Top 10 2016 – Mathias Andres

Iniciamos la selección de Top 10 del 2016, con los destacados de Mathias Andres.

Como ya os habíamos informado, con el inicio del mes de diciembre, la cercanía de la sección de los Top 10 del año estaba al caer. Y hoy, ya es una realidad.

La persona que se encarga de inaugurar las selecciones de este año, es nuestro amigo Mathias Andres, del que hemos compartido parte de su genial y más que destacable trabajo, y del que os recomendamos sigáis sus aventuras y nuevos proyectos a través de su Instagram.

Sin más, os dejamos que disfrutéis de la variada e interesante selección de sus 10 destacados del 2016.

Mathias Andres
La verdad es que no se muy bien como empezar este artículo, principalmente porque mi memoria es una mierda y no se en qué día vivo, como para acordarme de lo que ha pasado este año. He recopilado una serie de cosas, miscelánea, que me han venido a la cabeza. No necesariamente en orden, es una lista en general. Espero que la disfrutéis:

1. Exposición de El Bosco en el Museo Nacional del Prado. Fui a verla casi, casi en su último día, y menos mal. Aunque a reventar de gente y con viejas a las que solo le faltaba llevarse el hornillo y acampar delante de El Jardín de las Delicias, pero aún así un imprescindible, una verdadera maravilla, me alegro de haber movido el culo hasta Madrid para verla.

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2. Las pistas de básquet de Greg Mike y Kaws –continuando la senda de Pigalle– la primera en Atlanta y la segunda en NY. Bajar a la cancha de tu barrio y verlas así, tiene que ser la hostia, feel like a pro!. Me gustaría ver mucho más de esto al año que viene y hasta aquí puedo leer.

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3. Ámsterdam libre de CO2 en el 2050, el compromiso de los holandeses para dejar de usar gas natural, utilizar energías renovables, dejar de emitir CO2, y todo lo que esto conlleva, a nivel de civismo, alimentación, educación… Este tipo de cosas me hacen creer que hay un mundo mejor ahí fuera. Elijo este ejemplo, como podría ser el compromiso de los países nórdicos a reducir a menos de el 3% los excedentes de comida.

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4. El tapón de Lebron James en el 7º partido de las finales; esto fué el colofón a una temporada llena de records y con un nivel de juego espectacular, desde el record de los Warriors de 73-9 en temporada regular, hasta la remontada de los Cavs en las finales. El nivel está muy alto, tenemos NBA para rato!

https://www.youtube.com/watch?v=N11oeH0Ihgg

5. This is Franchise Magazine, una vision diferente sobre el baloncesto, solo puedo añadir que I LOVE THIS GAME! y en España no desmerece para nada la revista Skyhook, tanto su versión impresa como la digital, en casa también se trabaja bien!

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6. La imagen de Rip’n’Dip, me encanta el desarrollo de la imagen de la marca californiana. El humor con el que hacen todas las cosas y el crecimiento exponencial que está teniendo. Solo hay que ver la cantidad de acciones y pop up shops que llevan a cabo. Habrá que estar atento a las novedades del próximo año si si si, y la imagen de las tiendas de VLONE, desde Los Angeles, Milán, y ahora en Miami; una imagen muy fuerte e impactante, una buena elección artística, touché. Eso si, la línea de ropa me parece otra basura hype sobrevalorada del mundo del streetwear con precios desorbitados, las cosas como son.

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7. Victor Solomon y su Literally Balling. El baloncesto convertido en arte, lujo, escultura y más. Me encanta el trabajo de este tío, me parece más que brillante. Las canchas de básquet son las nuevas iglesias del siglo XXI y sus tableros las vidrieras.

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8. TV Series, como The People vs OJ Simpson (está en Netflix) y Atlanta con Childish Gambino; para esta tendréis que tirar de ingenio para encontrarla. También me han gustado The Get Down e Easy, de Netflix y ya que estamos pagando mensualidad, hay que ver Bojack Horseman y Archer. Ya tenéis trabajo debajo de la batamanta para estas navidades.

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9. Star Wars Rogue One. Puede que la película sea una mierda, cosa que no descarto, pero me gusta tantísimo Star Wars desde tan pequeño, que cualquier cosa que sea estirar el universo me parece bien: ver Starship Troopers, a Darth Vader… me pone los pelos de punta. El tener una película al año, aunque sea Disney, es la hostia.

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10. The Life of Pablo. Kanye lo ha vuelto a hacer. El disco me parece un banger en toda regla, y el show que lleva en directo… madre mía!! ese escenario flotante que se mueve durante todo el show por encima del público provocando pogos bajo él… se ha coronado. Creo que un artista sube o baja de nivel en directo, y no en este show, pero he visto a Kanye y puedo asegurar que él sube.
Por otra parte no me gusta nada esa cara sensacionalista y de prensa rosa que innecesariamente se carga a las espaldas, llamando constantemente la atención con cualquier tontería. No me extraña que haya explotado. Kanye, tienes suficiente talento como para demostrar lo bueno que eres sólo con la música, porque en el campo de la moda y sus Yeezy, opino lo mismo que con VLONE.

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Mathias Andres – Paint Today

Potenciando y explotando la creatividad, Mathias Andres nos presenta su nuevo proyecto: Paint Today.

Cuando una persona es creativa, tiene un “veneno” que le corre por la sangre y le induce a estar activo. Un motor que le hace crear, sea cual sea el formato y/o forma.
Una de esas personas creativas es Mathias Andres. Y hoy mostramos el nuevo proyecto con el que anda entre manos.

Su trayectoria es extensa y variada, y con anterioridad ya hemos hablado de alguno de sus proyectos del pasado; camisetas, gorras, prints, fiestas y sesiones son parte del largo etcétera de trabajos en los que ha estado (y está) involucrado; pero hoy nos vamos a centrar en Paint Today.

Paint Today es su nuevo proyecto personal, donde la ilustración es el foco principal hacia dónde vierte su creatividad y basa todo el significado del concepto de esta nueva obra, que aún sin tener un rumbo determinado, ya nos permite observar obras de una gran factura con un particular y personal mensaje.

El leitmotiv de esta nueva idea que está llevando a cabo, se traduce del propio nombre del proyecto; Paint Today. Extendiendo literalmente su significado (pinta hoy) a “haz algo hoy“, sin importancia de lo que se trate, pero haciendo hincapié en ese veneno creativo que lleva a tener como objetivo el no estar quieto.

Según el propio Mathias, para el es pintar o dibujar, pero para otra persona puede ser cualquier otra actividad que le resulte inspiradora, con lo cual nos deja claro que se trata de un proyecto inclusivo mediante el que invita a la gente a potenciar su propia vena creativa.
Esta inclusividad, queda también patente en la intención del autor en la búsqueda de una reacción del individuo, mediante la generación de preguntas a través de la visualización de los gráficos.

A nosotros, desde luego, nos parece una propuesta genial a la par que original. ¿Qué te parece a ti?.

Puedes encontrar más información del proyecto AQUI y AQUI.

Así que ya lo sabes, Paint Today!

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El arte de contar historias con paredes en movimiento

La historia de la animación ha dado, a lo largo de toda su existencia, nacimiento a un sinfín de técnicas variadas, divertidas y arriesgadas. Todas ellas cuentan con múltiples ejemplos que demuestran que prácticamente cualquier material, o soporte, es válido para poder generar un universo particular que permita hacer una película o video.

Si nos ponemos a indagar sobre éste género, nos encontramos con múltiples formas de dar la sensación de movimiento a través de las imágenes. Técnicas como el cut-out, claymotion o la rotoscopia han sido desarrolladas por cientos de artistas de todo el mundo; aunque sin lugar a dudas, la más extendida sea el famoso stop motion. A pesar de que parezca que cada una de ellas es independiente del resto, es muy común que todas ellas se entremezclen en las propuestas audiovisuales, permitiendo que los creadores utilicen las ventajas de unas y otras para realizar obras con personalidad y estilo propio.

Era tan solo cuestión de tiempo que algunos cineastas o artistas urbanos decidiesen embarcarse en el arte de contar historias a través de animaciones realizadas en muros. Quizá el artistas más reconocido dentro de ésta técnica de rodar sea BLU, quien a través de internet, dio a conocer sus producciones fílmicas por todo el planeta.

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Seguramente él no fuese el primero en emplear este método, ya que otros artistas menos conocidos como Lush o Zebra, Tugs, Niato and The Basta también han recurrido a este método de animar para experimentar con el graffiti y el video. Existen muchos otros artistas que han aprovechado su talento para realizar vídeos de animaciones relacionadas con el graffiti, no se trata de algo nuevo dentro del mundillo, pero siempre existen algunos escritores que ya sea por su actividad o fama dentro del gremio, o por su talento, consiguen llegar fácilmente a un gran publico y apuntarse el tanto.

Sea quien fuese el primero, parece que ésta forma de hacer cine ha ido creciendo y creciendo hasta llegar a los Oscars; el festival de cine más famoso y promocionado del mundo.

Y su llegada ha sido a través del cortometraje The Bigger Picture, el proyecto de fin de grado de unos estudiantes de la The National Film and Television School; una de las escuelas de cine más prestigiosas del Reino Unido.

Su lista de nominaciones y premios es extensa y no es de extrañar, ya que la obra cuenta con una calidad impresionante y un proceso de dirección artística muy pocas veces visto en el circuito de competición cinematográfica. A través de su página web se pueden ver algunas fotografías del proceso de rodaje del corto, donde el equipo de arte dibuja plano a plano los personajes y demás elementos que cobran vida en esta inusual propuesta.

Esperemos que este sea el comienzo y en los próximos años nos encontremos con más realizadores que se animen y se atrevan a utilizar esta técnica para contar historias y experimentar con las propuestas fílmicas; al fin y al cabo, el cine es un arte joven y nos queda mucho por ver o hacer.

En España, el cortometraje se ha traducido como Panorama general, y se puede ver de manera gratuita, sin necesidad de registro, a través de la plataforma YOMVI.

Sixe Paredes – DANZA – RITUAL (exposición)

Después de un año y medio de trabajo entre Perú y Barcelona, Sixe Paredes presenta su primera exposición individual en Francia: DANZA – RITUAL.

Desde ayer 24 de septiembre y hasta el 24 de octubre, todos los que estén por Paris (Francia) tienen la visita obligada a la primera exposición individual en el país galo del artista catalán Sixe Paredes.

La admiración por el trabajo de Sixe no es nuevo en ‘Causeineedit y, como no podía se de otra manera, volvemos a apoyar al artista en su nueva muestra donde podremos disfrutar de diferentes trabajos en pintura, telar y cerámicas realizadas en la mística región de Nasca (Perú).

Te dejamos el vídeo presentación –dirigido por Tomás Peña– y te invitamos a la muestra “DANZA – RITUAL” de Sixe Paredes, hasta el 24 de octubre en la Galerie Le Feuvre, París (Francia).

Dourone – Hollywood

El artista e ilustrador español se encuentra actualmente haciendo una gira por Estados Unidos, concretamente por Los Angeles, y recientemente ha terminado un mural en el Hollywood Eastman Kodak Building. 35 metros de largo por siete metros de alto es lo que Dourone ha estado trabajando en las últimas semanas.

Ahora se encuentra pintando el South Park en Downtown L.A y esperamos poder mostrar algunas de las imágenes de la obra del madrileño en la ciudad norteamericana.

Phil Sanchez
Phil Sanchez
Jonathan Furlong
Jonathan Furlong
Phil Sanchez
Phil Sanchez

Bonafide Icon – Grail & Glory

Una vez más, gracias a las Redes Sociales he podido dar con un artista que une en su obra varios de los aspectos que más me influyen y llaman mi atención desde hace muchos años.
Estoy hablando de Bonafide Icon, un ilustrador y diseñador gráfico neoyorquino cuyo trabajo está influenciado por la cultura del deporte y las zapatillas, combinando estas con referencias de la nostalgia evocada por la década de los noventa.

Desde su web, o mejor debería denominarla galería, muestra de una manera muy cuidada y con una gran calidad su archivo artístico de ídolos y reliquias.
Sus composiciones son brillantes, y mediante el uso de una surtida cantidad de materiales y técnicas, es capaz de crear verdaderas obras de arte contemporáneo.

Desde figuras de la NBA hasta los modelos más famosos de Nike o Reebok, todos ellos recreados bajo las características formas de las que Bonafide Icon dota a sus obras. Como si estas se tratasen de auténticas y majestuosas vidrieras de iglesia. De una iglesia de la que con total sinceridad me declararía devoto.

Michael Jordan, Charles Barkley, Chris Webber, Shawn Kemp, entre muchos otros, o una larga serie de los modelos numerados de las Air Jordan, o las Kamikaze de Reebok, las Air Penny,… son tan sólo una pequeña muestra de la cantidad de protagonistas principales de sus obras maestras.
Además todo este gran trabajo que realiza, a menudo muestra su proceso de creación a través de Facebook e instagram.

Y por si esto fuese poco, también cuenta con un apartado de productos textiles, de su propia creación, dónde también reproduce en este formato auténticas joyas mencionando a las más destacables figuras y equipos de la década de los noventa.

A todos los amantes del deporte americano y de las zapatillas, os aconsejo que le deis un vistazo a sus creaciones y a su web, que además cuenta con una tienda on-line, desde donde os podéis hacer una buena y exclusiva obra, por un precio de lo más asequible.

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Wayne Barlowe – Infierno, fantasía y caos

Post original de: Rodrigo Servert x ‘Causeineedit.

El artista canadiense John Howe nos dejó estas palabras acerca del ilustrador que os presentaremos en este artículo:

“Ver dibujar a Wayne Barlowe es una experiencia fascinante. Establece la más ligera de las líneas de lápiz a modo de guía y, a continuación, sin titubear, comienza a construir los dibujos más minuciosamente detallados. Mientras sus líneas preparatorias se vuelven tan finas que prácticamente son invisibles, ver los dibujos materializarse es similar al desarrollo de las impresiones en blanco y negro. Aparecen sin más, como si el lápiz fuera un bisturí, troceando el papel para revelar la imagen que se encuentra sumergida. Para la gente como yo, alguien que no tiene ni idea de hacia donde se dirige un dibujo cuando comienza a gestarse, hay algo alquímico en la habilidad de Wayne’.

De origen neoyorquino, Wayne Barlowe es un peso pesado de la ilustración contemporánea, participando en grandes títulos internacionales como ‘Harry Potter‘, ‘Avatar‘, ‘Pacific Rim‘ o ‘El Hobbit‘.

'What remains', Wayne Barlowe (inédito)
‘What remains’, Wayne Barlowe (inédito)

Wayne Barlowe comenta lo siguiente acerca de la ilustración superior, ‘What remains‘ (‘Lo que queda’): ‘Todo lo que tiene el infierno de lugar salvaje y horroroso también lo tiene de triste. ¿Qué otra cosa que no fuera tristeza podría sentir un ser del cielo al encontrarse en ese ambiente? Y lo que es peor, ¿se podría tener algún recuerdo más trágico del pasado que el de una de las propias plumas de la criatura carbonizándose? Para mí, la parte más difícil del desarrollo del concepto de esta ilustración fue decidir si añadir o no un signo de interrogación al final del título.’

La creatividad del neoyorquino suele germinar en un tipo de ambientes muy concretos: el infierno, la prehistoria, los mundos fantásticos y sobrenaturales y las escenas futuristas, caóticas y repletas de criaturas extravagantes.

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‘Taniwha novaeseelandiae ngakensis’ – Wayne Barlowe (2012)

Wayne Barlowe también escribe, aunque afirma que dibujar e ilustrar le resulta mucho más fácil. Esta facilidad, sin embargo, no es sinónima de satisfacción. En una entrevista que le realizó la revista IDLER en 2011, el neoyorquino comenta que una semana después de acabar una ilustración ya está harto de ella y no la puede volver a ver por los fallos que percibe en su composición.

Portada del libro 'The Mercernary', Wayne Barlowe
Portada del libro ‘The Mercernary’, Wayne Barlowe

Puedes encontrar más ilustraciones, novedades e información acerca de este autor en su página web.

Pablo Amaringo – El chamán pintor

"Chacruna Versucum" - Pablo Amaringo (2007)
“Chacruna Versucum” – Pablo Amaringo (2007)

Pablo Amaringo nació en 1943, en un pequeño poblado de la Amazonia peruana. Séptimo de trece hermanos, vivió su infancia en la pobreza extrema. Únicamente pudo acudir dos años a la escuela ya que se vio obligado a trabajar para mantener a su familia. A los 10, Amaringo consumió por primera vez ayahuasca, una sustancia ancestral muy utilizada por los curanderos vegetalistas de su región.

Pero realmente no sería hasta los 17 años cuando la ayahuasca y la vida de Amaringo quedaran entrelazadas de por vida: a esa misma edad, el peruano sufrió una grave enfermedad del corazón, de la cual consiguió finalmente curarse a partir del consumo de ayahuasca. Durante su periodo de convalecencia, Pablo Amaringo se dedicó a la pintura.

"El principio de la Vida" - Pablo Amaringo (2003)
“El principio de la Vida” – Pablo Amaringo (2003)

Durante los siete años siguientes Pablo ejerció como sanador en la Amazonia peruana, poniendo fin a este periodo debido a unos conflictos que mantuvo con otro chamán. Entonces, Pablo Amaringo se dedicó a la pintura, creando una escuela de arte llamada “Usko Ayar” (“Príncipe Espiritual” en quechua).

En 1985, Pablo conoció al antropólogo colombiano Luis Eduardo Luna, con el cual emprendió un proyecto titulado: “Visiones de la Ayahuasca. Iconografía religiosa de un chamán peruano”. El proyecto se comenzó a gestar cuando Luna le pidió a Amaringo si con su pintura podía representar las visiones que experimentaba cuando consumía la ayahuasca. Sobre esta sustancia, una vez Amaringo advirtió: “La ayahuasca no es algo para jugar. Incluso puede matar, no porque sea tóxica en sí misma, sino porque el cuerpo puede no ser capaz de soportar el reino espiritual, las vibraciones del mundo espiritual”.

"Unai Shipash" - Pablo Amaringo (2003)
“Unai Shipash” – Pablo Amaringo (2003)

A la hora de realizar sus obras, Pablo Amaringo se concentraba en una imagen que recordara durante sus viajes con la ayahuasca, hasta que recobrase todos los detalles de aquel instante. A partir de ese momento, solo tenía que dibujar la escena y añadir los colores, sabiendo con exactitud qué color y tonalidad debía usar en cada momento.

Amaringo murió en 2009, mientras trabajaba en pinturas sobre los ángeles y sobre la flora y fauna de su país natal, Perú.

"Ayari Huarmi" - Pablo Amaringo (2004)
“Ayari Huarmi” – Pablo Amaringo (2004)

Mehdi Ghadyanloo – Tehran Walls

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Encontramos este post hace unos meses pero hemos querido recalcarlo hoy. Queremos mostrar estos juegos surrealistas pintados a mano en murales gigantes de fachadas de edificios de Teherán, la capital de Irán, por parte de Mehdi Ghadyanloo.

Grata fué mi sorpresa al descubrir que este artista iraní ha dejado mucho más que sus huellas y raíces en la ciudad, ha llegado a recrear hasta 100 murales de un tamaño vertiginoso a lo largo de la zona central de la ciudad, buscando perturbar al transeunte con juegos ópticos y surrealistas que dejarían a muchos buscando el norte. A continuación os mostramos algunos de los murales y os dejamos el link del Mehdi por si queréis saber más de él.

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Augustin Lesage – Una llamada en la oscuridad

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Título desconocido – Augustin Lesage

Una noche de 1911, mientras trabajaba en la mina de carbón, Augustin Lesage, francés y de 35 años, escuchó unas extrañas voces provenientes del interior de la mina. Las voces lo llamaban, se dirigían directamente hacia él y le susurraban: “Un día serás pintor”. Este sorprendente suceso impactó de lleno en el minero, que comenzó a participar en círculos espiritistas. Un año después de haber oído por primera vez aquellas voces, Lesage volvió a recibir su llamada; “Las voces que escuchaste eran reales. Vas a ser pintor. No temas, presta atención a nuestros consejos. Al principio pensarás que esto es ridículo, pero nosotros trazaremos el camino a través de tus manos. No trates de entender.”

Aquellos susurros procedentes de las entrañas de la mina de carbón, dictaron a Lesage los materiales que tenía que comprar para emprender su misión como pintor.

Una vez estuvo preparado, Lesage comenzó a pintar tras cada larga jornada en la mina, dejando que las extrañas voces guiaran sus manos. “Era como trabajar sin trabajar” afirmó el francés. En 1914 Lesage tuvo que combatir en la Primera Guerra Mundial, donde continuó realizando dibujos en las postales. Años después, en 1923, pudo abandonar su trabajo en las minas gracias al mecenazgo del director de una importante revista de espiritualismo francesa.

Augustin Lesage en el estudio
Augustin Lesage en el estudio

Pese a la gran producción artística de Lesage (más de 800 lienzos), poco se sabe de su vida y sus cuadros prácticamente nunca se expusieron en el extranjero. El estilo del francés es inconfundible: simetría, patrones de colores llamativos, referencias a una miscelánea de religiones (en especial a la cultura del Antiguo Egipto) y complejas estructuras geométricas organizadas en capas horizontales. Hoy en día se puede afirmar que la pintura de Lesage fue una de las más atrevidas del arte moderno.

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“Compsición simbólica del mundo espiritual”, Augustin Lesage (1925)

Sobekcis – “Synthesis” – Openspace Paris

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Ya hemos hablado alguna de vez de este par de artistas y gemelos serbios denominados Sobekcis, pero lo que hoy os traemos va una poco más alla. Se trata de la exposición inaugurada recientemente en Openspace Paris a cargo de estos dos hermanos, la titularon “Synthesis”.

Sobekcis provienen del graffiti pero siguen adentrándose en las galerías poco a poco, tanto su forma de trabajar, completamente en conjunto, llegando a construir obras de gran formato a cuatro manos, como su calidad en obra final han hecho que cada vez más gente ponga su ojo en ellos. Os dejamos con algunas fotografías de la inauguración del evento en París. Esperamos que lo disfrutéis.

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Exposición ‘Punto Volado’ de Nuria Mora – Delimbo Gallery, Sevilla

NURIA-MORA-PUNTO-VOLADO-INTERNETEste próximo viernes Nuria Mora regresa a Delimbo Gallery con ‘Punto Volado’, una exposición que contará con más de 15 obras nuevas que incluyen diferentes disciplinas como pintura, instalación y escultura. En ésta última técnica destaca la presentación en primicia de la escultura que ha realizado en colaboración con la revista Architectural Digest (AD).

La artista ya expuso en esta shop-gallery de Sevilla, donde el año pasado participó con motivo de la exposición colectiva ‘Hecho en Madrid’, y su trayectoria abarca otras galerías internacionales como Tate Modern de Londres, la fundación Miró, el Instituto Cervantes o el Museo de arte contemporáneo de Johannesburgo. Su trabajo también incluye campañas para Loewe en Tokio, además de ser la artista encargada del último cartel del Circo del Sol.

Os dejamos con el teaser que Nuria ha creado para la ocasión, así como algunas imágenes de su trabajo.

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Bene Rohlmann – Ilustraciones

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Este joven de 27 años nacido en Münster,nos muestra una variedad de ilustraciones de una sobriedad excelente, su control de la técnica hace que Bene Rohlmann sea uno de los ilustradores editoriales mas relevantes en la escena de la Alemania mas “underground”.

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Gemma Granados. Paintings

Gemma Granados (Casar de Cáceres, 1983) desde muy temprana edad descubre que su vida gira alrededor de los colores y las formas de expresión. Pasa sus primeros años de clase en clase sumergiéndose en la pintura y el dibujo , compaginando clases de bachillerato artistico y escuela de artes. Posteriormente se muda durante cinco años a Salamanca para licenciarse en Bellas Artes. Durante su estancia en esta ciudad forma parte del colectivo ARTivistas, con el que se lanza a la calle con distintas performances.
Sale a pintar con amigos, pero formaliza su estilo en el Centro Joven de Casar de Cáceres, primeros murales en los que aparecen exclusivamente los personajes que se dejaban ver entre compañeros y libretas. Es su viaje a Buenos Aires la que le hace engacharse al street art, sin presion del aula, da rienda suelta a su imaginación y sale a pintar siempre que le es posible, colabora con centros culturales de la capital, participa en Eventos de Arte Urbano en Argentina, y posteriormente en su primer viaje a Brasil.

Después de un año conociendo distintos paises sudamericanos, viviendo otras realidades y compartiendo otras culturas se forma durante tres meses en Estados Unidos como voluntaria y desarrola un proyecto de arte social durante cuatro meses en una pequeña aldea de Belize, donde lleva a cabo decenas de murales con la ayuda de adolescentes y niños, recuperando las zonas comunes, a su vez se hace cargo de la asignatura de Art and Craf en el colegio público de Caledonia, distrito de Corozal.

Su obra gira alrededor de los sentimientos, pasa de estar enfadada con el mundo, a reclamarle sus carencias, y es que Gemma se da cuenta de que el individuo tiene la misma problematica que tiempos atras, producto de un ser cada vez más gris, que sustituye su falta de afecto por consumismo. Los desechos de este fenómeno que produce a diario toneladas de basura, que le proporcionan a Gemma el soporte a sus obras, cuando necesita darle un enfoque a su trabajo de sala, pues recicla dando una segunda oportunidad a los objetos que pasan por nuestras manos sin reparar en ellos.


Trabaja con una serie de personajes llamados “Pusinky”, besos en eslovaco, como protestas al sistema que deja de lado los sentimientos, lo que considera la verdadera y principal preocupación del ser humano. La artista manifiesta con esto la presión que ejercen los medios y el sistema sobre las personas, cómo la sociedad de consumo grapa un código de barras en el culo de cada individuo.

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Pedro Paricio – Paintings


Pedro Paricio born in Tenerife, one of the seven islands that make up The Canary Islands – a group of paradisiac islands in Atlantic Ocean- in 1982.
In 2004 he moved his studio to Barcelona where began to work as full time painter. In 2009 has been signed by Juan Manuel Bonet, one of the most important Spanish art critic, poet and writer, like a young artist to consider. [block_quote cite=’- Bonet’] One of the fresher and one of the best i have seen lately, in the emergen Spanish artist sphere [/block_quote]

Gracias Pedro