voce, “Ella también era famosa”.

Pone la música, se enciende un porro y me hace señas para que me siente en una de las muchas enormes maletas cofre de Goyard esparcidas por el dormitorio. En una de las canciones colabora Miguel cantando un simple de “In a broken dream”, de Rod Stewart. En otra se incluyen versos de Juicy J, Bun B y algunas líneas que no habían salido a la luz de uno de sus héroes musicales Pimp C. Rocky canta en falsetto en una de las canciones (en su habitación canturrea mientras la escuchamos). “Holy Ghost” es, aparentemente, una aguda crítica a los raperos que son esclavos de su estatua; a pesar de que a Rocky le interesa más cómo todo está relacionado con conflictos espirituales. Explica que “no quería que la canción se confundiera con un sermón religioso” y rapea algunas líneas una vez que ya ha acabado la canción:
«Quién es más importante que tu señor y salvador / las puertas del cielo no se abrirán probablemente por tu mal comportamiento / Este loco tiene un par de consejos que te salvarán / Puedes tomarlo como el único favor que te haga / Agradécemelo luego.»

Todos los raperos se jactan de que sus nuevos trabajos son diferentes, de cómo han evolucionado respecto al sonido y a lo personal. Rocky también intenta que nos guste lo que hace pero esta vez deja verdadera huella: no hay nada en todo el álbum que se asemeje a lo que el público ya haya oído. Está muy claro que el gusto de Rocky por la psicodelia no es fingido. Es un trabajo para disfrutarlo tranquilamente entre humo durante la madrugada. Dista mucho de lo que conocemos de Rocky, o de lo que conocíamos.
Hubo un momento en Los Ángeles, en el estudio, el en que intenté preguntarle a Rocky por Yams. Como otras muchas veces esa noche, respondió rápidamente: “Puedes preguntarme por Yams pero no quiero hablar de ello”. Bajó la mirada y dijo: “Ya lo he dicho, no quiero hablar de ello”. Merecía la pena intentarlo otra vez, una última pregunta sobre cómo ha reflejado la muerte de uno de sus mejores amigos en su trabajo y si algo ha cambiado dentro de él. Esta vez su respuesta es:
“No me hace querer trabajar más duro: me hace saber que tengo que ir más allá. No tengo otra opción. Tengo que hacerlo”.

Traducción: Amanda Abella.

Evolution of visible air (Pt.2)

En ‘Causeineedit seguimos con la celebración de la zapatilla que cambió el calzado deportivo para siempre; desde 1987 que la firma norteamericana está trabajando en la tecnología de las Air Max y, a día de hoy, la cámara de aire (Air Sole) continúa evolucionando gracias al trabajo, entre otros, de David Forland (Director del Departamento de Innovaciones en Amortiguación de Nike).

Hoy tenemos una entrevista, gracias a Nike y a la traducción de Amanda Abella Rodríguez, al máximo responsable de la tecnología Nike Air que nos permitirá entender un poco más de lo que hay detrás de esta joya que se prepara para su 28 cumpleaños (26.03 #AIRMAXDAY).

¿Cómo entraste a formar parte en el equipo Air Max?
Me contrataron justamente cuando se comenzaron a desarrollar las cámaras de aire. No llevó mucho tiempo darse cuenta de que la compañía estaba realmente interesada en presentar al consumidor la Tecnología Nike Air.

¿Cómo fue trabajar en el proyecto los primeros años?
Los dos primeros años tuvimos que trabajar muy duro. Nos dedicamos a investigar, desarrollar e inventar lo que fueron las Air Max desde el 85 hasta que, por fin, lanzamos al mercado las Air Max 1 en 1987. Después de ese tiempo todos los esbozos tomaron forma en una sola idea. Fue como cuando a un personaje de dibujos animados se le ilumina la bombilla encima de su cabeza.

¿Cuál fue tu «momento Eureka» en el desarrollo de las Air Max?
Por aquel entonces teníamos que hacer a mano todos los prototipos de las cápsulas de aire. Mientras que estaba soldando uno de ellos, otro diseñador entró en el laboratorio y me sugirió modificar la suela de las zapatillas para que las costuras estuvieran situadas en la parte superior y la inferior en lugar de en el perímetro. En ese preciso instante se me iluminó la bombilla y me dije a mí mismo: «Sí, podría hacer eso». Así que inmediatamente me puse a construir un nuevo prototipo, para el cual tuve que crear un mecanismo que me permitiera manejar el plástico de la cámara de aire, de modo que pudiera hacer las uniones necesarias. Lo que habíamos creado era la primera cámara de aire, con los laterales lisos a ambos lados: el primer arquetipo de los que se convertiría en la tecnología Air Max.

¿Por qué colocar las costuras en la parte superior del cuerpo de la zapatilla fue un descubrimiento crucial?
Ese cambio nos permitió no colocar las costuras en los laterales de la suela, lo que le dio una apariencia más limpia. Una vez solucionado ese problema, lo único que necesitábamos era averiguar cómo moldear la goma para que la cámara de aire no quedara bloqueada.

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Eso explica la parte visible de la historia, ¿qué tiene que ver el «Max»?
Antes de que las cámaras de aire se pudieran apreciar se intentaba que fueran cada vez más finas para hacer más sencillo el proceso de fabricación, como por ejemplo en las Air Tailwind. Nuestro objetivo era inyectar más aire en la suela para conseguir una mayor sensación de amortiguación al caminar. Fue durante ese duro proceso cuando comenzamos a llamar «el máximo aire» o «Max Air».

¿Cuánta presión existe dentro de una cámara Max Air?
Hay una presión de entre 15 y 20 psi en la mayoría de las cámaras Air-Sole, Max Air y Nike Air convencionales. Como ya dije antes, la diferencia está en el volumen y no en la presión. «Max» se refiere a la máxima cantidad de aire que se puede poner bajo los pies. Si se echa un vistazo a la historia de las Air Max, especialmente del 87 al 93, se aprecia una gran diferencia entre modelos: cada nuevo modelo tenía un mayor volumen de aire que los anteriores y, como consecuencia, menor cantidad de goma. La goma termina rompiéndose, el aire no. Para nosotros la tecnología Max Air proporciona la mayor amortiguación a los impactos o, en otras palabras, la máxima cantidad de aire posible.
La tecnología Max Air comenzó siendo visible únicamente en el talón. A medida que el negocio fue progresando se pudo apreciar el aire también en el antepié.

¿Puedes hablarnos del recorrido hasta llegar a las cámaras totalmente visibles?
Nuestro mayor objetivo era incluir cada vez más aire. Los modelos Air Max 1 y Air Max 90 contaban con cámaras en el antepié, pero estaban completamente integradas en la suela y no había ningún modo de hacer que se vieran con las técnicas que usábamos por aquel entonces. Sólo conseguimos cámaras de aire por toda la suela cuando desarrollamos la tecnología de moldeo por soplado, usada por primera vez en las Air Max 93.

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¿Qué es «moldeo por soplado»?
Es un proceso que nos dio la posibilidad de crear unidades de aire tridimensionales que tuvieran su propia forma. Antes era la propia presión la que determinaba, las cámaras se inflaban como globos. Sin embargo, con este nuevo método únicamente añadía la amortiguación a la cámara. Esto nos permitió crear las formas necesarias para que se ajustaran al diseño del calzado. Las primeras zapatillas en las que se usó fueron las Air Max 95, a pesar de que sus dos cámaras estuvieran separadas. Una vez llegados a ese punto, el siguiente paso era crear una unidad sin interrupciones.

¿Qué hay de las Air Max 180? Poseen una cámara de aire única, ¿cómo entró en el juego?
Las Air Max 180 fue uno de los modelos más difíciles de crear. Se crearon con la misma tecnología de tubos usada en las Air Max 1 pero, al igual que con las 90 y 93, lo que se buscaba era agrandar la unidad de aire. La idea era eliminar completamente la goma de debajo de la cámara para unirla directamente con la suela. Decirlo fue mucho más sencillo que hacerlo. Manipular la forma de la cámara de aire y de la suela para hacer que coincidieran completamente fue un reto técnico muy complicado. Y como si esto fuera poco, también teníamos que averiguar cómo acomodar la goma alrededor de la ventana para que la cámara fuera visible en un ángulo de 180 grados.

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¿Cuándo conseguisteis agrandar al fin el tamaño de las cámaras?
No lo logramos hasta 1997. En ese período de dos años descubrimos cómo crear una unidad ininterrumpida desde el talón hasta el antepié. Tuvimos que idear una manera de moldear el plástico fundido usado en las cámaras de aire para crear una estructura tridimensional lo suficientemente grande. Se necesitó muchísimo desarrollo en la fabricación. Obviamente, también el diseño jugó un papel muy importante. Todavía necesitábamos resolver el problema de cómo inyectar la presión, asique creamos prototipos con dos y tres núcleos de presión para averiguar cuál proporcionaría el mejor rendimiento. En pocas palabras, no fue un trabajo fácil.

Las Air Max no se estancaron ahí, ¿cuál fue la siguiente incorporación a la legendaria familia?
Una vez conseguido nuestro objetivo de una unidad de aire completa la compañía se comenzó a centrar en el tema de la amortiguación. Al mismo tiempo, se empezó a investigar y desarrollar las Nike Shox. Desde el 1998 hasta casi el 2006 tuvimos la oportunidad de divertirnos experimentando con las cámaras de aire. Fue entonces cuando producimos algunas reinvenciones tecnológicas muy interesantes como la Tuned Air o la Tubular Air. Ésta última, presente en las Air Max 2002, experimentaba con la forma y el número de cámaras para mejorar la sensación al caminar mientras que la primera compaginaba mecanismos especiales con amortiguación mediante aire. Imagina una combinación entre las Nike Shox y las Nike Air. Se consigue al añadir semiesferas mecánicas en la mitad de la cámara de aire, incrementando de ese modo la estabilidad de la zapatilla. Cada semiesfera fue diseñada con un espesor diferente para percibir la rapidez con la que se presiona determinada área en la suela. Así nacieron las Air Max 360.

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El lanzamiento de las Air Max 360 fue un gran acontecimiento. ¿Qué las hacía tan especiales?
El objetivo de esas zapatillas era eliminar por completo la goma en su composición. Como ya he dicho, la goma se rompe con el paso del tiempo pero el aire nunca pierde sus propiedades. Además, cuanta menos goma más aire se puede acomodar bajo los pies, uno de nuestros objetivos originales. Ya conocíamos muy bien todas las ventajas en el rendimiento de las Nike Air, pues habíamos hecho tantas pruebas durante los años anteriores que sabíamos que iban a ofrecer una buena protección contra los impactos, una plataforma estable y una durabilidad sin igual. Andar sobre el aire, ésa era la sensación que queríamos conseguir. En lugar de goma, en las 360 lo que nos encontramos en la suela es una gran cámara de aire. De hecho este modelo era la única zapatilla Air Max que contaba con esa estructura, usada normalmente en deportivas. Esa plataforma proporcionaba estabilidad, lo que nos permitió crear la primera zapatilla Air Max sin goma.

¿Qué se siente al saber que has sido y eres parte del equipo que revolucionó el mundo de las zapatillas?
Es muy emocionante. Recuerdo cuando moldeamos mediante soplado la primera cámara de aire, trabajamos muy duro en ello y realmente no sabíamos si a la gente le iba a gustar. Recuerdo estar en un aeropuerto en la época en la que habíamos lanzado la primera zapatilla Air Max. Estaba llamando a un técnico del laboratorio cuando alguien pasó llevando un par. Recuerdo haberme quedado mirando fijamente desde la cabina de teléfono y decir: «Alguien las ha comprado, las veo moverse de arriba abajo». Pasó antes de que aparecieran los teléfonos móviles, hace mucho tiempo ya. Justo el otro día fui a una convención sobre las Jordan 30 y el tío que estaba dando el discurso dice: «Bien, piensen en esto: hemos estado haciendo Jordan durante 30 años. Piense en lo que estaba haciendo usted hace 30 años». Hubo un breve silencio y dije «Trabajando en las Jordan 1».

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Traducido por: Amanda Abella Rodríguez

Entrevista: Rocío Aguirre

Hace un tiempo que pensaba hacer una entrevista a Rocío Aguirre. Siempre que veía su fotografía, tenía preguntas rondando mi cabeza.
Todo partió cuando vi la editorial “Jamel te amo”; en ese momento tuve la foto de la mujer con su bebé y pensaba que era de algún fotógrafo extranjero pero no, era de una chica chilena. Después vi on-line “Academia” y “Banana”, hace unos años atrás. Con el tiempo conocí a la fotógrafa y me regaló la editorial “Gato de la Suerte”, en el año 2012 y pude saber un poco más de ella en lo personal, pero nunca pude preguntarle todo lo que quería. Ahora es el momento para poder hacerlo con más calma y mostrarlo por ‘Causeineedit.
Rocío es bastante conocida profesionalmente y eso ha hecho que sea una de las fotógrafas nóveles con más proyección y más reclamadas en el circuito de la moda chilena

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¿Dónde te sientes más cómoda para hacer fotografía, en la calle o en un estudio? ¿Piensas que la calle tiene más potencia visual?
Es difícil, me gusta mas hacer fotos en locación, no necesariamente la calle. Me inspira no tener el control absoluto de la iluminación o la comodidad de un estudio y eso puede darse en la calle o una casa o una locación x fuera del estudio. Por otro lado hacer fotos de estudio es mucho más técnico, hay menos cosas en que fijarse y eso lo hace mas rutinario y a veces menos atractivo.

¿Cómo se consigue ese sello personal que has adquirido en tu fotografía de estudio?
Siempre me cuestiono si es que lo tengo o no. En general ese tipo de “sello” lo descubre el espectador pero intento no hacer cosas muy forzadas, no tan posado en general, que la modelo se vea cómoda y no en una contorsión de su cuerpo.

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¿Qué piensas de todas las editoriales ligadas al streetwear, tan de moda?
En general me encantan, sobre todo cuando la mayoría está hecha en NY o Londres, por ejemplo, que lo hace súper local y creíble.
Cuando se hacen en Chile, es más complicado (para mi también) partiendo porque la ropa que se “re-hace” en Chile casi nunca es de buena calidad, entonces hay que hacer que se vea bien a la fuerza… y como en Chile no hay presupuesto para el street, o a las marcas independientes no les gusta meter plata a este aspecto, los modelos siempre son amigos y eso también lo hace de una calidad inferior.

¿Qué tipo de fotografía te gustaría trabajar y qué aún no has podido hacer?
Mi sueño es terminar haciendo dirección de foto en cine. Me lo tomo con calma porque es algo que quiero para toda la vida, pero en realidad me encanta y me fijo mucho en eso cada vez que veo una serie o película.

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¿Puedes recomendarnos algún fotógrafo chileno en el que te inspires o que admires su trabajo?
Álvaro Puentes. Aunque lo considere amigo mío, es una de las pocas personas chilenas que me inspira y que cada vez que muestra un nuevo trabajo quedo sorprendida por lo bueno.

¿Con qué herramientas trabajas habitualmente?
En realidad súper poco. Partí con mi cámara y unos rollos baratos. Ahora invierto un poco más, tengo una cámara digital, con la que se me hace más barato trabajar y uso un solo tipo de lente, a veces arriendo un par dependiendo de la foto. Pero en general, siempre uso lo más clásico: un 50 mm, sin trípode, ojalá sin luz artificial, y si uso en locación, la reboto para que parezca luz natural. Luego arreglo cosas básicas en Photoshop, como que la piel se vea mas sana, las luces queden como yo quiero y listo!

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Sabemos que eres vegetariana ¿Nunca has pensado hacer una editorial relacionado con tu estilo de vida?
Creo que ya no me describo vegetariana. Hace un año volví a comer pescado, después de 9 años sin comer, y creo que ya no tengo tan clara mi convicción. En realidad no trato de mostrarme a mi misma cuando hago fotos, trato de mostrar cosas que me gustan, cosas que desearía que existieran en Chile. Pero no me gusta usar la foto como protesta, creo que si así fuera, sería periodista.

¿Cual es la música que te mueve la sangre y le sacarías una foto a una escena puntual para demostrar el estilo musical que mas te gusta?
Me encanta la música que dan ganas de bailar, reggeaton, r&b, bachata, hip hop. Creo que si tuviera que sacar una foto específica, haría a una pareja “perreando” o una fiesta llena de gente.

¿Crees que la fotografía analógica pueda ser parte de la publicidad actualmente? ¿Conoces algunas campañas en las que se siga trabajando de manera tradicional?
Creo que no, es muy caro y ya no existe ese presupuesto para ese ítem. Además los clientes y agencias de publicidad están acostumbrados a la rapidez. Imaginate que si yo no disparo las fotos a un computador directamente para que vean lo que voy haciendo, se desesperan. La publicidad ya no es para ayer, como siempre te dicen los mismos publicistas, es para un mes atrás. Creo que a veces algunas marcas se aventuran a hacer algunas campañas en esta onda, pero no se si es tan real.

¿Alguna anécdota importante que te hizo cambiar de parecer en alguna producción de moda o algún proyecto personal?
Si te refieres a cambiar mi parecer de dedicarme a esto, no, creo que siempre lo tomo como un desafío, y aunque a veces he tenido que encerrarme en un baño a llorar
del estrés de alguna foto o publicidad, lo tomo con fuerza y sigo adelante hasta el final. Es lo entretenido de no tener monotonía laboral.

Queremos agradecer a Rocío, por hacerse un rato en su apretada agenda de trabajo y que haya querido participar en una nueva entrevista de ‘Causeineedit para este 2015.
Gracias a nuestra compañera Amanda Abella, puedes disfrutar de la entrevista en inglés, haciendo clic aquí.

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Ferocius (entrevista)

Después de haber visto una exposición del ilustrador/artista chileno, tuve la suerte de poder hacer una entrevista al ilustrador chileno Ferocius gracias a la gentileza de su hija, fotógrafa chilena, Rachel Harrison.

Cómo era el Ferocius de los inicios?
Era un muchacho chileno en un país centroamericano con 46 dólares en el bolsillo que tenía que ganarse el sustento con la artesanía en cobre.

¿Por qué se decidió por la ilustración y, en particular, por el cómic erótico y porno?
Bueno, lo del erotismo fue por etapas, yo, en mis inicios fui un ilustrador publicitario. Me formé profesionalmente en Costa Rica, en una agencia Suiza. Primero empecé como fotógrafo publicitario gracias a mi experiencia en cámaras de gran formato. Al jefe le gustó como dibujaba cuando me tocó reemplazar al ilustrador titular de la empresa y me pasaron al departamento creativo. Ahí empezó mi carrera como ilustrador, pero de erotismo… ¡nada! Una agencia que llevaba una cuenta de multitienda (una especie de Falabella o el Corte Inglés de Costa Rica) me contrató como director de arte e ilustrador. Ahí empezó mi faceta de dibujante de figura humana e ingresé en el campo del dibujo de moda y confecciones. Me hice conocido por mis anuncios de página completa que aparecían en los periódicos todos los días del año. La tienda pidió dibujo de mujeres más sensuales para vender jeans. En ese momento empezó el pecado. Había que tentar, había que provocar. Con esa medida aumentaron las ventas de jeans de un modo alarmante… Hasta que apareció el Arzobispo de Costa Rica y hubo que regresar al recato.

Después regresé a Chile donde me contrató Lintas Worldwide que llevaba la cuenta de Falabella y continuar con la temática. Aquello fue el año 1980. 10 años más tarde quedé cesante (en paro) y comprendí que ya no había cabida en las agencias para un ilustrador clásico del campo publicitario. Fue una época difícil, tenía que ganarme la vida y mis hijos estaban muy pequeños. Era la etapa del arte digital, que había llegado. Una agencia de Costa Rica me ofreció cabida en sus talleres pero yo no quería volver a ser extranjero. Conseguí trabajo en una agencia-editorial para mantenerme. Entretanto logré publicar “Uy, Colegiala!” y “Flor Tabú” en la Revista Bandido. En ese momento, a través de Prochile y del editor Antonio Arroyo, logré introducir mi trabajo comiquero en Europa.

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¿Tuviste algún tipo de formación inicial? o es talento innato lo que hay detrás de su trabajo?
A los 14 años me compré “La enciclopedia del conocimiento Sexual” de Costler y Willy. La leía con avidez, después leí a Magnus Hirschfeld, a Avellock Ellis, a Wilhelm Stekel, jajaja. No era frecuente que un muchacho tan joven estudiara esos textos de sexología. Ese era mi tema favorito, era como leer “pornografía seria” en una época en que los padres se sonrojaban ante sus hijos con la sola pronunciación de la palabra “sexo”. Claro que algunas pololas colaboraron conmigo en la práctica de esos conocimientos.

¿Cuáles fueron las referencias que, en sus inicios, le marcaron para empezar a desarrollar su obra?
Para el dibujo y la línea lo fueron John Prentice y John Spranger. Para el color, el volumen y la composición lo fue Robert Fawcett..

¿Qué le parece que hasta hace dos años aproximadamente no haya podido exhibir sus obras en Chile?
Siempre he sido un poco reacio a exponer en Chile aunque mi obra fue expuesta numerosas veces en Europa sin que nadie haya hecho jamás un escándalo. Mi hija me convenció. También ha influido mucho mi ingreso a Facebook.

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Gracias a la difusión de su trabajo, por parte de su hija, ahora está llegando a un público más joven. ¿Cuál es su opinión sobre que estas nuevas generaciones conozcan parte de su obra?
Siento un poco de aprensión, porque es muy fácil que te cataloguen de sinvergüenza.Creo que incluso mucha juventud chilena es aún muy conservadora.

¿Cómo ha podido llevar esta vida de ilustrador internacional con una sociedad tan conservadora y prejuiciosa como es la chilena? ¿Por qué eligió Chile para vivir si su trabajo estuvo ligado siempre a otros países?
No tuve problemas porque no he publicado erotismo duro en Chile. Elegí Chile porque no me gusta ser extranjero. Ser extranjero es vivir “por favor” en otro país.

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¿Algún consejo para las nuevas generaciones de ilustradores que están naciendo ahora?
Hay que tratar de sentir siempre una auténtica pasión por lo que se hace. Crear toda una cultura profesional específica relacionada con los maestros preferenciales, conocer sus biografías, sus anécdotas, sus pequeños detalles. Estudiar a estos maestros con lupa. De todos estos maestros nacerá, de todos modos un estilo completamente independiente y novedoso. Además hay que pensar que lo único que importa en la realización de una obra es el resultado final y no el procedimiento para llegar a ella.

Esperamos seguir disfrutando de este ilustrador/artista oculto de Santiago (Chile) que ahora empieza a relacionarse con sus fans gracias a las redes sociales, para todo tipo de publico y esperemos que algún día tenga algún reconocimiento por la perspicacia de realizar acciones sexuales tan naturales, realistas y ciertas. Este es un ejemplo claro de un trabajo fluido, duro y constante.

Te recordamos que la exposición de Ferocius en la Tactile Gallery de la capital chilena estará disponible hasta el 2 de enero del 2015. Mas información,acá

Mykki Blanco en Santiago de Chile (entrevista)

El 11 de diciembre Mykki Blanco se presentó en vivo en un local de la capital chilena. Aunque las condiciones para el artista no eran las óptimas y los teloneros no fueron los más apropiados para el estilo del músico, Blanco con su entusiasmo y profesionalismo, pudo alentar al público y sortear algunos problemas técnicos, deleitando de todas formas a la gente que lo estaba esperando con ansias. Por cortesía de la producción, logramos realizar esta mini-entrevista, con la ayuda en la traducción de Yael Zigal, fundadora de Zigal Bakery.

En Chile estamos acostumbrados a recibir visitas de artistas de hip hop ligados al revival o de corte clásico. Tu música está más bien ligada al espíritu del punk y la electrónica, ¿estás de acuerdo?
Sí, estoy de acuerdo, lo único que hace mi música rap es el hecho que rapeo, pero muchas veces rapeo sobre punk industrial o beats de electrónica. Entonces pienso que mi música es definitivamente hip hop, pero pienso que mi música está abierta a la experimentación, es una combinación entre electrónica y punk.

Generalmente los medios relacionan tu música a géneros como queer rap y acid rap. ¿Por qué?
Yo pienso que los periodistas con el tiempo se han puesto más inteligentes, porque para ser honesto, yo creo que mucha gente que cree esto son gente blanca muy correcta. Porque las personas con un punto de vista más elevado culturalmente son capaces de escribir sobre hip hop en general. Al decir queer rap lo hacen fácil para que cualquier persona lo entienda y mucha gente hizo esto desde hace dos años.
Muchos periodistas dijeron esto en un principio, pero después se fue corrigiendo con el tiempo porque el término era despectivo, homofóbico. Claro que estas personas solo nos tildan como gay y mi conclusión es que es mal periodismo. Me refiero a la gente que muestra que no eres un buen artista . También pienso que esa palabra facilita a la gente que nunca ha escuchado este tipo de música, pero al mismo tiempo crea prejuicios por relacionarlo al mundo gay.

¿Te influyó en algo tu aparición en el documental “Spit gold under an empire”? Fue la primera vez que nosotros supimos de ti.
Honestamente no recuerdo lo que dije en el documental, creo que la película es super cool, pero solo la vi una vez, no acostumbro a verme varias veces en los medios.

¿Qué te genera el GHE20G0TH1K? ¿Te sientes parte de eso? Sabemos que Venus es la pionera en ese estilo.
Creo que es increíble porque es una fiesta que comenzó por una mujer latina. Esta fiesta se hizo famosa mundialmente y es ahí donde yo empecé, es importante para mí porque si no hubiese existido en NYC, no abría encontrado esta comunidad y personas que me apoyaran con mi música tan fácilmente. El primer show de Mykki Blanco fue en una fiesta GHE20G0TH1K.

¿Con quién tienes pensado trabajar en un futuro cercano?
Debo decir que soy un artista solitario en ese sentido. Voy empezar a trabajar en mi disco debut el próximo año. Es difícil de responder porque hasta ahora todo lo que hecho es trabajar con diferente productores y músicos, pero no he trabajado con otro artistas.
Mi álbum va ser una combinación de lo que mejor me ha resultado: una mezcla de techno, dance muy club, banger hip hop y canciones punk. Mi desafío va ser que suene fluído desde principio a fin.

¿Cómo te relaciona con los raperos de esta generación de NYC?
Para ser honesto siempre estoy en tour así que esto no aplica mucho para mí. Formé mi carrera para ser un artista internacional. Cuando comencé mucha gente no me quería dar la oportunidad, mucha gente no me quería dar nada. Yo he tenido que hacer todo solo con mi manager y con tres diferente agentes que me mueven por el mundo. Si tú quieres ser exitoso hoy en día sin ser mainstream, es necesario ser un artista internacional. Por lo mismo no intenté ser muy popular en los Estados Unidos, porque no iba a lograr mucho, es como existir en una pequeña burbuja, mientras que hoy en día con un lanzamiento grande viajo 9 meses.

¿Cuáles son los sonidos de rap contemporaneo que te parecen interesantes?
Creo que de los chicos mas cool que hacen música, Rae Sremmurd, tiene 15 años o 17 y están haciendo la música más fresca de ahora. Me gusta también Spooky Black, está haciendo música muy cool, muy buena. No me importa lo que todo el mundo piense, pero yo creo que Nicky Minaj es una de las mejores raperas que ha existido. Future también lo encuentro muy bueno. Nicky Minaj y Future son grandes estrellas y hay un motivo: son muy talentosos.

¿Cuál es tu relación con el pop?
Quiero ser mejor en el género, para ser honesto me consideran rapero, artista de performance o dragqueen, pero para mí soy un artista conceptual que trabaja como entretenedor. Realmente yo no hago temas para hacerlos populares, yo quiero que sean buenos, entretenidos y cool. Pero algo que quiero lograr en mi discos es crear canciones, aún que sea 3 o 4, que sean más pop, porque yo creo que es hermoso alcanzar a mucha gente. He tenido dos canciones que han sido muy populares, una es “Wavvy” y “Haze.boogie.life”. Mucha ha celebrado esas canciones.
Nunca es malo ser un poquito trendy porque quiere decir que eres parte de lo que esta sucediendo, que no respigan tu nariz sobre el resto y miran a los demás hacia abajo. Creo que los artistas que son longevos son personas que siempre hacen lo suyo, sin perder su esencia pero adaptándose a las tendencias del momento. Mi sueño es poder lanzar un tema en el idioma de cada país que visito, tener un tema en español que se lance en países latinos, otro en francés, especiales para Francia, etc.

En conclusión, con las respuestas que Mykki nos dio, podemos entender que no tiene relación con el ambiente rapero ya que él pretende estar por encima de estereotipos y etiquetas; quiere ser un artista completo, con un producto de calidad y donde pueda entretener a su público alrededor de todo el mundo.

A continuación puedes escuchar la entrevista original.

LIZZ – IMPERIO (Q&A)

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Ya os habíamos hablado de “La Fiesta del Videoclip” organizado por Galaxia Up que hoy en la noche (Chile) tendrá lugar en Casa Nómade a partir de las 23:00hrs. (para más información visita el enlace aquí)
Durante la fiesta de encuentro se lanzará el nuevo vídeo que la dj y productora chilena, LIZZ tiene preparado de su inminente EP “Imperio”. Después del “Intro-Imperio”, que presentamos en Causeineedit en el mes de agosto y puedes ver aquí, LIZZ aprovecha el evento de esta noche para lanzar en exclusiva su segundo vídeo y primer single oficial del EP.

Aprovechando el lanzamiento, quise hacerle unas preguntas para saber más acerca del nuevo videoclip. Accedió con toda la buena onda del mundo e incluso envió unas imágenes en exclusiva del making off del rodaje de “Imperio”.

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Causeineedit.– Tu nuevo vídeo es una continuación del “IMPERIO-Intro” que vimos en agosto?

LIZZ.– El video que realizamos ahora, el cual trae consigo el single “IMPERIO”, es precisamente la continuación de lo que fue “Imperio-Intro”. Básicamente, el primer video fue una especie de apertura al universo de ficción que, con el equipo de producción decidimos trabajar, siendo este segundo video la primera parte de la historia que se irá desarrollando junto con los otros temas. El EP, próximo a salir, contiene 5 canciones: una de intro + 4 canciones y esta es la primera.

C.– ¿Para este segundo vídeo, y primer single, has contado de nuevo con la dirección de Víctor Almendra? ¿Contarás con él para el resto de los vídeos?

L.– En esta ocasión, considerando que todo lo que hemos hecho es gracias a este gran grupo de amigos que tengo, Victor Almendra es uno de los personajes importantes del video. Por ende, Güey Jhonson tomo la dirección del video junto con la asistencia de Leo Silva, manteniéndome yo como productora.
En cuanto al resto de los videos no pretendo dejar un director como fijo, ya que la historia que quiero desarrollar es una y se puede llevar a cabo de mejor o igual forma con cualquier otro director o equipo que quiera participar La creatividad y el arte de este universo de ficción se creó a partir de mis aspiraciones y de las de Constanza García -junto con las de mis amigos- lo que permitió poder establecer un concepto y una línea clara a seguir. Entonces, probablemente, quien haga el video sea algo que pueda cambiar, pero los personajes y la idea se mantendrían por sobre todas maneras, rescatando el concepto que fue creado en gran parte por Constanza García y yo, además del apoyo y las ideas fijas de Victor Almendra, Güey Jhonson, Alonso Catalán y de todos quienes me han ayudado a hacer esto posible. Realmente me pone feliz estar rodeada de gente talentosa y, sin duda, estoy abierta a realizar los próximos videos con otros directores o productoras audiovisuales que tengan alguna propuesta, siempre cuando se pueda guiar el concepto a la estética que buscamos.

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C.– Hablanos un poco de qué es lo que vamos a ver en este nuevo video. En el anterior pudimos verte al frente de una peligrosa mafia… ¿Ha cambiado tu papel para este nuevo audiovisual?

L.– En este video, entendido como la primera parte de la historia luego de la introducción a este mundo de ficción en “Intro – Imperio”, salgo interpretando a LIZZ bajo el mismo rol, en donde básicamente representa a la jefa de una poderosa mafia que lucha constantemente con otras mafias pertenecientes a otras realidades, submundos e imperios. Estamos hablando de una historia contextualizada en una realidad futurista de poder, decadencia y erotismo, inspirada principalmente en la ilusión de una era corrupta llena de violencia y existencialismo. En esta ocasión se inserta al espectador en un día cotidiano dentro de los dominios del imperio de LIZZ, el cual se ve amenazado nuevamente por su enemigo. Sin embargo, podemos ver una escena mucho más fiestera y con una estética propia de un stripclub, acompañada de bailarinas y mucha gente pasando un buen rato. Además, aquí es donde se da a entender que la disputa por el poder no termina acá, dejando una batalla pendiente entre LIZZ y su antagonista. Básicamente aquí nadie es malo, puesto que todos lo somos.. sólo que algunos son más malos que otros y este es el caso de lo que sucede en el imperio.

C.– Por último: por qué son tan importantes para ti los videos? Veremos un complemento para las instrumentales del EP o serán piezas visuales que hablen en distinto idioma al musical?

L.– Creo que más que importante lo hace más divertido e interesante. Además, creo que si quieres transmitir un mensaje, concepto o estética clara en un proyecto musical, es buena idea apoyarlo con una producción fílmica creativa. Al mismo tiempo, hacerlo fue un gran trabajo que conllevó a un súper mega esfuerzo, pero fuera de eso, fue más entretenido que tedioso. El simple hecho de poder concretar la idea fue algo muy rico y el mismo equipo de trabajó se impresionó de lo que pudimos llegar hacer. En este video participaron aproximadamente 30 extras, entre los cuales están mis grandes amigos, el productor y las chicas hot de Hopeful Suicide Girls Chile, entre otros. Realmente no hubiésemos podido hacerlo sin la ayuda de todos, así que aprovecho de darle las gracias a Pau Peña de MAC Cosmetics, a Leonidas Hairdresser que siempre me apañan en todo, Aline Kipper por haber prestado el spot del Lucas Bar, Cris Cerdeira el fotógrafo, Manuela Ugarte de Estudio Fe, Fernanda Ivanna, Ignacio Bahamondes (Body Painting) a TOPSHOP Chile, Nostalgic, Peppermint Chile y sobre todo al gran equipo de trabajo compuesto por Constanza García (concepto + styling), Güey Jhonson (director) y Leo Silva (asistente de dirección)

Finalmente, no queda más decir que hoy se estrena el video y quienes quieran venir a celebrar ya saben, los esperamos hoy junto a los chicos de galaxiaup.com en “La Fiesta del Video Clip”. Se viene muchas sorpresas a futuro, quién sabe, ya veremos – STAY AWAKE x0x0

WILDCAT (A+) – Entrevista

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© Nig’s Pro.

Hace unos meses conocí el trabajo de Wildcat gracias a la reseña que el amigo Young Nast lanzó, en su posts en Joiamagazine, sobre el último trabajo que el joven productor santiaguino había lanzado en aquel momento, “Pussy Money Beats”.

Wildcat forma parte de la nueva escuela chilena del Hip Hop y la música electrónica, ya que lleva aportando material instrumental hace muchos años a los máximos exponentes del “nuevo rap” en Chile y ha participado en varios eventos de música electrónica tocando en vivo, sin dejar atrás sus participaciones en los Beatminds… con tan solo 22 años. Cuando escuché el “Pussy Money Beats” quería saber quien era este chaval y, hace unas semanas atrás, nos juntamos en el barrio Bellavista (Santiago, Chile) para tomar unas cervezas y compartir.

“…no me ha gustado el cambio de Kanye. No entiendo porque se ha ido de Nike a adidas. Jamás va a lanzar con adidas otras Yeezy…” empezábamos con un litro de Heineken y abríamos la mesa charlando sobre las zapatillas y las tendencias. Obviamente, Kanye tenía que salir a la palestra. El cambio de marca no ha dejado a nadie indiferente y a nuestro protagonista le parece pésimo el cambio de firma de Yeezus. “De adidas me gusta mucho Jeremy Scott. Todo lo que ha hecho me encanta. Pero no creo que Kanye West vaya a hacer nada importante ahí.”

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© Nig’s Pro.

Empezó con ocho años a escuchar rap gracias a su “hermanastro” y al programa que Dj Dacel tenía en la Rock&Pop: “…cuando los mayores se iban a ‘carretear’ yo les sacaba los cd’s y ahí empecé a escuchar a la gente de Def Jam, Arsenik, Shurik n’, Dave Bee… me acuerdo que el Dacel tenía un programa que se llamaba ‘Signos Vitales’ y lo grababa en cintas de cassette… en esa época vino Frank T a Santiago y grabé el concierto desde la radio. Esto era como en el 2001.”

Llegó en un momento preciso y desde muy pequeño se empezó a encantar del rap de la época. Me contaba que hasta en la radio de su colegio sonaba “Still D.R.E” cuando estaban en el recreo. “Teníamos a un “dealer” que nos grababa música, porque él tenía internet, y ahí compré mis primeros discos. “Doggystyle” y “Enter the Wu-Tang. 36 Chambers” de Wu-Tang Clan…” tenía 10 años y le habían llegado a sus manos dos de los mejores discos de rap de la historia.

Muchas buenas influencias, yendo de costa a costa del rap que se fraguaba en Estados Unidos hasta que, con 12/13 años, le llegó su primer ordenador y arrancó con sus primeras pistas en Fruitty Loops y Cool Edit Pro, gracias al blog Strictly Beats, cortando cajas y bombos de las instrumentales que subían al sitio web. “…me acuerdo el primer día que le puse un bajo a mis instrumentales que fue como un logro grande para mí y mis amigos, ahí empecé a quedarme en la casa. No quería salir a “carretear”, no tomaba nada, siempre me acostaba tarde pero porque estaba haciendo música, o intentando hacerla. Fue el principio de todo, con micros de computador y con la inocencia de los que empiezan a crear algo…”

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© Nig’s Pro.

Uno de sus sueños se cumplió el día que recibió la llamada de Dj Dacel para participar en la “batalla de productores” que organiza el dj chileno; “al principio no me lo podía creer. Era como un sueño hecho realidad. Yo veía los vídeos de los anteriores Beatminds y quedaba loco. De repente me llegó el mensaje a mi cuenta de Myspace y ahí participé contra dos producers que ya llevaban un tiempo haciendo ritmos, por lo que estaba un poco nervioso. Un amigo me prestó el notebook y llegó el día. Al pasar mis tres beats… gané. Fue lo máximo. Yo no era nadie y era un logro personal muy muy grande. Ahí me di cuenta que era lo que quería hacer para siempre. En la final me tocó contra Dj Raff y ahí ya no hubo nada que hacer. Raff, en esa época, llevaba muchos años en el mercado y sabía exactamente que ofrecer al público.”

Después del Beatminds empezó a producir al Guerrillero Oculto, un mc muy famoso en la escena chilena. Empezaron a llegar contactos y Jestein Ritmos le presentó a Jonas Sanche, uno de los mc’s con más futuro en Santiago, al que produjo el último tema de su disco. En este tiempo Wildcat producía un “sonido Detroit”, muy profesional, pero con la entrada del Dubstep en Chile, todo cambió: “…llegó el Dubstep y yo empecé a hacer pistas con ese sonido. De ahí me fui al Crank, al Dirty South… y esa ha sido un poco mi transición del rap tradicional a lo que son ahora los sonidos Trap que estoy manejando.”

Empanadas de queso fue el “menú” de la noche para llenar el estómago con algo más que alcohol y, mientras llegaban, Wildcat me seguía contando su trayectoria en la música. “Gracias a los vídeos de skate que empecé a ver, donde podía escuchar a Lex Luger, cosas de Lil Wayne… hasta que escuché a Wiz Khalifa y arranqué a hacer sonidos más cercanos al trap.”

© Dizart Magazine
© Dizart Magazine

A partir de aquí, la travesía de Wildcat ha sido una carrera ascendente; el fichaje por el nuevo netlabel A+ en el mes de agosto de este año en curso y el lanzamiento de su primera referencia con el netlabel, “Remixes”.
El sonido de este disco continúa naturalmente el de su primer LP “Pussy Money Beats”, sintetizadores, baterías redobladas, algo de glitch, experimentación, una amplia gama de bajos y mucha energía tanto como para la pista de baile o para momentos más contemplativos. El trabajo, que titularon apropiadamente “Remixes”, incluye temas de M.I.A.,The Weeknd, Kastle, Jeremih, PARTYNEXDOOR, Flight Facilities y un original, “Bunda”, que siembra una prometedora semilla mientras esperamos su próxima entrega original por nuestro label.

A continuación te dejo con “Remixes” para que lo disfrutes y un enlace de descarga para que puedas disfrutarlo desde tu iPod o whatever. Haz clic aquí.

Boombap Dealers – Entrevista Dj Swet

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Desde Boombap Dealers nos envían su entrevista al dj catalán Dj Swet. En ella podemos escuchar las opiniones del dj sobre la escena en España, comentarios sobre sus dos últimos discos, lanzados a finales de 2013, etc. “Agoraphobia” y “Agoraphobia 2.0” puedes escucharlos en Spotify y comprarlos a través de la tienda online oficial de Dj Swet, junto a algunos artículos más de merchandising.

Esta entrevista es la segunda de un nuevo canal en Youtube donde podremos disfrutar de lo mejor del rap underground en España, para todos los que quieran estar bien informados de que se está cociendo por la península ibérica. Pueden seguir el canal haciendo click aquí.

Jko Sánchez – Entrevista en ‘Causeineedit

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Después de los headers de Luz Ferrari y de Boldtron, estos meses de julio y agosto contamos con el arte de Jko Sánchez, diseñador gráfico chileno que nos ha regalado la cabecera y las imágenes de perfil de Facebook.

Siguiendo con la dinámica de conocer un poco más a los creadores de los headers, hoy traemos una entrevista con el diseñador nacido en Chillán (sur de Chile) con residencia en la capital chilena hace varios años.

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‘Causeineedit (C).- ¿Cuéntanos; cómo fueron tus inicios con el mundo de la gráfica?
Jko (J).- Desde chico, como todo niño, dibujé mucho. Mi abuelo Cayetano (Q.E.P.D.) Siempre me estimuló a dibujar y pintar… El mundo de la gráfica en sí lo conocí en la enseñanza media con el hc punk y el hazlo tú mismo. Conocí un mundo increíble que de alguna forma forjó mi forma de ver, entender y vivir la vida. Empecé haciendo las tapas de las grabaciones de ensayo de mis bandas que nunca funcionaban, luego hice los afiches de las tocatas (conciertos/fiestas), y tenía un fotolog donde subía mis fotos arregladas con Photoshop (risas). Bueno, salí del colegio y me fui de una a estudiar Diseño Gráfico.

C.- ¿Cómo es tu dinámica de trabajo?
J.- Primero hago una búsqueda de todo lo existente en relación a lo que tengo que hacer. Luego de completar esa búsqueda, hago una categorización de contenidos y clasifico de acuerdo a lo que se acerque mas a lo que necesito para el proyecto, según mi punto de vista (a veces no tengo idea de lo que debo hacer y ahí tengo que estudiar mas el tema). De ahí viene el carácter identitario, para eso hago otra búsqueda y categorización. Luego defino el concepto y cuando tengo toda la información necesaria y ya sé que camino tomar, tomo el lápiz y empiezo a dibujar, luego digitalizo y al final aparece un mono que sufrirá muchos cambios de acuerdo al tipo de cliente y mi capacidad de vender la pescá. Básicamente así trabajo.

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C.- ¿Tu mejor experiencia como diseñador. Y la peor?
J.- Mi mejor experiencia siempre es trabajar con gente profesional, responsable y respetuosa. Que conozca/valore tu trabajo y confíe en tus mecanismos, tus tiempos y tus entregas. Eso lo agradezco de todo corazón. La peor es la antítesis. Cuando el cliente es un cabrón con lucas que no respeta tu trabajo, eso es asqueroso. Uno también debe ser profesional y responsable.

C.- Hace unas semanas has expuesto en High Life Store; ¿puedes contarnos un poco más sobre la exposición?
J.- Mira hace rato que Pablo viene haciendo actividades con diseñadores y artistas en su tienda, fui a varias y lo pasé muy bien. Un día le pregunté si podía dejar mi libro NADA ahí para la venta y me responde: “Hagamos una expo”. Así que en una semana trabajé a full y saqué esas camisetas de “Colisiona el Universo” (arte extraído del libro), e hice este montaje y el lookbook, que a mi gusto quedó bastante bueno. Todo esto fue a modo de difusión del libro y la utilización del “soporte polera” que tiene mas consecuencia con una tienda de ropa.

C.- ¿Cuál es tu proyección como diseñador?
J.- Como diseñador, diseñar. Que lo es todo para mi. Con el diseño pago las cuentas, me divierto, soy feliz a ratos y paso rabias en otros momentos. El diseño es lo mejor que sé hacer y aun no lo hago tan bien como quisiera. Tengo mucho por aprender. Mucho por experimentar, mucho por descubrir, mucho por crear y por conocer. El diseño es una filosofía de vida para mí, como también lo es el apoyo mutuo y la autogestión.

C.- Novedades para este 2014
J.- Seguiré con la difusión de mi libro NADA. Y terminaré de manufacturar los ejemplares que me quedan, para su distribución. Paralelo a eso estoy creando cosas nuevas, entre eso escribiendo y dibujando bastante… no quiero adelantar nada.

C.- Háblanos un poco sobre la cabecera que has hecho para ‘Causeineedit.
J.- Los dibujos que utilicé en la cabecera son parte de una recopilación de bocetos antiguos que tengo guardados, mezclado con otros nuevos.
Sobre el concepto: Son 3 dibujos en una secuencia correlativa, primero aparece el triángulo con el ojo, que es la representación de la búsqueda de la sabiduría cósmica del universo. Luego viene un rostro humano con el tercer ojo, favorecido por poseer un desarrollo de espiritualidad avanzada. Al final aparece el ser máximo que es capaz de controlar la energía cósmica controlando así las fases de las lunas que rigen su actuar. Sí, suena siútico y esotérico… Somos tan insignificantes que la supremacía de la astrología y el universo llaman mucho mi atención e interés por conocerlo, descubrirlo e interpretarlo a mi modo :)

C.- Para terminar…
J.- Para terminar, darte las gracias por el espacio, por el apoyo, por el interés. Gracias a toda la gente que me apoya, que sigue mi trabajo y que se dio el tiempo de leer esta entrevista. Disfruten los procesos y sigan adelante! Cómanse toda la comida // Nada es suficiente.
Y… síganme en las redes sociales!!!

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Graffdonuts meets Lauda

Hace unos meses desde nuestro blog favorito de graffiti Graffdonuts, nos ofrecieron una entrevista exclusiva del writer italiano Lauda a.k.a Dada.

Aparte de la entrevista escrita, que podéis chekear aquí, nos ofrecen un vídeo donde vemos a Lauda en acción trabajando un verdadero “spotazzo”. Todo para anunciar su expo “Grande Opere”.
Os dejamos con el vídeo y algunas piezas del writer italiano.

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Ms Nina – Bitch of the year

Fue a principios de año cuando descubrí el trabajo de Ms Nina. Si es verdad que desde hace unos 4-5 años se va viendo este tipo de “arte” por la web, sobre todo en la multitud de cuentas que podemos visitar en Tumblr, el estilo de Nina, argentina afincada en España, es distinto, tiene un toque mucho más creativo y limpio que lo que acostumbro a ver. Después de varios meses visitando sus redes sociales y disfrutando de sus trabajos, decidimos hacerle una pequeña entrevista para conocer más sobre la artista y sus diseños. Con ustedes: Ms Nina, bitch of the year!

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‘Causeineedit Blog.- Cuéntanos ¿quién es Ms.Nina?
Ms Nina.- mmm pues Ms Nina es una tía que le gusta hacer de todo con su imaginacion. Saca fuera todo lo que lleva dentro y lo expresa a través de imágenes, vídeos, gifs, etc.

CB.- ¿Cuándo empezaste con esto del diseño y la ilustración?
MN.- Siempre me gustó diseñar cualquier cosa (risas) pero así, en internet, hace 2 años que estoy desarrollando para Tumblr, haciendo mis Glitter gifs. Luego empecé a subir en Instagram mis collages y algunos trabajos más.

CB.- ¿Ha sido internet entonces el detonante para que te pusieras a diseñar?
MN.- Yo diría que Photoshop lo fue. Internet ha sido importante porque es, a partir de que pude compartir mis trabajos, cuando la gente empieza a reaccionar sobre tu trabajo y a recibir buenas críticas. Eso siempre ayuda a seguir haciendo más diseños.

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CB.- En ‘Causeineedit no somos de encasillar el arte, ni la música, etc. Pero ¿si hubiera que definir tus trabajos dentro de un estilo, cuál crees que sería el más apropiado?
MN.- Hay mucha gente que hace lo mismo que yo y lo llamamos algo asi como net art o internet art

CB.- Siempre había visto cosas parecidas, pero tu tienes un estilo muy peculiar, muy kitsch… ¿estás de acuerdo con eso? ¿o crees que estás dentro de la ola de diseñadores que andan haciendo net art?
MN.- Bueno como digo, hay mucha gente que hace este tipos de diseños, pero cada uno tiene su estilo. Yo siempre intento no ir tanto a la moda e intento crear cosas nuevas

CB.- En ‘Causeineedit te conocimos gracias al vídeo que le hiciste a Yung Beef de Kefta Boyz. ¿Tienes algún proyecto audiovisual más en mente?
MN.- Claro! Me gusta hacer colaboraciones y seguro que dentro de poco sacaré algo nuevo.

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CB.- ¿Algún artista/s que inspire tu trabajo?
MN.- No tengo a ningún artista favorito, pero Andy Warhol, David Lachapelle son influencias, pero lo demás… todo ahora mismo me inspira, no sé si me entiendes (risas)

CB.- Si, si, perfectamente (risas) pues hasta aquí la ronda de preguntas. ¿Si quieres añadir algo más?
MN.- Express yourself (risas) Una frase que me gusta mucho. Gracias mijo por las preguntas.

Gracias a Ms Nina por su tiempo y por la buena onda para poder conocer un poco más de esta artista latina. Keep on workin’
Pueden seguir el trabajo de la argentina en Facebook, Twitter, Tumblr o Instagram.

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Boldtron – Entrevista en ‘Causeineedit

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Este mes de marzo queríamos contar con el arte de nuestro amigo Boldtron para decorar el header de ‘Causeineedit Blog. Después de varios meses con la imagen de Luz Ferrari, ya tocaba cambiar, cosa que haremos cada dos meses, y hacía mucho tiempo que tenía ganas de colaborar con nuestro colega de Barcelona (España)

Hace muchos años que sigo a Boldtron y para mí es todo un honor contar con uno de sus trabajos fijos en nuestro sitio. Tenía curiosidad por saber que está detrás de este polivalente personaje y conseguimos robarle unas horas para hacerle algunas preguntas. Con todos ustedes: Boldtron!

[col_half] 1278180_1377334325822474_296458085_n ‘Causeineedit.- ¿Cuéntanos cómo fueron tus inicios con el mundo de la gráfica y la música?

Boldtron.- Desde pequeño siempre desarrollé una sensibilidad con las artes plásticas. Tengo muchos recuerdos de cuando era pequeño, pintando óleos y cosas parecidas. Más tarde ya fui especializando en técnicas sin seguir haciendo mucho caso al contenido. Creo que mucho más tarde, a los 15 o 16 años cuando entré en contacto con revistas de ilustración o libros de arte contemporáneo y películas del género me fui dando cuenta de como direccionar mis intereses.
He tocado instrumentos desde muy joven, piano, viola y más tarde melódica.

Hubo un momento vital en el que entendí que todo podía estar relacionado. Portadas de discos, videoclips, etc. Existe una cultura muy grande a todo lo relacionado con la música y las artes gráficas. Supongo que me sentí anclado en algún momento concreto q no sabría definir ahora, o quizás fue más bien un proceso.

C.- Personalmente conozco tu trabajo desde Freaklüb. ¿Hubo un acercamiento al graffiti y la ilustración antes empezar con el colectivo? ¿Cómo surgió el Freaklüb?

B.- Sí que lo hubo. Desde siempre. Mi primera relación con el graffiti fue lo clásico: firmas y bombardeo simple. Con mi hermano gemelo Slurp nos iniciamos a hacer algunos experimentos durante mucho tiempo entre el 1997 y el 2000. Desde Comando Panda al proyecto más relevante llamado The Shadow Bros en el que proyectábamos nuestros cuerpos con linternas y dejábamos las figuras en negro mate allá por donde pasábamos (eso fue entre el 1998 y el 2000). Más tarde algún experimento con plantillas y pósters (pero era todo muy previo al street art ) y luego todo lo que pasó con Freaklüb en el que éramos los tres y luego nos quedamos mi compañera (Empty) y yo (G1) por entonces; Slurp ya estaba por otras cosas.

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C.- ¿Cuando decidiste que esa época había terminado?

B.- Siempre pienso que todo acaba desvirtualizándose de una manera o de otra. Nosotros, Freaklüb, conformábamos una línea de trabajo conjunta con otras personas en otros puntos del planeta y al cabo de mucho cierto tiempo después alguien decidió llamarlo Street Art. Un Street Artist no es un individuo que hace una plantilla 10 veces y pone 100 fotos en internet para colgarse la etiqueta de artista. Yo, no obstante, nunca me he considerado artista y quien me tache de falsa modestia es porque no me conoce.

C.- Háblanos un poco sobre tu proyecto como blogger de música con Egyptian Maraccas

B.- Siempre he tenido una atracción extraña por saber acerca de la creación. En este caso admito que me gusta “leer música” saber de donde viene y porque se hace. No soy un estudioso de nada en concreto como en ocasiones reiteradas se me ha acusado de no tener la carrera de periodismo musical y poder acotar géneros a mi libre albedrío, pero sí puedo decir con la cabeza bien alta que mucha gente no tiene en cuenta que está ocurriendo AHORA mismo ni tampoco se plantea que ocurrirá dentro de seis meses. Yo no voy a decir que me ocupo de eso tampoco pero sí me apetece romper una lanza a favor de todo lo que está por llegar. No confundir modernidad con interés por lo acontecido, que es mi caso. Interesarse por nuevos espectros musicales no es símil de querer estar a la última, es simplemente cuestión de curiosidad. Señores, el underground ya no existe, yo tan sólo me hayo nadando en la profundidad de internet.

El proyecto lo empecé como gancho para poder contactar con artistas que me gustaban y así relacionarme de una manera creativa. De esa manera he hecho portadas para artistas de gran nombre y del que me siento muy realizado, pues no hay nada mejor que la gente que de una manera incondicional apoya lo que haces y te lo recompensa con cualquier tipo de feedback. Egyptian Maraccas es una plataforma de difusión en la que se da cabida a muchas formas de expresión. Admito que estoy muy contento con el proyecto tres años después a pesar que mi compañero de rutinas en este viaje haya abandonado el barco hace seis meses.[/col_half]

[col_half_last] C.- ¿Algún proyecto alternativo ligado a Egyptian?

B.- Intentando sacar un sello real (con vinilos) después de las andanzas del netlabel y dando por hecho que si ocurre a más de un detractor se le van a poner los dientes largos. Eso sí, el sello no se llamará Egyptian Maraccas pero sí mantendrá mucha de la esencia, puesto el blog seguirá en ACTIVO.
Contento de lanzar el nuevo release de una chica PRODIGIOSA que actualmente vive en Brooklyn. Su nombre es NOIA y la conocí estas navidades mientras visitaba su familia aquí. No puedo avanzar más.

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C.- Recientemente me he dado cuenta que tu actividad en Pparallaxx está más activa que nunca: cuéntanos en qué estás trabajando ahora y qué es lo que te ha motivado a darle duro, si es que alguna vez lo habías dejado de lado.

B.- El proyecto de Pparallaxx lleva en serio cosa de un año y empecé desde cero después de estar 12 años haciendo proyectos bajos unos cinco alias. Creo que es la opción definitiva para asentarme tanto a nivel conceptual como de técnicas o de ideas. He tenido altibajos pero desde hace unos meses cuando ya senté cabeza con alguna portada de algún disco y algún otro proyecto como el de Georarium ya empiezo a ver más luz al final del túnel.

C.- Me gustaría hacerte unas preguntas cortas:
¿Barcelona o Madrid?

B.- BARCELONA para desaparecer. MADRID para aparecer eventualmente.
C.- ¿Digital o analógico?
B.- ANALOGICO para los procesos técnicos. DIGITAL para los retoques y los artes finales.
C.- ¿Color o B&N?
B.- COLOR SIEMPRE. El color como terapia. Si juntas todos los colores obtienes el negro. Si pasas de ellos obtienes el blanco. Así que COLOR siempre.
C.- ¿Vanguardia o tradicional?
B.- La tradición sólo existe para que la respetemos. La vanguardia es necesaria para el progreso, aunque caigamos en el error mil veces.

C.- En unas pocas líneas, cuéntanos ¿qué has decidido crear para el header de Causeineedit del mes de marzo?

B.- He decidido aportar un pequeño grano de arena con mi proyecto Georarium para vosotros con este closeup de la serie dos (en el que mezclo duotonos, plantas y minerales, proyecto aún por sacar online). Vuestra casa es un blog que está in crescendo y bajo mis parámetros entráis en el tipo de proyectos que DEBO apoyar de manera incondicional.
¡Os deseo lo mejor!

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C.- Para terminar…

B.- A todos los que os divierte rodearme pero no ir de frente aún sigo esperando algo de conversación que os aclare las dudas. A todos los que tenéis una visión distorsionada de mi persona os invito a que dejéis de rodearme y me planteéis lo que os de la gana, siempre de cara. Está demostrado que me valgo para resolver cualquier tipo de conflicto. Amor para todos, compartir es vivir.

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Cestarx & Jaysmuzz – Dailylife (CINI Interview)

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Hoy es uno de esos días en que me siento orgulloso de publicar en CINI, el motivo por el cual puedo interactuar con artistas que además de admirar, me influencian de una forma directa, como en este caso Jaysmuzz y Cestarx.

Hoy, en exclusiva desde CINI, tenemos la oportunidad de colaborar en el release de este Dailylife, ampliando un poco más la información oculta en el trabajo, e indagando en las profundidades de Cestarx y Jaysmuzz. Les hemos hecho una serie de preguntas relacionadas con el trabajo y con su relación musical entre ellos mismos y su entorno más directo.

Desde Hachis Apaleao, Sweatdealers y TP Familia nos llega en descarga directa este nuevo trabajo configurado por 10 tracks de alta calidad que con mucho gusto ofrecemos desde aquí. Sin más dilación pasamos a mostraros la entrevista integra a estos dos artistas que apoyamos al cien por cien y de los que auguramos muy buenos trabajos venideros. Enjoy it.

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1. ¿Como salió la oportunidad de trabajar juntos en un disco 50/50?
C: A través de ver las producciones de Jay por el 2010 y estar en contacto durante cierto tiempo, aunque habíamos hablado alguna vez años antes. Al ver lo que nos gustaba lo que hacía uno y otro decidimos colaborar. También gustos en común en cuanto a referencias musicales y opiniones parecidas en otros temas.  

Jay S: Bueno ambos nos conocimos allá por el 2008, si no recuerdo mal, en la época de myspace y desde entonces empezamos a entablar amistad y poco a poco ir pensando en hacer algo serio a pachas, si, diría que esa idea surgió por el 2010 aproximadamente.

2. ¿De donde vienen las ideas relacionadas con hacer un disco de rap sobre la vida cotidiana o Daily Life?
C: Realmente en esta música se hace referencia a hechos o planteamientos que pueden ser realidad de cada uno pero son puntuales, yo hablo de sacarle la chispa a cada momento. A ver el detalle de lo cotidiano, de lo diario, que a veces no hay sobresaltos pero hay que darle importancia. Cada hecho puntual ocupa un espacio, tanto lo malo como lo bueno, hay que tener equilibrio, Daily Life es ese equilibrio. Daily life son contradicciones errores y aciertos.

Jay S: La idea en sí de dailylife es rap en su esencia más básica desde mi punto de vista, lo normal  es oír a un pibe rapeando sobre su realidad, su día a día. Puede ser su realidad diaria en el hood si escuchas a Tragedy o puede ser su realidad conduciendo el ‘Lambo’ a diario si escuchas a Gucci… Pero nuestra idea enlazando este concepto es más tirando hacia lo monótono que puede llegar a ser tu vida en el barrio estando en una situación como la mía, sin trabajo y sin estudiar, cómo estoy yo ahora mismo, intentando buscar salidas sin resultado, o lo monótono que puede llegar a ser el estar estudiando y trabajando día tras día como ha estado Ce. Pero dentro de esa monotonía hay momentos, como dice Ce, que pueden ser positivos o negativos, y es un poco lo que te saca de ese circulo vicioso, por lo tanto Daily Life es sacarle el brillo a esas escenas de tu vida. En realidad es la misma cara de la moneda, el buscarte la vida un día y otro y seguir hacia adelante como buenamente se puede.

3. ¿Qué os influye a la hora de trabajar por separado? ¿Y juntos? ¿Cambia alguna cosa?
C: Realmente no mucho porque hay un trabajo individual y uno en común pero cada uno tiene que trabajar por su parte y ver lo que puede aportar, y sobretodo mantener contacto continuo. Como solemos hablar bastante, pues no hay ningún problema en llegar a la misma conclusión. En cuanto al modo de trabajo no es diferente a muchas otras personas con las que he trabajado, pero tiene una visión que me ha influenciado bastante, ha sido una especie de retroalimentación y eso hace que sea más propio, más nuestro.

Jay S: No suelo variar demasiado mi manera de trabajar dependiendo de si trabajo con Ce o con cualquier otro artista, en cuanto al proceso habitual de creación, pero lo que sí que hago es enfocarme hacia un tipo de sonido en concreto según por dónde vayan los tiros de cada uno, cada persona es un mundo, y en ese sentido me gusta adaptarme, probar cosas nuevas, palos diferentes… Creo que también se puede ver parte de esa variación en el sonido de Daily Life, en como empieza con un formato más actual por así decirlo y va retrocediendo en el tiempo hasta un sonido más clásico. Darle esa vuelta cronológica de alguna manera sabes…
En cuanto a la hora de trabajar con Ce, bueno, nos conocemos desde hace tiempo y sabemos perfectamente los gustos de cada uno, muchas charlas sobre música, cine, conspiraciones, whateva… Por lo tanto Daily Life se ha ido creando de una manera muy natural en todos los sentidos. Quizás es lo que más cambia desde mi punto de vista, esa manera de trabajar con alguien a quien ya conoces bien a trabajar con otra persona que seguramente conozca menos.

4. ¿Cuanto tiempo habéis estado trabajando en Daily Life?
C: Aproximadamente tres años, ha habido etapas que por diferentes circunstancias se ha trabajado más rápido, otras en las que se ha quedado más estancado. Al fin y al cabo es un producto que recopila distintos momentos de estos tres años.
Jay S: Pues la idea de sacar algo a pachas en plan serio creo que surgió a mediados de 2010, cuando ya teníamos una relación bastante fluida. Desde entonces Ce ha estado escribiendo y grabando y  yo haciendo ritmos, pero por el camino ha habido algunos descartes, cambios y conceptos que se han ido desarrollando y evolucionando sobre la marcha. Por ejemplo la outro del disco es un tema que creo que está grabado desde hace dos años más o menos, y el último tema que hemos dejado listo tan sólo tiene dos meses de vida, si llega…

5. ¿Nos podéis contar alguna anécdota sobre este proceso?
C: Anécdotas como tal no hay, salvo que comenzamos a trabajar antes de conocernos en persona y que cuando nos conocimos sabíamos que íbamos por buen camino. Durante este tiempo algún proyecto explotó y no se pudo usar y tuvimos que hacer arreglos y cambios que quedan patentes en el EP.
Jay S: Sí, la verdad es que sin esos contratiempos y esos cambios Daily Life habría acabado sonando diferente en algunos aspectos, en cierta parte creo que el destino nos ha hecho un favor en ese sentido.

6. ¿Como veis, a nivel de panorama y calidad el underground de las dos capitales, tanto Madrid como Barcelona?
C: Está en continuo crecimiento desde hace 5 años y lo que queda. Desde mi punto de vista el underground a explotado ya no sólo en Madrid y Barcelona sino a nivel nacional hay chavales haciendo música de calidad y sin los medios que los viejos pueden tener. Aun así todavía queda mucho por dar que hablar. Y no sólo a nivel musical, hay muchísima gente haciendo videos, diseñando, organizando eventos y ahí es donde se ve que hay un crecimiento, También hay un respuesta de la gente mucho más masiva que hace 7 años. Y eso se nota a la hora de dar bolos o de presentar algún trabajo. Digamos que se ha superado el sectarismo que había en el panorama antaño.
Jay S: En general veo al panorama nacional muy en forma, tanto en Madrid como en Barna o como en el resto del país. Raro es el año que no descubro a 4 o 5 artistas que me dejan roto y a los cuales ya me es imposible perderles la pista.
Creo que este estado de ebullición que vivimos ahora mismo es algo bueno porque a pesar de las múltiples copias y de la sobreinformación a la que estamos expuestos a día de hoy si tienes un cierto criterio puedes acabar descubriendo cosas realmente bonitas y bien hechas de punta a punta del país, cosa que era impensable hace tan sólo 5 años, o al menos para mí, que estaba totalmente reñido con lo que se hacía aquí exceptuando a los 4 que lo hacían como debe ser…
Sobretodo estoy muy contento en el ámbito de los beatmakers y productores, donde se ha podido ver un cambio brutal, con una nueva generación inspirada, con ideas frescas y que saben cómo hacer buenas rolas aunque no tengan apenas recursos, como muchos de los que actualmente me flipan, cosa que dice muchísimo a su favor.
Luego también estoy muy contento también con la evolución que hay en el ámbito de las webs especializadas, las revistas, los eventos y conciertos que se organizan, visuales, etc. Hay mucha gente trabajando duro y con ganas detrás de cada ámbito y merecen totalmente mi respeto.

7. ¿Como surgieron las colaboraciones con Étre Supreme, Razz Lacalle, KCU y Quorum?
Jay S & Ce: Las colaboraciones son con gente de nuestro mismo círculo, tanto Quorum como KCU son de TP Fam y luego Étre y Razz son colegas y nos flipa lo que hacen. Gente cercana y afín a nuestra manera de entender la música y lo que se deriva de ella… Nice people!

8. ¿Queréis añadir algo?
Daros las gracias a CINI por la oportunidad y el apoyo que nos dais, que siempre se agradece muchísimo el interés por parte de una web de calidad como la vuestra, y dar las gracias también a todos los que han aportado su granito de arena a Daily Life, gracias a Krah por la mezcla y el master, a Downheads Audiovisuales por el Artwork, a Hachis Apaleao y Sweat Dealers por estar hombro con hombro, a Étre, Razz, KCU y Quo por poner sus voces en el proyecto y dar las gracias también a todos los que han esperado durante todo este tiempo nuestro proyecto. So much love…
Sus queremos a tos!

 

Luz Ferrari – entrevista

Para los que nos siguen desde hace tiempo habrán notado que este año, como todos los años, hemos cambiado la imagen de nuestra marca y sitio web. Volvemos a las cabeceras en colaboración con distintos artistas que pasan por el blog y este mes de enero lo hemos estrenado con la fotógrafa argentina Luz Ferrari.

Hoy traemos una entrevista a la bonaerense para que todos podamos conocerla un poco mejor. Luz nos habla de sus inicios en la fotógrafía, sus mejores/peores experiencias, su dinámica de trabajo y nos explica donde fue tomada la imagen que actualmente ilustra nuestro banner principal en la cabecera.

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Para empezar, cuéntanos ¿cómo te iniciaste en la fotografía?
Siempre me gustó sacar fotos pero mis primeros pasos técnicos, por así decir, fueron a través de mis estudios en la carrera de Realización Audiovisual. Ahí conocí desde cerca todo lo que es comunicar, producir, y obviamente lo específico de la fotografía y composición visual. Siempre me interesó y me dediqué a la dirección de arte y posteriormente elegí dedicarme de lleno a las fotos.

¿Cómo es tu rutina de trabajo?
Mi rutina en verdad siempre trato de que no sea rutina, intento hacer de cada ocasión algo distinto. Así y todo es normal para mi tomar fotos donde sea y cuando sea, así que si a eso le decimos rutina, pues digámosle. Y en el momento de hacer una producción o trabajo fotográfico, me parece importante plantear la idea inicial y luego ir desglosando cada sector para lograr un resultado homogéneo; en el momento de disparar a veces me parece interesante gestar una historia para lograr un sentido completo, con expresión y sentimiento.

¿Cuál fue tu primer equipo? Actualmente, ¿con qué estás trabajando?
Mi primer cámara fotográfica fue (y actualmente sigue siendo parte de mi equipo) una Canon Prima Junior AF, automática, allá por los años 90´, utilizándola en viajes escolares. Hoy en día utilizo esa misma, junto con una Nikon L35Af y una Praktica MTL3 que heredé de mi papá.

¿Por qué analógico?
Mi decisión frente a lo analógico no fue inmediata en mi vida. Con el tiempo y la experiencia me di cuenta que el proceso que se generaba era lo que yo buscaba, el tiempo real, y la magia que surge desde el momento de adquirir la película, pasando por los tonos que pueden lograrse sin retoque posterior y la profundidad y naturalidad que tiene. Eso es lo máximo para mi.

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¿Tu mejor experiencia como fotógrafa. Y la peor?
Mi mejor experiencia fueron muchas pero en verdad siempre espero que llegue lo mejor, cada ocasión es diferente y eso me motiva muchísimo. Y la peor experiencia puedo decir que fue en la época cuando trabajaba en clubes nocturnos, sacando fotos de fiestas, era muy difícil lidiar con el ambiente de la noche.

¿Proyectos para este 2014?
Viajar y sacar muchas más fotos. Es la combinación que quiero para este año.

Algún fotógrafo que te sirva de inspiración en tu trabajo.
Artistas que me inspiren existen bastantes, y no solo del ámbito fotográfico.. gracias a la web siempre estoy descubriendo nuevas obras que me motivan y disparan cosas súper interesantes. Actualmente me transmite mucho el trabajo de Ren Hang, Lukasz Wierzbowski, Melchior Tersen, Synchrodogs; aunque también me inclino hacia el lado cinematográfico como inspiración, de la mano de Larry Clark y John Waters.

¿Tienes en mente pasar a software y fotografía digital alguna vez?
La verdad no, por el momento no tengo pensado cambiar, de hecho no creo que lo haga por un largo tiempo, aunque no me cierro y si surge alguna oportunidad donde debo utilizar mi cámara digital, lo hago. Pero en estos días solo veo lo analógico como opción.

Háblanos sobre la fotografía que cediste para la cabecera de Causeineedit Blog
La foto de portada fue tomada en la ciudad de Córdoba, Argentina. Estaba de viaje junto a mis amigos. En ese momento un gran amigo cordobés estaba dóndonos un tour por la ciudad y al pasar por ese puente no pude evitar sacarle una foto.

¿Algún consejo para la gente que empieza?
El consejo que puedo darle a quienes estén comenzando es que disfruten de cada etapa, que experimenten y desarrollen su curiosidad, que es algo muy preciado, que se la jueguen y vivan el momento. Lo importante y lindo de todo esto es que siempre hay algo que puede sorprendernos y en verdad no es relevante al 100% que cámara estemos usando, lo que importa es nuestro ojo y visión en el momento de disparar.

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Puedes ver más material de Luz Ferrari puedes visitar su sitio web.

Nemco x Ghetto FM x Graff Donuts

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¿Os acordáis de Nemco de Milano? Hemos hablado y mostrado algunas piezas de este writter italiano varias veces. Esta vez venimos con una colaboracion a tres bandas, por un lado el blog Graff Donuts ha publicado un vídeo de Nemco en acción dónde se le ve realizando un muro a sus anchas, y por otro lado el tumblr de graffiti Ghetto Full Moon le ha echo una entrevista dónde podemos saber más de este writter. Os dejamos con el vídeo y el link de la entrevista. Enjoy it. ¡¡UP NEM!!

Dj Zar1 – Transmission 01 – PlayGround Mix

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Desde PlayGround Mix nos llega esta mixtape realizada por Zar1 como punto final del artículo que escribieron sobre ellos y que podéis chequear aquí. Hoy el mismo Zar1 lo ha lanzado libremente al espacio desde su Soundcloud para todo aquel que lo quiera saborear y nosotros, ampliamos el hype para que no se pierda. Incluye un inédito del señor Erik Urano. Os dejamos con una gran sessión de este Urano member, a mover el buyate people.

https://soundcloud.com/zar1-urano-players/dj-zar1-transmission-01

 

Show Bizness TV: D.Gomez

Desde Show Bizness TV nos llega una interview exclusiva del Señor D. Gomez (Corredores de Bloque). Acompañado de Pocas Libras (Corredores de Bloque), y aprovechando su estancia en Barcelona con motivo del bolo que dieron con CB en la Sala Razzmatazz.

Palabras directas de Show Bizness TV:

“Show Bizness aprovecha la visita de la crew madrileña Corredores del Bloque a Barcelona, para entrevistar a D.Gómez y Pocas libras. No te puedes perder esta interesante y exclusiva entrevista dónde nos desvelarán sus gustos personales, sus procesos de creación y muchas otras cosas que seguro que estás deseando saber de estos miembros de CB.”

Álvaro Fierro. JOIA Magazine – entrevista

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[block_quote cite=’- Álvaro Fierro’] Desde un lado personal, JOIA me ha dado puras alegrías y lo mas importante es poder estar en contacto con la élite del arte y el diseño a nivel mundial [/block_quote]
Llevo detrás de Álvaro Fierro más de medio año para hacerle una entrevista, para cerrar algunas dudas que tenía desde que llegué a Santiago, sobre JOIA Mag. y sobre su persona como director de una de las mejores ediciones de diseño y arte que he visto.
Gracias a nuestra amistad, hace más de un año que colaboro para los blos de JOIA Mag., al fin ha guardado unas horas en su agenda y ha podido atendernos.

CINIBlog (C).- Álvaro Joia… ¿Quién es?
Álvaro Fierro (A).- Tengo 30 años; soy director y editor general de JOIA Magazine. Nacido y criado en la hermosa comuna de La Florida, Santiago, Chile. Colocolino (seguidor de Colo-Colo) por sobre muchas cosas, aunque me eche encima a algunos y no quieran seguir leyendo la entrevista :)

C.- ¿Cuándo tomas contacto con el diseño por primera vez?
A.- Creo que siempre he estado ligado de alguna forma con el diseño. Desde chico me llamó la atención la estética de las cosas. Siempre más ligado por el lado del deporte; me gustaban mucho las marcas, las camisetas de los equipos, las insignias, las revistas. El diseño de la ropa deportiva, sus logos y su publicidad. 

Siempre me importaba mas la portada de los discos que la música en si. Nunca leí libros cuando chico, pero pasaba horas mirando libros de fotos, revistas, álbumes, etc. 

Coleccioné muchos álbumes y me recuerdo perfecto de los diseños y láminas de cada uno de ellos. 

En fin, siempre he sido buen observador y preocupado por los detalles estéticos. Desde ahí creo que parten todos mis gustos y cercanía con el diseño.

C.- Eres el 50% de la revista de arte chilena Joia Magazine. ¿Cómo conociste a tu socio?
A.- Con Pablo nos topamos el primer año de la universidad. Entramos a estudiar diseño. Nunca pescamos* (le hicieron caso) mucho la carrera en sí, pero armamos un grupo de amigos que teníamos muchas cosas en común, mas allá del gusto por el diseño. Nos pasábamos horas hablando de música, fútbol, skate, graffiti, ropa, zapatillas, etc. Esa época donde no había mucho más que hacer que sentarse en alguna plaza, tomar cerveza y conversar de los intereses personales. Con Pablo nos unía el gusto por la impresión, siempre hablábamos de la idea de hacer una revista “algún dia”.

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C.- ¿Por qué Pablo para esta aventura?
A.- Varios años antes de partir con JOIA, teníamos las ganas de hacer una revista. A fines del 2006 empezamos con la aventura de JOIA y cuando necesité buscar un socio, no tuve dudas: Pablo era el hombre que necesitaba. Además de ser grandes amigos y tener una gran confianza mutua, tiene todas las habilidades que yo no manejo y viceversa. Desde la primera reunión que tuvimos, teníamos claro hacia donde íbamos, lo que queríamos y lo que íbamos a conseguir juntos. Es un gran partner.

C.- ¿Cuál es el balance de vuestro proyecto después de seis años con JOIA en el mercado?
A.- Después de pasar los 2 primeros años, que como toda empresa son los mas difíciles, sobre todo teniendo en cuenta que nuestra aventura parecía imposible: “Vivir de una revista impresa en Chile”, un país donde se hacen muy pocas revistas y pareciera que no hay mercado. JOIA se ha ido consolidando edición trás edición y el balance general es súper positivo desde todo punto de vista. 

El público disfruta de la revista y siempre hemos tenido buena crítica. Las marcas nos siguen apoyando y en cada edición se van sumando nuevas, eso habla bien de lo que estamos haciendo a nivel de mercado y lo consecuente de nuestra línea editorial. 

Desde un lado personal, JOIA me ha dado puras alegrías y lo mas importante es poder estar en contacto con la élite del arte y el diseño a nivel mundial, poder invitarlos a salir en nuestras páginas o hacer una portada y que todos acepten y de cierta forma entablar una amistad con ellos desde Chile.

C.- Como director creativo de la revista… ¿Cuál es el criterio a la hora de seleccionar los artistas para cada número?
A.- Es difícil definir o explicar la línea editorial de JOIA. Creo que se ha dado de forma natural y se basa en los gustos que uno arrastra de toda la vida. 
El primer criterio a la hora de seleccionar los artistas, diseñadores, marcas, etc. es el layout de su trabajo. Nos interesa mucho mas la estética final por sobre el contenido o justificación de su obra. 75% de la revista son imágenes y nos interesa que el público se impresione página a página; para eso buscamos artistas que tengan un trabajo de impacto inmediato, ya sea positivo o negativo.

 JOIA se arma en el 2006, cuando estaba pegando fuerte el “arte conceptual”. Tenías que leer un texto de 2 páginas para entender la obra del artista en cuestión. JOIA nace en respuesta a eso, buscando una lectura rápida del público por medio de lo bonito, fino, impresionante y que no llegaba a Chile en ningún otro medio.

 En ese sentido JOIA se asemeja al fenómeno del Tumblr: ver mucha imagen y si te gusta, le das like; y te gusta mucho, te la robas. Ver más, leer menos.

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C.- ¿Cuándo podrán disfrutar de esta revista de lujo fuera de Chile? Alguna posibilidad?
A.- La revista puede comprarse via email (clic aquí) desde todos lados del mundo pero es difícil tener puntos de venta estables. JOIA es una revista pesada, como un libro, y enviar por ejemplo 50 revistas a México sale carísimo, no es negocio de ninguna forma.
 Ojalá en un futuro próximo podamos irnos fuera de Chile y hacer la revista desde allá y se haría menos complejo la distribución worldwide.

C.- Para cerrar la entrevista; ¿Algún otro proyecto que tengas en mente o trabajando en él que se pueda contar?
A.- Aparte de la revista, tenemos un estudio de diseño, productora y asesoría de imagen global: JOIA ESTUDIO. Por ahora estamos trabajando en la web para mostrar todos los trabajos que hemos hecho aparte de JOIA. Además de eso se vienen varias sorpresas, siempre ligadas al área de la impresión. Y junto a Pablo siempre hemos tenido el sueño de tener un ESPACIO JOIA, un punto de encuentro para realizar exposiciones, eventos, talleres, oficinas, showroom, etc. Poder llevar todo lo que hemos hecho con JOIA a un lugar físico.

Jayeem – entrevista

Hace unos días tuvimos el placer de intercambiar una serie de preguntas y respuestas con el beatmaker Madrileño Jayeem. Podéis disfrutar de esta pequeña entrevista mientras esperamos que salgan a la luz sus nuevos trabajos. A continuación os dejamos con el dialogo.

1. CINI: ¿Cuanto tiempo hace que produces música¿

-Pues produciendo la verdad es que llevo al rededor de unos 3 o 4 años, pero no fue hasta hace 2 que no empecé a tomármelo en serio.

2. CINI: ¿Como empezaste con esto?

Empecé rapeando, vaya. Me gustaban las bases de Jay Dilla, Kev Brown, Apollo Brown, 9th Wonder, Madlib, y un día, trasteando, empecé a “imitarles” -en el mejor sentido de la palabra- hasta darme cuenta de que mis letras eran una puta mierda, y que las bases sonaban un poco mejor que mi voz de quinceañero. Aún así no he dejado de rapear.

3. CINI: ¿Cuales son tus influencias musicales?

Pf… son tantas y tantas… La verdad es que muchas, y si me apuras, a la hora de producir, la menor influencia que tengo, es la de otros productores de rap. Siempre digo que para producir hay que escuchar mucha música y muy diversa, no puedes estancarte en lo más sencillo porque acabarás haciendo lo más sencillo. Me gusta mucho el funk, el rock, el flamenco, algo de electrónica… y de aquí, de todo lo que escucho a diario, es de donde saco mi música.

4. CINI: ¿Cual es el Hardware que usas para tus creaciones?

Pues tengo una MPC1000 un poco machacada y una Roland SP404, la cual me está dando algo de vidilla ya que me encanta trabajar con ella, pero ante todo, no quiero menospreciar el software. Sigo usándolo, porque por desgracia no tengo el equipo completo y tengo que tirar muchas veces del FL Studio, que aunque mi patata se apague al rato de estar produciendo, es el que más contento me ha dejado en cuanto a trabajos.

5. CINI: Cuéntanos algo sobre tus próximos trabajos.

Pues estoy preparando un disco, a larguísimo plazo, sin fechas, que se titulará “Eternidad”, en el que decidí reunir a la gente que más me gusta del rap y los que pienso que podrían aportar mucho, tanto a nivel de mcs como de productores, a modo de interludios producidos por ellos. También un disco con mi hermano Dheformer, en el que dejaremos plasmada la parte más oscura de nosotros. Lo llamamos terapia. Y alguna Beattape en la que dejaré resquicios de beats aquí muertos de la risa, que no son pocos.

6. CINI: ¿Cuales han sido las colaboraciones con las que más has disfrutado?

Pues no han sido muchas pero he disfrutado con todas y cada una de ellas, siempre, sobretodo con la de mi hermano Gero, Magma, porque a nivel personal he disfrutado mucho yendo a conciertos a verle por ahí a donde tengo echadas raíces ya, y con las de mi hermano Dheformer, que es capaz de sacar lo máximo de mi.

7. CINI: ¿Que opinas sobre la nueva hornada de rap nacional?

La verdad es que no estoy muy puesto. Soy muy escéptico en este tema. No me gusta mucho el panorama actual porque la gente en vez de escuchar y admirar, lo único que quiere hacer es imitar y tener un hueco entre los chavales como sus ídolos, y acaban siendo imitaciones, en vez de pararse a escuchar el trabajo tranquilamente sin buscar esa frase que poner en el Twitter o en el estado del tuenti. Pero las cosas que he llegado a escuchar, la verdad, es que si me gustan -casi todas- y suelo ser muy pesado cuando esto pasa, hago una de spammer vía Twitter y Facebook que pierdo hasta seguidores y “amigos”.  

8. CINI: ¿Cuales son los artistas con los que te gustaría trabajar en un futuro?

La verdad es que si me hubieran hecho esta pregunta hace unos meses, te diría unos cuantos, pero ahora mismo ya estoy trabajando con la mayoría, y es lo que me devuelve las ganas de seguir produciendo. Es esta la idea que abarca el disco de “Eternidad”, de trabajar con la gente que más me aporta, tratando de aportarles yo a ellos una mínima parte !