A.CHAL – Welcome to GAZI (#bocadoscini)

“Welcome to GAZI” es el segundo trabajo autoproducido de A.CHAL y tienes que escucharlo.

a-chal-welcome-to-gazi Vi, a través de Apple Music, una portada bastante llamativa; hice clic en el álbum y el primer track lleva por título “Maradona”. Tengo que escucharlo.
Minutos después “Welcome to GAZI” pasó a estar en “mi música”, al lado de “Blonde” o de “Black Messiah”, o de “32 Levels”. Y es que la pasión y el talento de Alejandro se reflejan a la perfección en 10 cortes que el peruano ha autoproducido y lanzado a través de iTunes, Spotify y Google Play.
Desde la portada hasta la última canción, el viaje que nos presenta A.CHAL en su título, está asegurado; nos sumerge en su mundo (GAZI) y te quedas con las ganas de no salir nunca de él.

Lollapalooza Chile 2016 – recap

Este fin de semana pasado estuvimos en Lollapalooza Chile 2016.


Nos invitaron el fin de semana pasado a la sexta edición de Lollapalooza en Chile y pasamos por el Parque O’Higgins el sábado y domingo para disfrutar del extenso cartel que nos presentaban este año.

En resumen y para acompañar las imágenes de la galería, decir que el festival –al menos los grupos que teníamos anotados en nuestra agenda– fue demasiado lineal. Flosstradamus, Jack Ü, A-Trak y RL Grime ofrecieron unos shows muy parecidos a nivel musical. Mucho trap y hardcore (hablamos de electrónica) que, sinceramente, nos terminó aburriendo. No fue así con la mayoría de los asistentes a los distintos conciertos. El público, en su mayoría gente que rondaba los 17 años, lo pasaron increíble; por una parte nosotros salimos algo decepcionados porque esperábamos una propuesta distinta por parte de los distintos dj’s y grupos, pero nos ENCANTÓ que un público tan joven pudiera disfrutar de música y de personajes de primer nivel en la escena electrónica mundial. Daba gusto ver como los muchachos bailaban y saltaban sin parar cada uno de los temas que iban sonando en los distintos escenarios. Una experiencia realmente positiva para los menores de edad que llenaron el festival.

Nos quedamos con Tame Impala (el sábado) y Die Antwoord (el domingo). Los australianos ofrecieron un concierto redondo; un sonido increíble (felicidades a la organización) y una puesta en escena digna de un grupo del nivel que esperábamos. Chapó para la banda capitaneada por Kevin Parker, que nos dejó lo mejor del Festival junto a los sudafricanos, ya el domingo. Nos sentábamos en el césped a la espera de que Ghost terminaran su show (muy completo, por cierto) y 10 minutos antes de que Dj Hi-Tek saltara al escenario y colocara unos beats explosivos, haciendo así la presentación de Ninja y Yo-Landi, nos colocamos en uno de los laterales del escenario para disfrutar lo más cerca posible de unos de los destacados de los dos días. Ritmos, rimas, presentación y actuación de los de Ciudad del Cabo, impecable. Gozamos de cada canción que sonaba y de cada locura que se le pasaba por la cabeza a la pareja.

Para terminar, insistimos en que nos sentimos un poco decepcionados por la elección de dj’s, ya que aprovechando al público tan joven que asistió, hubiera sido mucho más interesante haber mostrado una paleta musical más variada; faltó cerveza para los que éramos mayores de 18 años. Si bien el festival en Chile se torna muy familiar, no encontramos nada malo tomarse unas cervezas entre gente adulta y disfrutar de un vaso, o dos, entre tanta música y buen ambiente. El buen rollo general, la organización y la oportunidad de abrir el festival al público adolescente, una gran idea que esperamos que para los próximos años siga dándose, eso sí, trayendo a grupos y bandas mucho más variadas para que puedan disfrutar de una experiencia completa.

Agradecer a la productora y la organización por lo bien que nos trataron en todo momento. Esperamos repetir la visita en 2017.

Texto y fotos: Javiera Moreno y Mario de la Cruz

No pierdas de vista a: Eyedress

Hace algunas semanas, vía Noisey, Eyedress daba la exclusiva: la liberación de su LP debut “Shapeshifter”. Andrógino, metamorfo.

El residente en California (EEUU), de nacionalidad Filipina, Idris Vicuña, está dando de qué hablar hace rato. A muy temprana edad fue firmado por XL Recordings (sello inglés independiente que trabaja con Adele, el notable Jack White, The Prodigy, Atoms For Peace, M.I.A, Tyler, Beck o Sigur Rós entre  un largo etcétera) aunque se dio el gusto de autoeditar “Shapeshifter” por Babe Slayer; su sello. Ni corto ni perezoso, ya que, definitivamente, habiéndolo lanzado por el sello, habría tomado mayor notoriedad.

Volviendo a “Shapeshifter”: este oscila por el chill, el synthpop y la psicodelia. Una mezcla entre Elvis Depressedly, Evil Needle y algo del Shlohmo más emo (tema aparte: imposible no recordar las canciones de Twin peaks por Julee Cruise. “Shapeshifter” apela a cierta nostalgia, una a luz estroboscópica).

¿Criticas esperables? Es un disco denso para ser de tan larga duración (58 minutos aproximadamente). Si bien lo que mas destaca es el synthpop, hay colaboraciones en clave rap que son los matices más arriesgados –aunque no pierde el mood–. Fuera de ese par de excepciones es un material digno de mencionar.

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Revisamos la quinta edición del festival Movistar Primavera Fauna 2015

Te dejamos con la revisión de nuestra visita al Movistar Primavera Fauna 2015.

El pasado sábado, a eso de las 15:00, iniciamos nuestra andadura por el festival Movistar Primavera Fauna. Ya, a esa hora, se podía presenciar un buen número de asistentes que llegaron temprano para ver las actuaciones de INKY, New Layer y los nacionales Föllakzoid y Vaskular, encargados de iniciar el line-up en los distintos escenarios.

Eran las 16:30 cuando salían al Ray-Ban Stage los norteamericanos de Wild Nothing, considerados por muchos uno de los platos mas fuertes y esperados. Iniciaron su presentación con “Reichpop” para continuar con la reconocida “Nocturne”, sin embargo a pesar del entusiasmo de la fanaticada algo nos hacía ruido; con una actitud muy poco enérgica canción tras canción, era evidente la falta de su característico electro dream pop para dar paso a un sonido bastante mas soft-rock de lo que esperábamos. Si bien estaban dentro de lo correcto, honestamente no parecían esforzarse demasiado, puede ser que el par de años de escasas presentaciones en vivo les hayan pasado la cuenta.

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Fotografía: Caterina Herman

The Cardigans, con puntualidad sueca, salieron al escenario a las 17:30; tras cancelar su participación en el mismo festival en 2013, regresaron a Chile para saldar esa cuenta pendiente con todos aquellos que deseaban verlos hace años y es que son una de esas bandas del recuerdo, como así quedo demostrado tras una larga lista de hits noventeros que hicieron cantar efusivamente a los asistentes. Canciones como “Lovefool” y “My favourite game” encendieron los ánimos, mientras el viento no dejaba de correr fuertemente, detalle que perjudicó notoriamente el sonido y que incluso Nina –la vocalista del grupo– dejó entrever con una risa, asombrada por la situación.

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Fotografía: Rodrigo Ferrari x Super45

Después de disfrutar de los suecos, regresamos al Ray-Ban Stage para ver a Mac Demarco (para muchos el mejor número del festival, no para mí). Con su particular carisma y alocada personalidad, hizo de las suyas y desordenó lo que hasta ahora había sido una jornada tranquila, si bien a eso de las 19:00 el viento todavía jugaba en contra el canadiense, logró salir airoso, dando un buen espectáculo para la gran cantidad de gente que se aglomeró a escucharlo. Mas allá de los problemas de sonido, Demarco se lució con una presentación llena de matices, enérgica y diversión; alrededor de 15 tracks fue lo que nos dejó el cantante y compositor en su segunda visita a Chile, aunque debo decir que yo, por factores técnicos, me quedo con la primera.

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Fotografía: Rodrigo Ferrari x Super45

A las 20:15 subieron al escenario Explosions in the Sky. Para mí lo mejor que pudimos ver este año, por lejos. Un gran acierto de la producción, si bien la banda de post-rock era desconocida para muchos, no dejó a nadie indiferente. Con un sonido más que preciso, sólido y pulcro, nos hicieron recordar con nostalgia la pasada y majestuosa visita de Mogwai, esperamos volver a verlos en un show solo para ellos como merecen.

Cuando el viento estaba mas calmado y el frío se dejaba sentir en el ambiente, saltaron al escenario Rhye. La oscuridad de la noche nos dejaba disfrutar de las proyecciones e iluminación en todo su esplendor, mientras Milosh, sin hacer ni el mas mínimo esfuerzo, nos dejó a todos cautivados con un registro vocal dulce y sorprendente. Y es que no solo es un excelente productor, el canadiense dejó demostrado ser dueño de una voz asombrosa mientras tocaba diferentes instrumentos, dirigía a su banda y repasaba “Woman”, el disco que los hizo merecedores de la ovación de la critica y que tuvimos el placer de escuchar en vivo. Se dice que tuvo algunas molestias en la garganta, durante la tarde, que retasaron su llegada a las dependencias del festival, ¿Alguien realmente lo notó? Podemos asegurarles que fue absolutamente imperceptible. Rhye ansiamos verlos otra vez.

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Fotografía: Rodrigo Ferrari x Super45

A las 22.30 prácticamente todo Espacio Brodway se dirigía al Movistar Stage. Estábamos a minutos del plato principal aunque Morrissey se hizo esperar como solo los grandes pueden hacerlo, sin ser criticados, iniciando su presentación a las 23hrs. Con una calidad vocal impecable Moz dio inicio a su ansiada presentación con el clásico “Suedehead” para continuar con una seguidilla de grandes éxitos, acompañado de todos los factores técnicos que hacen de sus presentaciones siempre algo digno de ver: buenos músicos, buen sonido e imágenes fuertes, contestatarias de índole político y dura crítica social.

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Fotografía: Rodrigo Ferrari x Super45

Para terminar nuestro recorrido, nos pusimos cómodos, y nos fuimos al RBMA Stage con la intención de terminar una fabulosa jornada con el talento de John Talabot. Si no estuviste ahí podemos asegurarte que te perdiste una presentación de primera. El español se lució con un set increíble de dos horas, dejando a todos en la pista de baile extasiados, terminando su paso por el festival con un remix la canción “The Devil´s Dancers” del legendario grupo Oppenheimer Analysis. Quedamos con mas ganas de John Talabot, esperamos que vuelva pronto.

Texto por: Javs367 y Javiera Cat.S

Oneohtrix Point Never – Gardens of deleted

El último trabajo de Oneohtrix Point Never – Gardens of deleted, a revisión.

Cuando se borra algo (imaginemos un ordenador), existe la  idea fútil de la eternidad. Lo que en realidad sucede es que pasa a formar parte de una invisibilidad, una suerte de escondrijo a donde van las cosas que alguna vez fueron a parar a la papelera. Lo mismo pasa con los aconteceres diarios almacenados en la memoria interna. Parece que es necesaria una  instigación para que vuelvan a salir.

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Daniel Lopatin, una de las voces más interesantes, ha lanzado “Garden of deleted” (o  G.O.D.)  a través de Warp. Una cartografía a superficies porosas. Para ello recurre a diferentes registros. Matices violentos y otros que se acomodan en el mas sentimal entre todos los moods.

La forma que deja un objeto o artefacto al ser extraído, esa arquitectura de la ausencia, es en realidad un objeto nuevo, deconstruido.
Oneohtrix Point Never ocupa esos espacios y transplanta en este, su jardín, 12 conceptos, diversos todos entre sí. Cada uno potente a su manera.

Disponible en iTunes.

Deafheaven – New Bermuda. Azul casi negro

Revisión al último trabajo de Deafheaven, “New Bermuda”.

Que difícil debe ser volver a trabajar en un disco después de tan promisoria entrega como lo fue “Sunbather”. Pero amig@s, New Bermuda es un material tan potente que logra recalcar el espacio más que merecido en el hype para la banda de California (EEUU) .

Su estilo parece estar definido por una comunión armónica entre el post metal y el Shoegaze (Blackgaze). A diferencia de lo que fue “Sunbather”, la última entrega de Deafheaven ,no está cargada al Shoegaze: la voz en esta escena viene a funcionar como un sintetizador más, como una guitarra más que remarca los quiebres (múltiples, por cierto, si hasta pianos podemos encontrar). Recuerdo uno de los primeros videos que vi de ellos en directo (ojo ahí). En él, George Clarke, el vocalista estiraba la voz  acompañando las filtraciones de la guitarra en delay. Es en ese trance, en ese constante ir y venir sonoro, que parece que la voz se cortará pero al contrario de lo que se podría pensar no cae en lo grotesco, en lo visceral.

Un disco marcado por la melancolía, pero una con etapas de dulzura que ayudan a no bajar las defensas (iba a destacar la segunda canción en este ámbito, pero me es imposible destacar un track por sobre otro). El sonido constantemente es pasado por un colador, llevándonos desde el quiebre mas violento, a la sensación más emotiva. Un lujo sensitivo.

Ya está disponible a través de Apple Music o Spotify.

Lo nuevo de Jimmy Edgar: Shine EP

No todo lo que brilla es oro: revisamos la última referencia de Jimmy Edgar a través de Ultramajic.

Jimmy Edgar es una suerte de colono, involucrado sin querer y a veces con justo conocimiento, sobre su natal Detroit (Mi.EEUU), en pleno midway norteamericano. Dentro de la escena actual del dance music (enfocado en el house y el techno) es un referente mayúsculo y su trabajo siempre es un deleite para quienes lo escuchan. Ha declarado ya un par de veces que su aproximación a la música es un tanto casual, considerando que su origen se remonta hacia la producción y fotografía de modas, pero ese ejemplo en concreto no es tan anecdótico como el origen de su producción misma.

La curiosidad que envuelve al productor se fundamenta en el uso de sintetizadores modularesarmatostes grandes, que son el antecedente a todos los sintes, teclados y VST’s que conocemos– siendo estos de uso más bien avanzado dentro de la industria y los amantes de los sintes , argumentando Edgar que son mucho más fáciles de usar y cómodos, enfatizando en la práctica por sobre la teoría que requiere el uso de software. 
Trabajos junto a Machinedrum, visitas a todo el globo y bangers tras bangers, su último extended play era una invitación directa a hilvanar toda la madurez adquirida en este tiempo.

“Shine” (Ultramajic, 2015) debutó el pasado mes de septiembre bajo la disquera del mismo artista y en lo particular, me dejó dos sorpresas bastante contrariadas: primeramente extrañé esos bangers que articulan la noche a través de esos afilados hithats y el juego de toms análogos, que siempre deja a Edgar como uno de los referentes más puros de la última década de los beats houseros repletos de crossing-over con géneros más ácidos, un tinte muy particular de la producción del norteamericano. La otra “sorpresa” fue un beat (Feel What It Is) donde todo se va derechamente a tierra desconocida: R&B que está facturado de una manera cuanto menos preciosa. La similitud al sonido de Zikomo y a la propiedad de J Louis, lo acercan a esa escena que parecía tan distante, con una remembranza puramente nu soul.

Jimmy Edgar y Machinedrum haciendo de las suyas, en un set de aquellos… es de los primeros antecedentes que descubro dentro de esta “faceta” media desconocida de Edgar.
Este EP, me deja algo perplejo, pues Jimmy se las ingenia para volver a cambiar los paradigmas sobre su propia producción –cosa que hizo junto a Travis Stewart, en el primer Ep de JETS – y adentrarse a un género desconocido, en apariencia, pero elucubrado con la mayor sofisticación posible.

Sin lugar a dudas, esto avanza hacia el camino de los sets libres de prejuicio y libres de etiquetas efímeras, sentando la base del trabajo que se gesta día a día en Los Angeles (Ca.EEUU), donde la beat scene se acopla únicamente bajo la sensación y la vibración; no por el nombre ni la etiqueta, que más allá que ayudar a clasificar, convierte a la música en géneros, eliminando el factor sensitivo e entorno a las obras.

“Tik Tok” es, por lejos, uno de los temas más atrevidos y característicos de la producción de Edgar.

Lo recomiendo pero quedo al debe con una producción mucho más audaz, quizás culpa misma del autor, quien sella siempre con auténtica valentía producciones encantadoras que salvan la noche de cualquier dj que se atreva a adentrarse en sus BPM’s.

Alix Perez & EPROM – Shades

La intrepidez y el sonido ácido, manejado a cuentagotas por EPROM y esa fractura en el rebote de Alix Perez. “Shades” de Alix Perez & EPROM: Recomendado

Quince minutos o cuatro tracks son los necesarios para reunir, mejor dicho, condensar el “resorte”. Digo, como si una mano lo sostuviera y la otra se apoyara sobre él para torcerlo, girando la mano sobre su eje. Toda esa energía reunida es expresada en “Shades”, una de las últimas novedades de Alphapup, el trabajo en conjunto de Alix Perez & EPROM.

Aunque  reconozco, fui egoísta con esa descripción (y también falto a la verdad) ya que “Shades” desborda en movimientos, en transiciones. En cambio ese “resorte” solo condensaría en una dirección para caer quién sabe dónde. En ese sentido, el título parece atingente, ya que la sombra también implica sorpresa.

Como ya mencioné, este proyecto está cargado de energía y agresividad. Se destacan agrios sintetizadores, baterías cercanas al hip hop, algunas luces de drum and bass y voces constantemente diluidas.

Una interesante reunión de estilos, sin lugar a duda. La intrepidez y el sonido ácido, manejado a cuentagotas de EPROM y por el otro lado, esa fractura en el rebote de Alix Perez.

Recomendado.

Disponible para escucha en Amazon, Apple Music, y Spotify.

Planet Mu – µ2O (revisión)

El mítico sello inglés de IDM, Planet Mu, celebra sus 20 años de existencia con un recopilatorio de 50 canciones.

Planet Mu, el sello de IDM afincado en Londres (Reino Unido), está de cumpleaños y que mejor forma de celebrarlo que con un nuevo lanzamiento. Se trata de un CD triple, comandado por Mike Paradinas A.K.A µ-Ziq y que está compuesto por una selección de 50 tracks.

El resultado: un collage ominoso de recortes sucios, con detalles de chill, footwork, dubstep, glitch, neurofunk y también breakcore. El collage no forma imágenes mayores, no hay rostros, no hay escenas. Se puede decir que es una alfombra con diversas texturas y sin un patrón identificable. Cada forma se reconoce a si mismo por la diferencia con los otros. Entre los artistas que componen el VV.AA podemos encontrar a Kuedo, Machinedrum, Venetian Snares, Falty DL, Mrs Jynx o Dykehouse, entre muchos otros.

El conjunto renueva los votos de Planet Mu, uno de los sellos mas interesantes del IDM (tanto hoy como hace 20 años.)

Disponible en Spotify
http://www.planet.mu/discography/ZIQ370

PD: Si al día de hoy no conoce el trabajo de Planet Mu, el mismisimo Mike Paradinas (µ-Ziq) ,en un articulo reciente ,escogió los 20 tracks mas representativos del sello.El link está a continuación:

http://www.dummymag.com/lists/planet-mu-20th-anniversary-best-tracks-according-to-mike-paradinas

FKA twigs – M3ll155X (revisión)

El último trabajo de la inglesa FKA twigs, M3II155X, a revisión por Álvaro Escanilla.

A los más puristas les podría llegar a molestar en cierto modo. Como el uso de los clásicos de Massive Attack para promocionar perfumería de diseñador (si, los mismos Massive Attack que se presentarán en Dismaland ). Pero dudo que el interés de FKA twigs y ese agradable trip hop/pop sea llevar a la “decadencia el estilo”, si no replantearlo de alguna u otra forma. FKA twigs es una artista pop para un público especial, selecto. Tal como lo puede ser Björk.

La comparación no viene a ser tan descabellada cuando tomamos en cuenta el último trabajo de ambas: “Vulnicure” y el que nos hace reunirnos hoy, “M3ll155X”. Ambos discos hacen una discusión de género potente y también comparten el hecho de que tanto la una como la otra, son difíciles de digerir. Pero en esta ocasión, al menos, me atendré a comentar lo que hace FKA twigs a través de “M3LL155X”.

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El trip hop no es el fin estético, sino un medio para relucir, para destacar y quién mejor que Tahliah para hacerlo. Si hay algo que es admirable de la artista es su conciencia de cuerpo, su calidad  psico física. En pocas palabras, su capacidad de  poder llevar a “materia corporal” lo que la música produce en los niveles más interiores. En este trabajo la inglesa, en una depurada mezcla de estilos (del pop al noise, del trip hop al industrial, siempre pasando por el R&B) se adentra a su lado más violento, sin perder elegancia. Una voz blanquecina, casi transparente, se logra oír entre el girar de diversos engranajes. Y a la vez logra perpetuar una crítica en torno a la violencia de género y como afecta internamente a la individuo.

Cinco son los temas que componen este potente epé que puedes encontrar en iTunes y también en Spotify. Circulando por internet también se encuentra este trabajo audiovisual; el disco completo hecho video. FKA twigs no ha descuidado ningún franco posible.

1,349,557 y contando.

Ænox – Synesthetic transmission (single)

Con este single Ænox se propone producir, a través del artificio sonoro, una respuesta o estímulo que pasa por la vista y lo emocional por el oído.

Por un sentido de comodidad, el ojo es el órgano que parece tener mayor cercanía a los estímulos. Aun así, siempre está en conflicto con la piel por ese puesto. En el cine, por ejemplo, se ha trabajado un efectismo a través de la percepción del color, como también el trabajo de las bandas sonoras. La tarea se hace difícil para quien quiera replicar algún sentimiento o emoción a través de un medio que no tenga relación directa con dichos órganos.

La sinestesia se traduce como el proceso psicológico en el cual la capacidad asociativa de un órgano sensitivo se enlaza con otro sentido. Esa es la tarea que se propone Aenox con “Synesthetic transmission.” Producir a través del artificio sonoro una respuesta o estímulo que pasa por la vista, y lo emocional por medio del oído.
El código binario –lenguaje críptico basado en dos formas (“0/ abierto” y 1 /cerrado”) y empleado particularmente para la traducción– se asemeja al respirar, proceso vital de dos movimientos “inhalar” y “exhalar”.

Lo que podría parecer una falacia, por ser una excepción tomada con pinzas, (entre otros movimientos o procesos duales) queda demostrado como un “posible” en “Synesthetic transmission”. Dos percepciones disimiles. Una intangible y que responde a una sucesión patronímica. La otra visible y rutinaria (y porqué no, patronímica también), se logran confundir en este cohabitar de 3:04, en donde cada loop realizado es el intento del tecnófobo, de asirse al ritmo. De asimilar el bucle. El desacierto o triunfo en el instante que él encuentra en el propio cuerpo, la maquina instalada. Violencia en el respirar que intentará volver al ritmo cotidiano y luego a la naturaleza (expresada en clave de trip hop). La eterna dicótomia de quien tira más fuerte cuando los procesos son cuestionados.

PRAYERS: Cholo Goth o algo que definitivamente tienes que conocer

PRAYERS son los pioneros del movimiento Cholo Goth

Si digo Cholo Goth fácilmente creerán que es una broma; que es un parafraseo peyorativo sacado de la boca de Donald Trump. Pero el término es inherente a Prayers y está sobre la mesa desde su anteriores referencias, aunque no es hasta su último trabajo “Young Gods” en donde vemos los frutos de esta propuesta.

El diccionario define cholo como quién es mestizo de indígena americano –raza blanca y que ha adoptado el modo de vida que impone la ciudad–. Por esencia el género rescata la tradición fronteriza “latino- chicana”, particularmente la cultura mortuoria de México en su estética oscura. Si lo queremos comparar con algo, es así como la mezcla de Crystal Castles y Madball.

Si, entre el rap, la electrónica (Glitch ácido) y el (post) hardcore con mucho doble pedal (en el track que le da el nombre al disco, por Travis Barker). El trabajo cuenta con letras potentes, cargadas de metáforas e identidad. El grito, tal como en los Beastie Boys, no entorpece el producto. Es una gran propuesta por parte de Rafael Reyes (A.K.A Leafar Seyer)Dave Parley, que ocupa a los estereotipos y su antítesis para deconstruir las tendencias urbanas actuales.

“Young Gods” está disponible en Spotify y Apple Music

Oh Maik – GEMS

Catorce piedras preciosas de Oh Maik

Recuerdo que la semana pasada –jueves en la tarde si la memoria no me falla– estaba en el estudio trabajando y en la radio (RinoceronteFM suena habitualmente) hacían un especial de la trayectoria de Madlib; sus variados “A.K.A’s”, sus trabajos con MF Doom, con Jay Dee, repasaron sus primeros discos con la Yesterday’s… un maravilloso tributo a uno de los productores más importantes de la música, que le dio continuidad a lo que había estado escuchando ese mismo día, justo después de comer; Oh Maik no es tan famoso como Madlib –desgraciadamente– y posiblemente no tenga la versatilidad del multi instrumentista de Oxnard (L.A), pero las pinceladas que nos deja en el grueso de este “GEMS” son sobresalientes.

“GEMS” (título del último álbum de Oh Maik) son catorce temas cargados de samples; conversaciones dementes, melodías y ritmos que salen desde la Roland SP-404 del chileno. No puedo dejar de comparar el trabajo de Oh Maik con el de Otis Jackson –el verdadero nombre de Madlib– ya que es evidente la influencia del californiano sobre el nivel de creación del joven productor santiaguino. ¿No me crees? Cierra los ojos, dale al play y escucha profundamente las catorce piedras preciosas que Oh Maik ha ido puliendo desde enero a marzo de este mismo año… para el disfrute de todos nosotros. Imprescindible.

Masterizado por Andrés Zelada – Arte de portada por PRIZA.

Mulafest 2015

Mulafest 2015 – Así lo vivimos

“El verano ya llegó, ya llegó, ya llegó y la fiesta comenzó, comenzó, comenzó”. En el festival Mulafest esta canción les ha calado hondo y para celebrar la entrada de la época estival, ha tenido lugar la última edición. Durante cuatro días (25, 26, 27 y 28 de junio) el recinto ferial IFEMA ha sido testigo de una enorme reunión de todo tipo de tendencias urbanas, disciplinas y artistas. Con una playa artificial, puestos de comida muuuy apetitosa y batallas de breakdance y beatbox, calistenia y slackline fue posible olvidarse del calor madrileño. Para los que prefirieron resguardarse dentro del pabellón, las opciones fueron múltiples y ninguna dejó indiferente: skate, parkour, circo, exhibiciones de motos, bicicletas y coches antiguos, graffiti, exposiciones de arte de todo tipo, puestos de objetos impresos en 3D, zona de tatuajes, ropa, crossfit, patinaje, bmx…¡la lista sigue, sigue y sigue!

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fotografía ©Steve Gullick

Por la noche las actuaciones en directo –cargaditas de ritmo– no decepcionaron en absoluto. Increíble el subidón de adrenalina inyectado por Jon Hopkins y de Undermad Special y los dj set de Evian Christ, 2Many Dj’s, Optimo [Espacio], John Talabot, Atica y Manu Vulcano.
No son pocos los nombres importantes: la incombustible DJ LadyFunk, el bboy Elihu, la ilustradora catalana Marina Capdevilla, el colectivo Boa Mistura, el escritor de graffiti SPHIR, los chicos y chicas (todos muy fuertes) de Barbarrio Street Workout, la firma Sicreet Clothing, galerías de arte como La Fiambrera y Swinton y estudios de tatuaje como Queen of Hearts, LCN, Face 2 Face, Kronos, Carlos Fabra o Rostro Tattoo, entre otros.

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¿Lo peor? Problemas técnicos con el sistema de pago a través de pulseras magnéticas, la cancelación de KLANGKARUSSELL y la ausencia de Raphaelle Standell-Preston, vocalista de Blue Hawaii.

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Ahora toca esperar al próximo festival e irnos preparando para ver qué nos traerá el Mulafest en 2016.
Texto Amanda Abella.

Review: The Mountain Goats – Beat the champ

Hasta este momento las críticas y reviews han obedecido a discos de una índole: electrónica; sin embargo, esta vez compartiré un disco que me parece a lo menos “interesante”, sin pertenecer al género ya mencionado.

The Mountain Goats – Beat the champ

Vía Merge Records (sello de Carolina del Norte, USA) la banda de indy –que se pasea cómodamente entre el folk rock y el spoken wordThe Mountain Goats edita este LP: “Beat The champ”.
No les mentiré. Aquí no hay innovaciones, ni vanguardismos, todo lo contrario (así que si andaba en busca eso, puede salir por donde entró). Este disco goza de sencillez desde el primer track hasta el último, con excepción de uno que otro sintetizador que aparece.

Su “importancia” radica en  el trabajo investigativo. Un trabajo documental. El proyecto está basado en el mundo de la lucha libre; si queremos hilar más a fondo, en términos de historia, fueron los gringos quien llevaron hace aproximadamente ochenta años la lucha libre a tierras mexicanas. (*Wrestling , en inglés.)
Sin embargo, los mexicanos deconstruyeron el show a partir de los símbolos más sobresalientes y representativos de su cultura, apropiándose por completo del “deporte espectáculo”.

Este disco rescata ese mundo: las guerras morales que dividen al público entre “rudos” (heel) y “técnicos” (face), la herencia familiar, las infaltables máscaras, el desgaste del viaje de carretera. En otras palabras, este disco es una recopilación de crónicas musicalizadas. 

Respecto a los matices, no hay ningún “sillazo a la cabeza” o “machetazo al pecho”, lo que encontraremos serán apacibles conversaciones que suceden en la cabeza de quien camina hacia el ring.

El disco se encuentra disponible en iTunes y puedes escucharlo a través de Spotify.

BET AWARDS 2015

Los mejores momentos de los BET AWARDS 2015

Antes de ayer tuvo lugar la entrega anual de los célebres premios en la música negra, BET AWARDS.

Empezamos una recopilación de los mejores momentos de la gala con la estrella de la noche, ya que salió en varias ocasiones con otros artistas. Estoy hablando de Chris Brown que se presentó con Tyga , dejando en llamas la sala con “Ayo” y, como de costumbre, con los bailes de Breezy.

En lo personal voy a destacar la presentación de Ciara, mostrando todo su talento en el baile y dando unos de los mejores tributos a la queen Janet Jackson. También en este honor al baile de la estrella salió Jason Derulo y Tinashe y premiaron a Janet Jackson con The Ultimate Icon. (puedes ver el vídeo aquí)

Otra presentación buena, trayéndonos buenos recuerdos, fue la actuación de Puff Daddy and The Family, tocando los mejores hits de los 90, dando una presentación muy completa, 112, Ma$e, Faith Evans, Lil Kim y un recuerdo al fallecido Notorious BIG fue lo más destacado del show de Diddy y los suyos.

Después salió de nuevo Chris Brown acompañando a la talentosa Nicki Minaj que nos dejó a todos sentados con su técnica al rapear; también la acompañó en el escenario su actual pareja, el rapero Meek Mill, cantando “All Eyes”. Haz clic aquí para ver la actuación.

Otra actuación que tuvo buena acogida fue la de Big Sean , dando nota alta en las tomas audiovisuales y finalizando con el gran hit “I Don’t Fuck With You” dejando la sala del revés.

Y para finalizar Rihanna mostró un minuto de su nuevo video “Bitch Better have my money” que este jueves saldrá completo, dejándonos con intriga.

Sónar 2015 Barcelona

Sónar 2015 – Así lo vivimos

El festival barcelonés Sónar acababa el pasado domingo su 22º edición con un total de casi 119.000 visitas y el doble de personas siguiendo en streaming los conciertos que se ofrecían tanto de día como de noche. Más allá de la intensiva programación encabezada por nombres como FKA Twigs, Skrillex, Chemical Brothers, A$AP Rocky o Laurent Garnier(no se puede ir a todo, aunque se intente), el Sónar se consolida un año más como el espacio perfecto para la comunión entre creatividad y tecnología que revela el papel fundamental del festival tras más de 20 años como todo un emblema de la Ciudad Condal. Se puede decir que la unión entre música y tecnología digital ha dado sus frutos a la perfección, con fiesta y gamberrismo (actuaciones como las de Die Antwoord, Skrillex o los nuevos chicos de moda, Pxxr Gvng) a la vez que con innovación y calidad en la puesta en escena (Arca, Evian Christ o Zebra Katz).

Arca © Ariel Martini
Arca © Ariel Martini

Hacer un recorrido por todas las actuaciones que pudimos ver por nuestro paso en el festival es imposible, ya que todo sucedió demasiado rápido, en apenas dos días se amontonan de manera desordenada imágenes mentales de aquellos momentos imborrables de esta edición del Sónarpasando por la electrónica de masas en la que no duramos ni diez minutos de Skrillex, la sorpresa del live de Gramatik , las mutaciones del hip hop de Flying Lotus o  la hipnotizante actuación de FKA Twigs.

FKA Twigs © Fernando Schlaepfer
FKA Twigs © Fernando Schlaepfer

Lo mejor del viernes: Hudson Mohawke, que presentaba su recentísimo segundo trabajo “Lantern”. Hot Chip, Tiga, Jamie xx, la espectacular puesta en escena de A$AP Rocky junto a A$AP Nast, la versatilidad de SALVA y el hit trás hit que se marcó RL Grime.

Lo mejor del sábado: me sorprendió el gran directo que Henrik Schwarz dio para clausurar la última jornada diurna, camaleónico y súper entregado con todos los que estábamos allí tostándonos al sol del Village. El momentazo en el Red Bull venía patrocinado por Skepta y JME, que dejaron claro que este año son imbatibles; la soberbia FKA Twigs, que nos tuvo con los pelos de punta durante toda su actuación; Cashmere Cat, Flying Lotus, la sesionaza de Annie Mac, la actuación de los chicos pobres Pxxr Gvng con cámara, go pro y atrezzo incluido y la traca de Dj Sliink al final de la noche para irnos a casa bien despiertos.

¿Lo peor del Sónar? El show de Skrillex (que sigue obcecado en lo suyo, aunque sorprendentemente todavía existan muchos que no se hayan cansado) repitiendo temas, metiendo serrucho a diestro y siniestro y con una selección que dejó bastante que desear. No obstante, el 56% del público ha sido de procedencia internacional, mientras que el 44% ha llegado de ciudades españolas.

El año que viene la cita tendrá lugar los días 16, 17 y 18 de junio. Como novedad, el Sónar desembarcará en Bogotá el 7 de diciembre  y en Santiago (Chile) el 5 de diciembre. Los organizadores ya han avanzado que en ambas ediciones están confirmadas las actuaciones de The Chemical Brothers, Hot Chip, Brodinski, Recondite, Evian Christ y Pional por el momento.

Nos vemos en el próximo Sónar.

A$AP Rocky © Fernando Schlaepfer
A$AP Rocky © Fernando Schlaepfer
Hudson Mohake © Fernando Schlaepfer
Hudson Mohake © Fernando Schlaepfer
Tiga © Bianca Devilar
Tiga © Bianca Devilar

Probando la “Nave afrodita” de Alisú

Modismo nos deja su última entrega, perteneciente a Alisú, bajo el título “Nave Afrodita* “.  El proyecto es un EP que consta de cinco tracks (tres originales; los otros dos son remixes por cuenta de Blit y Jack plug, respectivamente).

Si bien cada composición está bien lograda, no pasa de ser un disco plano. Resaltan los sonidos ásperos pero caen en tautologías. Ambos remixes siguen la línea del disco (lo cual se agradece) destacando por los quiebres logrados. Mención especial al segundo track “Paisaje sideral”, que exacerba la sensación de extrañamiento en donde la batería y el sintetizador nunca chocan. Los tiempos independientes conversan.

Parece un EP prematuro, apurado. Hay conocimiento y calidad pero no está bien ejecutado. La nave nació como modelo, sin pasar por los planos*.

Dark Jovian de Amon Tobin: exploración sobre cuerpos flotantes

Amon Adonai Santos de Araújo Tobin es la cara del trip hop latinoamericano “per se” (aunque  si hacemos una búsqueda más detallada el trip hop no pasa mas allá de 4 referentes mundiales)

Una exitosa carrera de productor que lo ha llevado a trabajar en proyectos visionarios como ISAM (el que sigue dejando huellas hasta el día de hoy y que puede conversar cómodamente con el “Live 3D” de Flying Lotus o las puestas en escena de Ryoji Ikeda) y su participación en barcos como Pepping Tom (junto a Mike Patton y Razhel, entre otros). Amon Tobin es un referente, pese a quien le pese.

AmonTobin-DarkJovian

Hace algunos días salió  su esperada nueva referencia “Dark Jovian”. Lo que se sabía – aparte de una mesurada estética en donde solo resaltaba una tipografía simple y negra sobre un fondo blanco – es que este disco intentaría simular la sensación “de estar en el espacio exterior”. Una tarea para nada fácil: presupone entender la música o el sonido como una onda que viaja por un espacio determinado. Saber que el sonido se estira, se refracta. Lo que parece “física  para principiantes”, no es algo que todos los artistas de electrónica tienen integrado en su plan de trabajo – más allá de subidas y drops -. Y para no ser tan injusto, no todos los músicos lo recuerdan.

Este disco si bien no logra su cometido a cabalidad, es un lujo auditivo. Sintetizadores  que canalizan la  tensión de violines disipados, voces que se pierden, el vacío como fuerza que aprieta los cristales, proyección de las naves, cavidades rocosas: todos ingredientes, pero creo que faltó lo fundamental (y que pudimos ver en películas como Gravity. El silencio incómodo, ensordecedor. Hay una frase muy bella que dice “si el planeta explota, lo hará en silencio”, pues se mezclaría con un todo.
Los sintetizadores se alargaron a mas no poder. Se doblaron, mutaron. La incertidumbre de “odisea en el espacio” de Kubrick en su máximo esplendor, sin embargo, nunca hubo un instante de silencio que desesperara y llenara de arrepentimientos, de ganas de asirse a un suelo o de volver a la nave.

Pasando por alto ese punto, se puede decir que es un disco de “exploración de cuerpos flotantes”. Es un disco altamente recomendable, que recalca la expertise de un referente musical.

JUNGLE + Dj Kim Ann Foxman en Chile (revisión)

Puntualidad inglesa para el show de los Londres (Inglaterra) en Santiago (Chile). A las 23:30 de la noche, tal como habían anunciado en el horario los organizadores del show, subían al escenario Josh Lloyd-Watson y Tom McFarland, los fundadores de JUNGLE, junto al resto de la banda que acompañaban a los dos amigos.

© rutarock.com
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Con solo dos años de formación como grupo – aunque los dos fundadores se conocen desde su niñez – nos dejaron a todos con una sonrisa enorme en la cara. El público que asistió (la sala estaba completamente llena) disfrutamos de un show perfecto. Había momentos que dudábamos de que el sonido fuera en directo, por la gran calidad de los ingleses, aunque solo había que mirar la dedicación de todos los integrantes del grupo (incluso mirar al encargado de la mesa de mezclas era entretenido).

© rutarock.com
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JUNGLE contagió de su funk toda la sala y nos traspasó a todos la energía positiva que desprende su disco homónimo. Temas como “The Heat”, “Busy Earnin'” “Platoon” o “Julia” ya son clásicos, en menos de un año desde su salida, y fueron los temas que más prendieron la sala cuando todos lo necesitábamos.
Teclados, baterías, guitarras, voces… un directo impresionante para una de las bandas más preparadas y con experiencia que he tenido la suerte de ver en lo que va de año.

El post-show, con una sesión cargada de house y de ritmos pegadizos por parte de Kim Ann Foxman, nos hizo vibrar hasta altas horas de la noche… fueron las piernas y sobre todo el estómago, los que nos avisaban de que ya era hora para comer algo y descansar después de una noche notable gracias a los chicos de Club FAUNA.

Ciclo S.U.E.N.A. – Temples (revisión)

El ya reconocido Ciclo S.U.E.N.A tuvo su primera fecha de este año en manos de Temples. Los oriundos de Inglaterra hicieron su debut en nuestro país con una Ex-Oz que colmaba su capacidad. A eso de las 23:45 se dio inicio a un show breve y calmado con el sonido de “Sun Structures”, canción que lleva el nombre de su álbum lanzado el 2014 para proseguir con una lista de once temas.

Los nuevos exponentes de la denominada neo-psicodelia suenan y lucen mas cercanos al rock glam alternativo. Desde el inicio se pudieron sentir problemas de sonido, acoples y desajustes en el volumen de voces e instrumentos, sin embargo se notaba un público emocionado, mucha “fanaticada” en las primeras filas que coreó cada unas de las canciones. Fue una presentación relajada, James Bagshaw, vocalista y fundador de la banda, estuvo correcto pero no despampanante sin embargo, se agradece que a pesar de los desperfectos, la banda dejó esa sensación de estar partiendo y ser capaces de lucirse también en la improvisación como lo hicieron con “Mesmerise” para finalizar la velada.

También manifestaron, a pesar de no hablar una pisca de español, su alegría por visitar nuestro país y sin duda dejaron a gran numero de asistentes curiosos por conocer que nos tiene deparado Temples en un futuro. Son un buen elemento, tienen muy buenos temas, esperemos que su desplante en vivo mejore con la trayectoria como suele pasar.

Imagen Futuro.cl

Brunch Electronik Barcelona #5 – Bonobo + Clip! (live) + Pedro Vian

El pasado domingo 10 de mayo volvía al Poble Espanyol de Barcelona la mejor fiesta que puedes encontrarte un domingo en la Ciudad Condal: Brunch Electronik, propuesta que por segundo año congrega la mejor música, gastronomía y cultura en un ambiente excepcional.

PORTADA

Tras las últimas cuatro ediciones, el quinto Brunch se preveía apoteósico. El sold out (sin posibilidad de acceder al recinto comprando in situ tickets) merecía la ocasión: el británico Bonobo era el mayor reclamo del penúltimo Brunch, en el que participaban también los nacionales Pedro Vian para ir abriendo boca y Clip! (ambos confirmados para el Sónar Festival) calentando la Plaza Mayor para el dj set de Bonobo.

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A las 16h Pedro Vian arrancaba con un repertorio muy variado: boogie, italo disco, chicago house que entraba solo en las primeras horas de la tarde. Le siguió Clip! con un live curradísimo que compenetró a la perfección con el público, consiguiendo una comunión perfecta entre los asistentes y las ansias de disfrutar del tercer y último invitado; Bonobo, cediéndole en bandeja la pista en todo su explendor: todos los presentes disfrutamos de la clase del británico en una de las sesiones más exquisitas del Brunch 2015 por la que desfilaron ritmos 2 step, himnos de la bass music más actual y mucho new-house para una sesión que nos dejó con ganas de seguir la fiesta. Pero ya tocaba irse casa.

A todos los que tengan claro que los domingos de manta y peli, libros o siestas infinitas han pasado a mejor vida, la mejor opción sin duda se encuentra en el Brunch Electronik, encargado de amenizar con un plan alternativo los domingos primaverales que preceden a la época de festivales veraniegos desde hace dos meses, y cuyo último Brunch no deberías perderte el próximo 24 de mayo con The Hacker, Joris Delacroix, Akufen y Pedro Bucarelli.

Puedes conseguir tus entradas aquí

Fotografías por Astrid Bosch Miskovic.

“Fated” de Nosaj Thing: el suelo que roza las ampolletas

Nosaj Thing, chapa de Jason Chung, no había presentado bloque o cuerpo de unidades (álbum) desde “Home” (en 2013). Aquel album destacaba por sus percusiones (golpes concetrados, rebotes) y la conversación profusa que mantenían con los ambientes, que sorprendían con saltos y cambios “inesperados”.

No hubo descanso: RedBull Music Academy, el mismo año del lanzamiento de su último trabajo, colaboraciones con Kendrick Lamar o Chanche the Rapper, una larga  lista de remixes… todo hasta llegar al track protagonizado por Chance the Rapper, quien se repetía el plato, y daba un indicio de lo que sería la nueva entrega: “Fated”, a salir por los sellos Innovative Leisure y Timetable. Su debut en ambos.

Adentrándose en el disco, sorprende como ha ido de menos a más, ocupando precisamente la técnica inversa: sin saturar cada canción con un compendio de pliegues y sonidos. Las baterías están reposadas, ya no hay gritos entre un lado y otro del enlace. Ojo: en el contexto de los discos anteriores, esa saturación no lograba cansar, pero se notaba una incomodidad. En “Fated” destaca una onda expansiva: vibraciones graves y agudas a ras de suelo que parecen ser ejecutadas por haber subido el pitch, pero que no responden al hecho. Suenan con absoluta naturalidad (a destacar en este terreno el track “Phase IV” y “Let you”. )

A pesar de ser un disco “a ras”, no se pierde la característica particular de Nosaj Thing, la influencia de los “halógenos”, la luz. Vocales disfrazados de sintetizadores y viceversa. Golazo del californiano. Absolutamente recomendado. (disponible en iTunes, Spotify y Bandcamp)

Lustmore de Lapalux – Replanteamiento de un espacio

Había estado ausente por un resfrío mal cuidado está última semana, pero he vuelto. Hace algunos días el sello de FlyLO “Brainfeeder” dejaba caer una bomba. Y no es para menos. Es el segundo LP del ya re conocido productor Lapalux (diminutivo de Lap of Luxury) y créanme, es un discazo.

Miembro activo de sellos como Brainfeeder y Ninjatune (¿se puede dudar de su calidad todavía?) Stuart Howard (nombre al que responde a su madre), se había dado a conocer mediante una serie de exitosos singles, EPs y el fundamental “Nostalchic”. Camino lógico para llegar a un discazo como “LUSTMORE”.

Una hermosa portada que nos recuerda el desastroso pasar que ha dejado el huracán Kusama en Chile, y lo fácil que es prostituir un signo (prostitución que se ha hecho por ambos lados… pero eso es otro cuento)

El disco, como bien dice el título de la reseña, es un replanteamiento del espacio, constante. Lapalux nos tiene acostumbrado a trabajadas texturas, sin embargo no es allí en donde concentra sus fuerzas en esta entrega. La metáfora del espejo en la portada se traduce en una liquidez en los sintetizadores que no abandona. Misma liquidez que acompaña a las vibraciones en las vocales y colaboraciones (Szjerdene & Andreya Triana). Hay un constante movimiento. Una caja llena de resortes de juguete (bajo el agua), en donde en cada movimiento o vaivén se estiran: en todas direcciones, sin perder sutileza. Hay un paneo, hay una conciencia de rebote.

Un disco que puede parecer “sin alteraciones”, exceptuando el crudo “Make Money” en “Midnight peelers” vimos un adelanto de esta crudeza, la única toma de aire dentro del disco, que se sumerge hasta lo más profundo -en un temazo como “Funny games”-. Sin embargo es en “Make Money” donde el disco desentona. Parece más una muestra de habilidades que la continuación del plano argumental.

A pesar del desentono de un track, es un disco absolutamente recomendado. No solo por la calidad, sino también porque hay que seguir los pasos de Lapalux, quien cada cierto tiempo saca joyas como esta.

L-Vis 1990 en Santiago de Chile gracias a Satta Project

Fuimos a ver a L-vis 1990, y nos incendió la mente a punta de frecuencias frescas. Una semana después, y ya pasada la efervescencia mental, vamos a describir un poco lo que nos pareció esta velada inolvidable para quien les escribe.

Todas las imágenes, cortesía de Satta Project.
Me disculparán los lectores de otras partes del mundo pero mi enfoque en Chile pasa, principalmente, por que es el lugar donde resido y segundo, porque poco a poco hemos ido tomando la fuerza e influencias desde afuera.
No quiero extenderme demasiado, pero estuvimos marginados muchos años de nuestra existencia. Desde la distancia material -hablo de los kilómetros- hasta la distancia psicológica-emocional gestada por la dictadura militar.
Cerrados de mente, aunque no parezcan tanto, los chilenos han empezado a abrir su mente. Y el ejemplo insigne puede ser las aventuras que genera Satta Project como una productora de eventos que acerca lo mejor de la música electrónica a Sudamérica.

Comenzaba la noche Vincenzo Dupré: el también director de Zen Label y padre mental de su alter ego, Prone, comenzaba un warm-up a punta de footwork. El primer gran guiño a la noche, sobre apertura musical y cultural, reventando las bocinas con guiños desde TekLife hasta su crew, Repotrax.

A continuación, el turno de uno de los dj’s con más trayectoria en nuestro país; el también productor se lució con un set cálido y tranquilo basado en el house y el garage. Dj Raff funciona como un acto cumplidor y efectivo, con una lectura correcta del público, que a ratos parecía mucho más sediento de rítmicas lentas, con un límite en los 125 BPMS. Debo recalcar, sin mucho énfasis, que extrañé esas fases donde se sitúa en el espectro más cercano al trap y los discursos nu black music. Pero eso, lo entiendo y lo explicaré en unos párrafos más adelante…

Subía al escenario el también fundador de Night Slugs (sello inglés que tiene pillado por los huevos al universo club music), L-Vis 1990, que, presentándose por primera vez en Chile, me tenía con una inquietud única.

Con un arranque apacible, dejó caer algo de su selección digital más fructífera; a ratos muy ilustrado, pues quiso abarcar muchos géneros en poco tiempo, dejó caer house, techno tanto alemán como algo más francés (que se distancia uno del otro en velocidades y durezas), soltó bombas muy propias de su trabajo y el de sus colegas de sello y para terminar, jersey club, trap y dancehall UK y hasta reggaeton.

Su lectura del público, la interacción y el contacto fue un poco más esquiva de la que hemos podido presenciar en Daedelus o tras el paso de su colega Bok Bok en Chile.
Algo más reservado y con una astucia que, imagino, debe suceder en la mente de un productor que además es un head hunter por excelencia. Se movió poco pero incendió el local.

Y lo del house que mencionaba con Dj Raff, lo retomo ahora: si subió alrededor de las 2:30 AM, a eso de las 3:30 mientras estaba a tope del techno y el naif sound, se notó como una de las horas más encendidas… pero cuando se pasó al sonido más “identitario” del ADN Night Slugs / Fade To Mind, la gente no entendió mucho.

¿Cómo que no lo entendió?


El que no baila este tema, no tiene alma.

Fuimos apenas un puñado, quienes estuvimos a tope cantando “Lifestyle” de Rich Gang o la versión del “CoCo” que se lanzó.

Una presentación soberbia, un público que esperaba más dance music que nuevas tendencias y una pista que a eso de las 3:50, cuando L-vis no pensaba en bajarse, poco a poco se marchaba. Una lástima, pues la última parte tuvo todo lo necesario para entender que está sucediendo realmente dentro de las pistas de baile a nivel internacional y donde, nuevamente, parecemos aislarnos en una burbuja mental de elecciones involuntarias y snobismo.

Me disculpan con Inti Kunza y el B2B que iba a realizar junto a D.Parra, pero me tenía que ir al trabajo… y luego no de haber dormido, canté el coro casi cacofónico de “Lifestyle”, hasta que no pude más.

No pongan a cerrar al Inti Kunza, sus DJ-sets son los mejores que he podido oír, pero ese horario de close-up, me caga la onda un poco.
Gracias Satta, por traer al culo del mundo uno de los actos más necesarios para interpretar la vanguardia más allá que del internet y el Soundcloud.

Primera edición del MBC Fest: necesita mejorar

Pocas veces durante la vigencia de un festival (sobre todo si se trata de una primera edición) se ha garantizado la continuidad del mismo, antes de cerrar su primera edición, después de la controversia en la que el festival saguntino se ha visto implicado. Cambios de localización al principio, la caída de nombres del cartel (muchos no perdonan el atropello a Levon Vincent en el line up) sin noticias por parte de la organización o la cancelación a última hora de Yuksek, el viernes a escasas horas de su actuación, no presagiaban un buen comienzo de la primera edición de este festival celebrado en el Puerto de Sagunto, Valencia (España) los días 3, 4 y 5 de abril.

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Pero tras haber estimado una cifra total de asistentes de 12.000 personas, la satisfacción de la organización con los resultados del evento les ha llevado a revalidar el interés en realizar una segunda edición en 2016. Ríos de tinta se habían vertido acerca del MBC y de su primera edición, algo convulsa en materia organizativa, como venimos comentando con el cambio de recinto y la posterior vuelta a su ubicación original que parecen ser uno de los golpes más duros al festival, materializado en la inesperada poca afluencia de asistentes.

La localización de los escenarios donde se asentaba el festival (en los alrededores del Alto Horno nº 2 en el Puerto de Sagunto) era tan grande -a veces incluso demasiada en relación al público asistente- y acogedora que podías moverte con absoluta tranquilidad de un lado a otro sin ningún problema… lo que propiciaba un panorama desolador que, conforme avanzaba el festival, fue a mejor en algunos directos.

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Aunque los problemas con la localización han dejado menos visitantes de los esperados, el MBC ha salvado más de la mitad de los muebles y consolida la cita con la cerveza Turia (gratis), muchas bebidas y WiFi en el área prensa; Future Islands (Viva Sam Hearring), el porte de La Roux, los colegas que conocimos en la zona de prensa, Mumbai Science y sus tejemanejes en las mezclas, la buena puntualidad en los horarios de los conciertos, el esperadísimo set de Qwert, los controles de acceso correctos (en otros festivales creen que somos terroristas, gracias MBC); Wilkinson, la clase de Edu Imbernon, unos amigos perdieron sus móviles y aparecieron días después, las colas de baño/acceso/adquisición tiques muy correctas (en parte porque éramos cuatro), las pizzas salvadoras de la zona de comidas y el bar de enfrente con cubatas a 3€ entre lo más destacado. El resto se queda en el Puerto.

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A pesar de la superpoblación de festivales en la Comunidad Valenciana, se agradecen las propuestas que se proyectan con la intención de ser diferentes. Pero en líneas generales el MBC necesita mejorar y mucho (destacar el aspecto de la limpieza. No habían casi contenedores y ni hablemos de reciclaje y la tibia acogida a la parte de diseño y artes escénicas que conformaba una de las bazas del MBC Fest). Esperamos que el año que viene progrese adecuadamente.

Lo que si pediría es una plataforma para extinguir al refrito de dj’s de “electrónica” que se dedican a ofrecer sets verbena por los festivales nacionales, con la bandera de estar creados para un público más “adulto y culto”… bitch please.

De cara a la próxima edición esperamos que las segundas partes sí sean buenas (o por lo menos mejores).

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Fotografías de: Hara Hamoros

Afrontar el bucle: Revisión al último trabajo de Tonossepia

A Tonossepia lo escuché por primera vez en el compilado “Dilema en serie”, lanzado por el sello nacional Dilema Industria en el 2009. Nombro este VV.AA porque generó notoriedad instantánea por la variedad de estéticas y estilos que convergían. Recuerdo a CAF, Terciopelo de Esquizoofrenia, Dadalú, Antioch ,Kinetica, Bronkoyotte, entre otros. Me llamó mucho la atención. Uno de mis eternos pendientes.

Luego de un tiempo, le perdí la huella armada por una gran cantidad de singles, hasta saber que trabajaba en otros sellos de la fauna nacional, como ModismoDiscospegaos. El último, sello donde lanza su nueva referencia , “Amordisco EP“.

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“Amordisco”, es un EP compuesto de 3 tracks; comienza lleno de armonía, junto a un ambiente que se presta para la introspección. Poco a poco la melodía -que presenta pocas variaciones- se transforma en un loop “monótono” a secas (en un principio, a diferencia del sintetizador base). El “minimalism” aquí impreso (que queda en mayor evidencia en el track Amordisco), parece una traducción de los estados de ánimos, los mismos que se asemejan a un bucle eterno.

Un house sincero que aun así, no pierde frescura: Consciente del loop y la resiliencia.
La descarga está disponible a través de la página del sello, haciendo clic aquí.

Canblaster & Lido presentan SuperSpeed EP (Pelican Fly)

Dos nombres que quizás a muchos no les suenen pero, puedo asegurarlo, en unos dos o tres años, estos dos jóvenes productores van a estar detrás de muchísimos proyectos gigantes dentro de la industria musical, y esto es apenas un entremés para el talento que nos depara presenciar en los años venideros.

Pelican Fly (Lido y Canblaster) son, en realidad, una ecuación que nada tiene que ver con lo que pregono… dos nombres que a muchos no le sonarán a gente muy importante, pero están tremendamente equivocados y denme la chance de hacerlos entrar en razón (o mejor dicho mi razón):

La historia podría comenzar con Lido, joven productor noruego que, tras este remix que sacó de Yung Lean, reventó rápidamente dentro del Soundcloud, generando mucha pero mucha expectación.

Su carrera siguió un curso abismal. El chico sin tener siquiera un EP bajo el brazo, y con solo un par de remixes, llamó la atención de todo el mundo. Rebosa de melodías y progresiones bien construidas, además de preciosos arreglos que transforman sus beats en verdaderas orquestaciones de VST’s y sintetizadores.

Pelican Fly es el sello que maneja DJ Slow, también noruego. Un sello con un feedback más o menos importante pero donde nuestro protagonista se quedó corto.

Mad Decent se volvió loco con el sonido de Lido. Mientras Cashmere Cat o Hoodboi daban vueltas en el sonido del jersey club, a punta de acordes souleros y muchísima belleza en clave r&b, Lido dejaba salir su talento… el chico no tan solo produce excepcionalmente bien, si no que además es músico multi-instrumentista y desde muy pequeño, lo que se nota en sus producciones.

Vino el hype, las invitaciones a “Diplo & Friends”, se liberó el EP que todos los medios especializados publicaron (I Love You EP, 2014, Pelican Fly) y para colmo… Trippy Turtle, su alter-ego, creció gigantescamente. Con Mad Decent -que, recordemos, es el sello de Diplo– fichando sus tracks.

Y por el otro lado…

Canblaster es un francés jovencísimo y excepcional: además de su “side project” junto a otros talentosos como es Club Cheval, ha disparado tema tras tema y producción tras producción, sencillamente, puras bombas.

Y con una experiencia en sus espaldas gigantesca, pues… digamos que se reunió junto a Lido a armar este EP, a través del sello que vió crecer al primero.

La ecuación empieza a esbozar detalles jocosos. El video que les dejo, muestra un poco de como se produjo el disco. Ambos en un estudio, saliendo de la tradicional manera de concebir la música electrónica hoy por hoy. Como bedroom producers, los dos facturan uno de los EP’s más severos y originales del año.
Me atrevo a decir que tanto Lido como Canblaster no son músicos masivos, pero sin duda alguna, es música de productores para productores; es decir, sus creaciones alteran la concepción sobre música de otros creadores y eso los convierte en una influencia muy dañina para la música, en su sentido más bondadoso.

No quiero extenderme mucho más, pero por favor, no dejen pasar esta gran oportunidad que significa para la música, la reunión de un representante absoluto de la escena francesa que, poco a poco, ha podido borrar el estigma que significó la etiqueta french house o Ed Banger Records, para dar paso a un sonido atractivo y aún más, de Pelican Fly como un sello tremendamente potente y un Lido… que cuando se pone detrás del Rhodes o un Talk Box, parece sacarle humo a todo.

EP FUNDAMENTAL DEL AÑO:

Conversatorio: Lo último de Death Grips y también Shlohmo

Hay ejercicios que se hacen de forma inconsciente. Uno de ellos, por ejemplo, es hacer una “conversación” entre los discos que se tienen en el reproductor (sea cual sea). Quizás para mantener el “mood” o al contrario, hacer que este mismo, tenga matices.

En este mismo momento hay dos discos recién salidos del horno que conviven. Y no por que el nombre de las canciones de uno (por ejemplo, “Buried“), sean las razones que arrastran consecuencias en los títulos del otro disco (“Break Mirrors With My Face In The United States”). Hablo de “Dark Red” del productor de electrónica conocido como Shlohmo, y por el otro lado “JENNY DEATH” del trío experimental Death Grips. Ambos, de California, USA. Y por lo que veremos, su relación no solo es geográfica (una coincidencia). Ambos comparten una estética polimorfa que no se desgasta.

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Shlohmo – Dark Red

Se dice que lo que toca Shlohmo lo transforma en oro. El fundador del colectivo Wedidit, que nos tenía acostumbrados a ese mood que se alejaba tímidamente del trap (Out of hand de Laid out, por ejemplo o también un Empty pools) en una muestra mas de su madurez musical ha cambiado o endureciendo su sonido.

Ahora… simplemente suena como una banda de post rock, por sí solo.

“Dark Red” está compuesto de 11 tracks: Sintetizadores amargos y dulces. Guitarras distorsionadas y baterias de trap. Este disco, esta referencia, está hecha para tensionar la tristeza. Prueba de ello son los sintetizadores que complejizan la espera de los hi-hats. Un disco que llena de impaciencia y de sudor en las manos. No mira hacia atrás a sus compañeros con desdén, al contrario, sabe que en una variedad selecta, está la proporción fundamental. Su calidad es incuestionable.

Como dato: El streaming de este disco fue subido oficialmente por el New York Times.

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Death Grips -Jenny Death

Saltándose las múltiples anécdotas que se pueden contar de la banda, su sonido no te deja indiferente. O te llama la atención de una forma o de otra. Luego de anunciar su separación en el 2014, aparecieron con dos nuevos trabajos. El primero “Fashion Week”, disco que contenía el acróstico “JENNY DEATH WHEN”. Una clara alusión a una continuidad, la misma que acaba en esta última referencia: “Jenny Death”.

Baterias violentas y cortopunzantes. Sintetizadores que asemejan movimientos de autos de carrera. Una voz estridente, la de mc Ride, que se asemeja a un cavernícola fuera de su época. Este disco no solo es influencia la electrónica, no solo suena a “noise rap”, Death Grips se quiere desmarcarse y encontrar sus propios parámetros.

Hay mezclas que siempre debieron ir homogéneas. Ambos discos muy recomendados.

Sonarán los resortes – Feeling Hot de Marvin Marlyn

Marvin Marlyn hace años dejó de ser un rookie. Se afianzó en una empresa arriesgada llamada Future Frequencies junto a Unek, pero su camino ya estaba trazado. Hablo de su incursión en el sello dominicano Stereoptico, casa de dónde saca su última referencia.

Un trabajo  maduro que no solo mezcla g-funk con electrónica (marca de fábrica), sus acercamientos a un hip hop mas fresco mas trap y al jersey club es muestra de que está hecho para sonar HOY. Lo anterior queda claro en los cuatro tracks que componen este EP. Festín de vibraciones que parecen interminables, como la percepción del instante mismo.

El trabajo está disponible para descarga gratuita en la página del sello, haciendo clic aquí.

No hay excusa que valga: Review a “Girls Alive”

El 22 de marzo pasado, la gente de Modismo, un record label radicado en Chile, liberó su más reciente referencia “Girls Alive”. Un recopilatorio de VV.AA desorbitante, elaborado con la “excusa” de conmemorar y celebrar el Día Internacional de la Mujer.

Texturas depuradas, líquido en la superficie de las baterías, sintetizadores para todos los gustos, violines dignos de la orquesta con la que Portishead tocó en el 98 en NY. Por donde se mire, este lanzamiento no solo reafirma la importancia de un sello como Modismo en el quehacer de la electrónica chilena, también consolida la calidad e importancia de las productoras a nivel mundial.

1-Si me preguntan, veo innecesario buscar una excusa como un día particular para reunir tamaña calidad sonora.
2-Se agradece y se valora que lo hayan hecho.

El disco está disponible y gratuito por la página del sello. Puedes descargar haciendo clic aquí.

“¿Que tienes que hacer hoy? Quiero decirte algo” – Revisión de “Small talk” de MNEK

El EP debut de MNEK no deja a nadie indiferente. Después de una nominación a los Grammy y de aportar, tanto en los coros como con una letra, en el último disco de Madonna, el inglés Uzo Emenike no tenía espacio para errores.

“Small talk” tiene un sonido que se pasea grata y cómodamente por el r&b y el house (con bombos y claps muy marcados), con algunos pasajes de soul (como en Suddenly, por ejemplo). Aunque suene vacío, banal, este es un disco de hits, sin ser un “greatest hits” (o de “grandes exitos”). Veintitrés minutos de ritmos totalmente coloridos.

El dueño de una estética “neo ochentera”, MNEK, consigue un debut perfecto con esta, su primera referencia. Un disco pensado de principio a fin. Canciones  como  “Wrote a song about you” o “Every little word” dan cuenta de un juego de matices y luz; un espacio físico que le da un contexto y sentido a esa pequeña charla de la que somos advertidos en el título. Muy recomendado.

Blit – Doria o cómo abordar un disco esférico

Conocí  el trabajo de Blit hace algunos años con su  referencia llamada “Con tutti pa ti”. En ella convergían tres aspectos independientes, lo que me llamó mucho la atención: la portada, el sonido y el nombre.

Fuera de lo que puede ser una obviedad, en ese disco los tres aspectos no tenían que ver el uno con el otro. Una portada que pudo haber sido sacada de un vídeo en stop motion, con cierto aire a ternura e inocencia; el nombre que tiene un ritmo inherente. Una comodidad reflejada en el lenguaje, el mismo que se emplea con alguien cercano; Y por otro lado, esa “suciedad”  o “violencia” que acompañan a los 11 tracks.

OJO. La independencia de aspectos nunca lo vi como algo negativo. Es más, nunca pensé que  no haya sido intencional. ¿No es acaso “desligarse del mensaje” cuando alguien tararea una canción que escuchó alguna vez? Es ese “desligue” el que queda en la memoria. Misión cumplida. Dubstep, atisbos de hip-hop, hasta de neurofunk. Era la primera vez que oía a Blit y de seguro tenía mucho  más que decir.

Ahora, el tema que nos convoca. “Doria“(Discos Pegaos – 2015)

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Hablar de madurez es un cliché innecesario. Christian Koren (Blit) ha pasado por  distintos sellos. Entre ellos Modismo, Future Frequencies, y ahora también Discos Pegaos.

Su nuevo trabajo, “Doria” tiene una estructura narrativa. Nos cuenta un relato: dos escenas para tres personajes, en donde los personajes son más grotescos que el mismo paisaje. Colores que hacen una referencia sideral que concuerda con el sonido. La atmósfera no es solo promesa visual (mención honrosa a los bajos), un método distinto para un disco que no debe ser olvidado.

“Doria” rescata la violencia que hay en trabajos anteriores, con una levedad constante y también, la belleza en las observaciones que se tienen durante un aterrizaje dividido en 5 partes (tracks). Lejos de ser una banda sonora, “Doria” es la historia misma.

Brodinski se vuelca a la música “Brava”

El francés más duro, liberó una de las mejores referencias en cuanto a sonido moderno.
Los Boiler Room’s de Brodinski me generan una asociación sumamente prejuiciosa y básica: cocaína a destajo. La dureza del comandante de BMC es única y vaya que la deja entrever soltando seducción y ritmos agresivos, sets aguerridos y una estética tremendamente trill.

Pero no es un aparecido ni mucho menos. Ya de por si, Bromance Records, el sello que funda, es uno de los más frescos dentro del rollo club europeo. Con referencias como este discazo de Illangelo o el trabajo de otro techno-head como Gesaffelstein, el sello es una brutalidad en contenido: firman solo éxitos y beats impresionantes. Y, si fuera poco, además de liderar a los franceses, hacer bailar a todo el mundo y dedicarse a una de sus máximas pasiones, también tomó parte en la producción de los tracks “Send it Up” y “Black Skinhead” del “Yeezus” de Kanye West.

Siendo uno de los pioneros de esa hibridación techno-trap-club, vistiendo un Rolex para sus entrevistas o dejándose llevar por la lisergia tras su paso por México; la salida de su última referencia, “Brava” me parece apropiada catalogarla como una de las mejores en cuanto a discos, dentro de lo que va el año.

Suena a disco, suena a producciones de rap y hay muchas rimas gruesas. Este disco es por lejos, uno de los más avezados en su género y se coló hondamente en mi cuenta de Spotify. Brodinski se pasea preciosamente por diferentes sonidos y estéticas, dejando paso a muchísima entrega, un carisma colosal y por sobre todas las cosas, un disco fascinante.

Bloody Jay es un puto genio. Ese hook de “Us”, tema central del disco, es exquisitamente adornado por la algaravia y tendencias digitales: mientras nos pasea Youtube por China, destilamos un himno para las pistas atrevido y muy original, con mucho soul y desgarro. Con mucha pasión y downtempo.

Rozando ritmos lentos que, a ratos, parecen no adaptarse a la pista de baile; Brodinski asume la posición de jerarca, y ordena correctamente a sus colaboradores para gestar un disco brillante, pero de esos que brillan por todos lados.

Great Albums – “Acid Rap” by Chance The Rapper (2013)

Ya desde el año 2013 venimos escuchando un poco sobre Chance The Rapper, también conocido como Chancelor Bennett. Desde Chicago este joven músico de 20 años nos trae el gran segundo mixtape llamado Acid Rap, el cual salió a la luz el año pasado en internet a modo de descarga gratuita. Sin duda, este segundo proyecto logró que el rapero de Illinois ganará un gran reconocimiento y fama, logrando así poder ocupar un importante espacio dentro de la industria musical norteamericana.

Actualmente se encuentra dentro de los “10 raperos nuevos a escuchar” según COMPLEX Magazine y The Guardian. Además fue nominado al mejor mixtape del 2013 en los BET Hip-Hop Awards y esta dentro de los albums más vendidos en Amazon y descargados en iTunes.

Ahora bien, sobre Acid Rap hay mucho que decir. Nos encontramos con historias de violencia, la escuela, el amor y la prostitución. Básicamente, estamos hablando de una letra minuciosamente compuesta que habla de su vida y de como seguir viviendo luego de haber estado expuesto a tanta violencia, la cual se acompaña de una melodía más bien positiva con ausencia de agresión. Bennett nos habla con desilusión pero con esperanza, anunciando aquello que merece justicia y que por cierto nadie habla. Por lo tanto, es más bien un discurso poético acompañado de gritos y lírica por parte del rapero, además de los elementos clásicos del soul, acid jazz, R&B y bass.
Sin duda, al escuchar su disco vemos una mezcla de sonidos casi irresponsable que nos invitan a un viaje no alternativo de la música, sino nuevo. Nos encontramos con un disco que rompe con los esquemas en cómo se va desenvolviendo la melodía. Vemos matices que nos remiten a una alucinación y a un quiebre casi de desesperación entre la realidad y las drogas. Aquí no se trata de gangsters ni pandilleros, sino de freaks y de la libertad de expresión que, de manera vulgar, reclaman lo que corresponde mediante la elocuencia de las palabras con inteligencia – “WE’RE NOT NIGGAS, JUST BLACK PEOPLE”

No muchos se conforman con la voz rasposa y desarmada de Bennett, aunque es necesario dejar en claro que aquellas deformaciones de voces y modulaciones son más bien para continuar con el efecto y no precisamente por excentricidad como algunos declararon. Al escuchar el disco por primera vez aparte de su voz es posible distinguir distintos sonidos por separado, desde trompetas hasta beats creados con su propia voz, lo cual nos conlleva un tanto a una experiencia más bien caótica y enredosa. Sin embargo, a medida que el disco va avanzando todo comienza a tomar forma, puesto que nos encontramos con una estructura pensada con anterioridad, siendo aquel conjunto de melodías, voces y letras un resultado único y perfecto. Los invito a escuchar Acid Rap con los amigos comiendo pizza ;)

Grandmaster Flash en Santiago, Chile (review)

El viernes, gracias a los organizadores del ciclo S.U.E.N.A., estuvimos en uno de los mejores sets que he visto en directo este año. Y no era para menos. Uno de los pioneros del djing se presentaba, con más de 50 años a sus espaldas, y dio fe de su experiencia delante de la mesa de mezclas.

Pero antes del gran maestro apareció en escena la chilena Anita Tijoux con un show en vivo, con banda, en el que nos dieron un concierto serio y profesional, como acostumbra la experimentada mc santiaguina. Tema tras tema consiguió enganchar con el público hasta que dejaron la sala bien caliente para dejar las tablas al Grandmaster.
Temas clásicos mezclados con otros más nuevos, si no recuerdo mal más cerca de los 90 que del 2000, pero con la fuerza y el enganche necesario para tener al público saltando y cantando cada himno que colocaba en las ruedas de acero. La intervención del veterano dj se alargó hasta la hora entre cánticos de “chiliiiii” y “manos en el aireeee”, asegurándose, sin arriesgar lo más mínimo, un buen show para todos los que habían pagado su entrada.

Al término del dj norte americano la gente empezó a marcharse, lástima porque Dj DeMentira + Vaskular tenían preparado otro set bien movido. Prueba de ello fue que todos los breakers y bailarines se juntaron, donde antes no cabía una aguja, para el disfrute de los que quedamos en la sala.
Pocos minutos después abandonamos la sala, cansados por la hora y el baile, dejando la pista a los que seguían con fuerza para cerrar la noche. Esperamos que la próxima sea pronto!

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Fotografía por Javiera Moreno.